Detonautas lança “Vampira” com produção pop e narração de Milton Cunha
O Detonautas continua firme em sua fase de experimentações e lançou o single Vampira. A faixa chega com uma proposta estética ousada: une o peso da banda à produção pop/eletrônica de Pablo Bispo e Ruxell (dupla por trás de hits de Anitta e Pabllo Vittar). E para coroar o clima pré-Carnaval, a música conta com uma participação especialíssima: a voz icônica e performática do carnavalesco Milton Cunha, que abre a faixa com uma narração. Rock, ironia e folia do Detonautas em Vampira A música antecipa o novo álbum do grupo, previsto para março, e funciona como uma alegoria contemporânea. A Vampira da letra é uma metáfora para a mulher livre que assusta o conservadorismo masculino. “É uma música irônica, sedutora e provocativa… É uma metáfora sobre esse imaginário masculino que teme as mulheres que não se deixam dominar”, explica Tico Santa Cruz. Sobre o timing do lançamento, Tico relembra que o rock brasileiro sempre flertou com a folia: “Existe uma ironia bonita em lançar essa música em fevereiro… A gente trouxe essa energia lúdica, psicodélica e carnavalesca para dentro do nosso universo, como a própria Rita Lee fazia”. Nova fase sonora Sucedendo o single Potinho de Veneno, Vampira reforça que o próximo disco do Detonautas não terá medo de polarizar opiniões. A banda busca traduzir um “Brasil profundo” com uma linguagem cinematográfica e moderna, sem abrir mão de sua essência, mas pisando firme em novos territórios sonoros.
Ludovic retorna com o single “Desde que eu morri”
Para quem acompanhou o underground brasileiro dos anos 2000, o nome Ludovic evoca memórias de shows catárticos e letras viscerais. Após duas décadas desde o lançamento de seu último álbum de estúdio (Idioma Morto, de 2006), o quarteto paulistano está finalmente pronto para escrever um novo capítulo. O jejum foi quebrado nesta terça-feira (3) com o lançamento do single Desde que eu morri. A faixa é a primeira amostra do aguardado novo disco, previsto para chegar ao mercado ainda neste primeiro semestre, via Balaclava Records. Vida, mente e caos na Ludovic A escolha da música para capitanear essa nova fase não foi por acaso. Segundo a banda, ela funciona como uma ponte: mescla a sonoridade clássica e urgente do grupo com novos elementos e arranjos mais complexos. Liricamente, o vocalista Jair Naves mantém sua escrita afiada, abordando temas como o apego à vida, a luta para manter a calma em momentos de crise e o estigma que ainda envolve a saúde mental. “Em termos de sonoridade, creio que reúne as características que as pessoas normalmente associam ao Ludovic, com alguns elementos novos… Foi a primeira faixa que finalizamos no processo do álbum novo. Acho bem simbólico iniciarmos essa nova fase lançando justamente essa como single”, explica Jair.
Dead Fish revela inéditas na versão deluxe de “Labirinto da Memória”
Às vezes, o que fica de fora da tracklist final de um disco é tão urgente quanto o que entra. Quase dois anos após apresentar o álbum Labirinto da Memória (2024), o Dead Fish decidiu abrir os arquivos daquela sessão de gravação. A banda capixaba disponibilizou nas plataformas de streaming a edição deluxe do trabalho, via gravadora Deck. O projeto expandido vai além de uma simples reedição: ele traz duas faixas inéditas, Entre o Fim e o Começo e Orbitando, além de quatro registros captados ao vivo. “Tragicamente atual para 2026” Produzidas por Rafael Ramos e Ricardo Mastria, as canções inéditas mantêm a pegada hardcore melódica que marcou o disco original. Segundo a banda, elas só ficaram de fora em 2024 por questões de fluxo narrativo do álbum. O vocalista Rodrigo Lima comenta que a faixa “Entre o Fim e o Começo” reflete sobre o esgotamento de recursos e a apropriação egoísta do conhecimento: “Entre o Fim e o Começo ficou pronta no fim das gravações e preferimos deixá-la de fora. Eu, pessoalmente, gosto bastante da letra e da música, é uma letra tragicamente atual para 2026”. Já sobre Orbitando, Lima explica que a música “bateu na trave”. “Ficou pronta antes de muitas que entraram. Gosto de tudo nela… mas acabou não encaixando no flow do álbum. É uma música muito forte, que ficou sem lugar”. Registro dos palcos de Labirinto da Memória Para completar o pacote, a edição deluxe inclui a energia da turnê que rodou o Brasil nos últimos dois anos. As faixas escolhidas para as versões ao vivo foram:
Pingguim estreia na Midas Music com produção de Rick Bonadio no single “O Tempo e a Distância”
O cantor e compositor Pingguim lançou, em todos os aplicativos de música, o single O Tempo e a Distância. O lançamento marca uma virada de chave na carreira do artista do ABC Paulista: é sua estreia pela gigante Midas Music, sob a batuta de ninguém menos que Rick Bonadio, o produtor responsável por moldar o som de bandas que são influências diretas de Pingguim, como Charlie Brown Jr. e O Rappa. Pingguim é rap rock com maturidade Musicalmente, a faixa transita com naturalidade entre o rap e o rock moderno. Foge da nostalgia pura e aposta em uma identidade contemporânea, unindo o groove à atitude. “O rap traz a narrativa, a palavra crua; o rock entra com energia, intensidade e explosão emocional”, define o artista. A letra é um retrato honesto sobre lucidez emocional. Segundo Pingguim, a música nasce de vivências reais e fala sobre a coragem de escolher a paz, mesmo que isso signifique partir. “É sobre entender que insistir dói mais do que seguir em frente”, explica. Do ABC para o Brasil Aos 32 anos, nascido em São Bernardo e criado em Mauá (atualmente em Ribeirão Pires), Pingguim vê essa parceria com Bonadio como um alinhamento de propósito. “O Rick potencializou a força da mensagem, ajustou a sonoridade e ajudou a transformar essa verdade crua em uma música forte, atual e pronta para chegar ao público”, conta. Videoclipe em breve Enquanto o áudio já está disponível, o videoclipe tem data marcada: estreia no canal do YouTube do artista no dia 6 de fevereiro.
Rancore anuncia o álbum “Brio” e lança o single “Eu Quero Viver”
Quinze anos. Foi esse o tempo que separou o lançamento do divisor de águas Seiva (2011) do momento que vivemos hoje. Nesta quarta-feira (28), o Rancore anunciou seu aguardado quarto álbum de estúdio, intitulado Brio. O disco chega ainda neste primeiro semestre pela Balaclava Records. E para quem achava que a banda viveria apenas de nostalgia após a reunião, o primeiro single, Eu Quero Viver, chega para provar o contrário com os dois pés na porta. Indie punk, nu gaze e sobrevivência A nova faixa é descrita como uma mescla de indie punk com tons de nu gaze, demonstrando a visceralidade da formação atual: Teco Martins (voz), Alê Iafelice (bateria), Gustavo Teixeira (guitarra), Henrique Uba (guitarra) e Rodrigo Caggegi (baixo). Produzida por Guilherme Chiappetta e Daniel Pampuri, a música explora a dualidade entre vida e morte. Segundo Teco, trata-se de um “grito de sobrevivência”. “A morte se aproxima! / Qual é o convite? / Quem me chama pra sair? / Hoje eu quero viver: o brilho dessa luz que não se apaga” “Não tivemos medo de soar esquisitos” O Rancore viveu um hiato de quase uma década a partir de 2014, retomando as atividades em 2023 com singles pontuais e a turnê Relâmpago, que lotou 33 shows (incluindo aberturas para o Forfun no Allianz Parque e Lollapalooza). Agora, Brio promete ser a consagração dessa nova fase. Teco Martins não economiza nas palavras ao definir a obra. “Por um tempo, tive certeza de que o Rancore nunca mais voltaria, mas ainda bem que eu estava enganado… Esse disco, sem dúvidas, é nosso melhor trabalho em questão de composições e arranjos. A sonoridade evoluiu demais… Não tivemos medo de soar ‘esquisitos’ ou fora dos padrões do mercado, só buscamos ser verdadeiros com nossa essência”, pontua o vocalista.
Entrevista | Undo – “Queremos uma música que comunique e que traga de volta a força para canção e letra.”
Liderada por Andre Frateschi, atual vocalista de turnê da Legião Urbana, o Undo chega ao álbum de estreia movida por uma mistura de inquietação e maturidade artística. Formado por músicos profundamente ligados ao rock nacional, o quinteto abraça uma estética que recupera a força do post-punk e da new wave dos anos 80 sem abrir mão de um olhar contemporâneo. O resultado é um trabalho que assume identidade própria ao unir atmosferas sombrias, melodias marcantes e letras que exploram os conflitos e as reconstruções possíveis do dia a dia. Fazem parte da banda também Rafael Mimi e Johnny Monster nas guitarras, Rafael Garga na bateria e Dudinha Lima no baixo e na produção. Para quem ainda não conhece o Undo, a banda vai agradar em cheio fãs de bandas como Joy Division e The Cure, bem como uma nova geração que busca por sons radiofônicos de rock alternativo. O disco, autointitulado, apresenta um conjunto de faixas que reforça a versatilidade da banda, indo do lirismo elétrico de “Músculo Novo do Medo” às frenéticas camadas de “Kill Billy”, parceria com Dado Villa-Lobos. Entre singles já conhecidos e composições inéditas, o álbum revela uma banda segura de suas referências e, ao mesmo tempo, determinada a propor novos caminhos dentro do rock brasileiro. Agora, no lançamento desse trabalho que consolida a formação e o conceito do Undo, a banda conversou com o Blog N’Roll sobre criação, influências e o processo de dar forma a esse universo sonoro. A sonoridade de vocês tem ligação com os anos 80, mas com um olhar atual, principalmente do cenário indie americano e inglês. Que referências vocês buscaram para equilibrar essa essência dos anos 80 com elementos mais novos? André – Acho que nada foi buscado de forma deliberada. As referências estão ali porque fazem parte da nossa origem, mas, ao mesmo tempo, somos muito inquietos e estamos sempre olhando para o que está sendo produzido hoje no mundo. Não sentamos nas referências antigas achando que já basta. Se fosse assim, não estaríamos fazendo uma banda agora. A vontade é experimentar coisas diferentes e chamar atenção para o que achamos importante: a canção e as letras, que parecem estar um pouco diluídas. Muita gente produz coisas interessantes, mas no mainstream as letras e melodias perderam importância, e pra gente isso é essencial. A banda nasce dessa vontade de fazer música relevante, que comunique com mais pessoas, não apenas com uma bolha indie. Se vamos conseguir, não sei, mas é sincero. Queremos uma música que comunique e que traga de volta a força para canção e letra. Sobre o nome da banda: no primeiro momento a gente lembra de algo ligado a recomeçar, desfazer, até mesmo o atalho Ctrl+Z do teclado. Como o nome surgiu e como vocês bateram o martelo? André – Isso aconteceu no primeiro dia em que nos juntamos. Eu convidei o Oscar e o Johnny, estávamos na casa do Flávio, nosso produtor. O Mimi também estava. Falamos sobre montar a banda e começar a pensar em nomes. Três minutos depois me veio “Undo”. E pensei: Undo também é como um mundo faltando um pedaço, o M já caiu, já está lá embaixo na ribanceira, sobrou só o M. O nome bateu em todo mundo de primeira, o que é raro. Todo mundo falou “é isso”. Hoje gostamos de falar abrasileirado, para facilitar o entendimento e para reforçar essa imagem do mundo despedaçado. E assim viramos Undo. Mimi – A outra opção era Arquitetos da Indonésia. Brincadeira (risos), não tinha nome nenhum. No álbum já era esperada uma participação do Dado, que é seu parceiro, André, nos últimos anos. Também tem o Leoni. Como foram os bastidores das gravações com eles? Eles trouxeram ideias, chegaram com algo pronto? Johnny – Foi bem natural. O Dado já tinha relação com o André. Ele não esteve no estúdio com a gente, gravou no próprio estúdio e mandou. O riff que ele apresentou era muito bom, é o da música “Kill Billy”. Mantivemos o riff, mas repaginamos a música para a nossa cara. Ele adorou o resultado e já tocou com a gente algumas vezes. O Leoni foi mais íntimo, porque temos um projeto chamado Hospitais, com apresentações em hospitais. Ele conheceu a banda, adorou e fez uma letra com o André, além da música do Mimi. Lembro de um dos dias mais bonitos da banda, na casa dele, quando mostrou o que preparou para “Aprender a Perder”. Ficamos emocionados. Ele é um gigante da composição pop brasileira, então são participações de muito peso. O Leoni brinca que “se convidou”, que ninguém chamou. Quando fazíamos o trabalho nos hospitais, falávamos da banda e ele dizia “me manda, quero fazer algo com vocês”. Achei que ele estava falando só por falar, mas ele sempre foi presente e importante. Foi o primeiro a dar um selo dizendo “o trabalho de vocês é bom, sigam nisso”. Para nós, ele é muito querido. A banda é formada por músicos experientes, cada um com sua bagagem. Como foi o processo criativo? Foi natural ou teve disputa de direcionamento? Mimi – Foi super tranquilo, sem briga nenhuma. Começamos com um núcleo menor e as coisas fluíam naturalmente, sem foco rígido de “vamos pra cá”. Tinha ideias minhas, do Johnny, o André trouxe várias letras, e formamos aquele primeiro núcleo. Depois chegou o Dudinha para produzir, com ouvidos frescos, e deu um novo ar ao material. Depois veio o Garga também com ideias. Tudo muito respeitoso. Fazer música é confiar no outro e deixar que ele coloque suas referências. A música nacional sempre teve grandes movimentos, temos o rock de Brasília, a mistura dos anos 90, depois o emo nos anos 2000. Hoje há uma cena indie forte que tem sonoridade semelhante à de vocês, que remete a um post punk e anos 80. Como enxergam essa galera nova trazendo esse som e como vocês se encaixam num futuro próximo de shows? Johnny – Não sei se nos encaixamos exatamente nessa cena, até pela nossa
Músico santista Luccas Galante lança single Entre Pinguins e Morangos
O cantor e compositor santista Luccas Galante lançou seu primeiro single autoral, Entre Pinguins e Morangos, já disponível para download nas principais plataformas digitais. A música traz uma narrativa pessoal e autêntica, carregada de emoção, com influências de pop, rock e MPB. “Entre Pinguins e Morangos” foi gravada no estúdio Chapa Music, em São Paulo, pelo produtor musical e multi-instrumentista Fábio Chapa, que também toca bateria na faixa, incluindo Lucas Marques na guitarra e Pedro Cruz no baixo. Músico desde os 15 anos de idade, Luccas Galante mantém agenda de shows pelo litoral, capital e interior paulista, enquanto prepara seu primeiro álbum solo. Mais informações e novidades pelas redes sociais do artista: @luccasgalante Ouça o single “Entre Pinguins e Morangos” no Spotify:
Kaio Filipe Blues Band retrata paixão em single de blues e atitude
O amor é imprevisível, move montanhas e encurta distâncias. Ou seja, não controlamos os nossos sentimentos. Este é o tema do novo single de Kaio Filipe Blues Band, Me Curar Não Convém. A faixa transita pelo Texas Blues sem perder o frescor da musicalidade contemporânea, sendo um prato cheio tanto para os fãs do início da trajetória de John Mayer quanto para os amantes de Matt Schofield, Josh Smith e Stevie Ray Vaughan. A letra traz a perspectiva envolvente das baladas blues rock, relativamente remetendo-se ao trabalho de Cazuza. Este é o segundo single de estúdio que o músico divulga em 2022, considerando que a faixa Pra Fazer O Que For foi disponibilizada anteriormente em outubro. As canções se assemelham em termos melódicos, mas opõem-se liricamente tendo em vista que o novo lançamento aborda a paixão enquanto o anterior frisava o espírito de luta e revolução. Para trazer o romantismo em sua melhor versão, isto é, com versos diretos encabeçados por distorções recheadas de feeling, Kaio contou com alguns músicos em estúdio. Tais como BrunãoDUBASS (baixo), Diogo Silva (bateria) e Amanda Ventura (gaita). Segundo Kaio Filipe, “Me Curar Não Convém” retrata a imprevisibilidade das paixões mais intensas. “A música conta a história de um cara que saiu de longe para conhecer uma garota e narra que a relação começou mais acelerada e intensa do que eles previam. Por fim, ele entende que deve ter cautela, mantendo o relacionamento com a calma necessária para dar um passo de cada vez”. A faixa Me Curar Não Convém é um lançamento da gravadora In The Box Records. As sessões de gravação ocorreram no estúdio do selo, que fica na Barra do Piraí, no Rio de Janeiro.
Faça Você Mesma: filme retrata cena Riot Grrrl no Brasil
O documentário Faça Você Mesma, dirigido por Letícia Marques, estreou nesta quinta-feira (10) no Festival Internacional do Documentário Musical (In-Edit). A produção já está disponível no site do evento até 20 de setembro. O movimento punk feminista Riot Grrrl teve suas origens nos Estados Unidos, mas atravessou o mundo com seus questionamentos necessários na luta feminista. A cineasta, que vivenciou viveu o nascimento da cena nos EUA, mergulhou nas raízes do movimento. Para ilustrar como o movimento se desenvolveu no país, o documentário reúne 25 entrevistas de bandas como Dominatrix, TPM, The Dealers, Biônica, Baby Scream, Hitch Lizard, entre outras. O reconhecimento de suas histórias preenche uma lacuna cultural, revelando como as mulheres foram (e continuam sendo!) protagonistas do rock brasileiro. Entretanto, mesmo com foco na música, o filme não ignora os impactos políticos e sociais da Riot Grrrl, enaltecendo sua atuação como movimento social que promoveu mudanças na cena musical. O longa é fruto de uma pesquisa iniciada por Letícia há quatro anos. Portanto, o filme ilustra toda a construção da cena, desde o primeiro show da Dominatrix em março de 1995, em São Paulo. Contando com registros de shows históricos que marcaram o início da onda punk feminista brasileira, o filme elucida os momentos destacados pelas entrevistadas, acompanhando como as iniciativas da época se fortaleceram até os dias atuais. A produção, realizada inteiramente por mulheres, contou com financiamento coletivo pela plataforma Cartase. Confira o trailer de Faça Você Mesma clicando aqui.