Entrevista | The Maine – “O Brasil sabe o quanto amamos tocar aí e com certeza levaremos a Joy Next Door para aí”
Quase duas décadas de estrada e uma conexão inabalável com os fãs marcam a trajetória do The Maine. Agora, a banda do Arizona se prepara para um de seus marcos mais significativos: o lançamento de seu décimo álbum de estúdio, Joy Next Door, com previsão de chegada para abril. O novo trabalho promete mostrar uma faceta mais madura e despida de artifícios de um grupo que soube crescer e evoluir junto com o seu público ao longo dos anos. Batizado pelos próprios integrantes como a “era verde” da banda, o disco aposta em uma instrumentação mais orgânica e faz questão de abraçar imperfeições propositais. Em uma conversa exclusiva com o Blog n’ Roll, o vocalista John O’Callaghan refletiu sobre essa mudança de sonoridade. Segundo ele, a proximidade da “meia-idade” e a vontade de não se esconder mais atrás de grandes produções de estúdio foram fundamentais para que a banda buscasse esse som mais cru e honesto na nova fase. Mas a honestidade de Joy Next Door vai muito além dos arranjos. Durante o bate-papo, John revelou de forma vulnerável que este foi um dos álbuns mais difíceis de produzir até hoje. As letras nasceram de um conflito interno entre a gratidão por uma vida privilegiada e a dificuldade real de estar “totalmente presente” no dia a dia. O resultado, como o próprio músico define, não traz uma solução mágica, mas serve como um empurrãozinho para tentar desacelerar e fazer cada momento valer a pena. Para os fãs brasileiros, a entrevista traz ainda um gostinho especial. A banda guarda com muito carinho as memórias da passagem pelo país no ano passado, durante a I Wanna Be Tour, destacando a experiência inesquecível de tocar em um estádio pela primeira vez. E, para alívio de quem já está com saudade, a promessa de um retorno está no radar: eles garantem que trarão a nova turnê para cá assim que possível, ansiosos para reencontrar a energia frenética que só o público brasileiro possui. Confira abaixo, na íntegra, a nossa entrevista exclusiva com o The Maine sobre os bastidores do novo disco, a evolução de quase 20 anos de carreira, memórias marcantes do Brasil e as grandes influências musicais do vocalista. John, você mencionou que este foi um dos álbuns mais difíceis de fazer até hoje, lidando com o conflito pessoal entre ter uma vida privilegiada e a luta para estar “totalmente presente”. Como transformar esse conflito interno em música o ajudou a processar esses sentimentos? O álbum oferece alguma resolução para esse conflito? Certamente tenho consciência de quão sortudo sou por poder chamar esse dilema de “problema”, mas, no fim das contas, a minha realidade é tudo sobre o que posso falar com honestidade. Os sentimentos que tive em torno dessa luta foram fáceis de sentir, mas difíceis de me conformar em compartilhar; no entanto, acho que escrevê-los ajudou a trazer a percepção de que a única coisa que se pode fazer é tentar. Tentar estar aqui. Tentar desacelerar. Tentar fazer valer a pena. Este álbum não oferece nada além de um empurrãozinho para tentar. O Pat (Kirch, baterista) mencionou que cada álbum do The Maine tem uma cor, e Joy Next Door é a “era verde”, refletindo uma instrumentação mais orgânica e imperfeições propositais. O que levou a banda a buscar esse som mais cru e natural nesta fase da carreira de vocês? Foi uma reação à produção dos álbuns anteriores? Acredito que tudo o que fazemos é uma reação a algo que já fizemos. Isso se aplica a querer tirar um pouco daquele brilho que nossos ouvintes e nós mesmos talvez tenhamos nos acostumado a esperar. Acho que a idade também teve muito a ver com a decisão. Nos aproximarmos da “meia-idade” teve um efeito profundo em mim e no que queremos das nossas composições e de ser uma banda neste momento. No passado, acho que quase nos escondíamos atrás de algumas das nossas escolhas de produção, e Joy definitivamente não usa tanta maquiagem quanto alguns dos nossos outros discos. Chegar ao décimo álbum é um marco incrível para qualquer banda. Olhando para trás, como você vê a evolução de Can’t Stop Won’t Stop para Joy Next Door? O que permaneceu na essência do The Maine e o que mudou drasticamente ao longo do caminho? Com o luxo de quase 20 anos a nosso favor, vejo agora que cada disco foi mais um ponto de virada do que uma evolução. A cada passo do caminho, posso dizer com toda a sinceridade que acreditamos, de todo o coração, no capítulo em que estávamos. Mudanças maiores e mais óbvias, como ter filhos e construir famílias, agora fazem parte da essência da nossa inspiração para qualquer caminho que venha a seguir, e estamos apenas agradecendo aos céus por as pessoas ainda se importarem com a nossa música. Vocês anunciaram o álbum com um show de drones no Arizona, o que foi visualmente impressionante. De onde surgiu essa ideia e qual é a importância de sempre buscar maneiras criativas e diferentes de se conectar com os fãs a cada novo ciclo de álbum? Somos sempre tão apaixonados e empolgados com novos discos, e damos o nosso melhor para expressar às pessoas o quanto nos importamos. Ninguém nunca vai se importar tanto com a sua arte quanto você mesmo, então, quando você tem orgulho de algo, por que não fazer um grande evento em cima disso? O show de luzes surgiu por acaso, e temos muita sorte de que novas oportunidades como essa continuem aparecendo para nós. The Maine tocou no Brasil no ano passado durante a I Wanna Be Tour. Quais lembranças você tem daqueles shows? Teve algum momento específico, dentro ou fora do palco, que marcou a banda durante essa última visita? Várias coisas se destacam, especificamente o fato de que eu, Pat e Garrett (Nickelsen, baixista) quase perdemos nosso voo para São Paulo por causa do clima. Coincidentemente, aquele show foi a nossa primeira vez tocando em um estádio (risos). Só me lembro
Documentário “Iron Maiden: Burning Ambition” chega aos cinemas mundiais em maio
Um novo documentário recontando as cinco décadas de carreira do Iron Maiden chegará aos cinemas de todo o mundo no mês de maio. A estreia cinematográfica está marcada para o dia 7 de maio. Para os fãs ansiosos, as vendas de ingressos terão início no dia 18 de março. Arquivos oficiais e convidados de peso no documentário do Iron Dirigido por Malcolm Venville, o filme Iron Maiden: Burning Ambition conta com a participação dos próprios membros da banda e de seu co-empresário, Rod Smallwood. A produção também traz depoimentos de fãs famosos de diversas áreas, incluindo o ator Javier Bardem, o baterista do Metallica Lars Ulrich e o frontman do Public Enemy, Chuck D. A sinopse oficial destaca que o filme teve um acesso sem precedentes aos arquivos oficiais da banda. O documentário mapeia as cinco décadas da jornada do grupo, oferecendo um olhar íntimo sobre a sua visão e sobre a conexão inabalável com o seu exército global de fãs. Vale lembrar que o Iron Maiden foi formado no leste de Londres em 1975 e lançou seu álbum de estreia cinco anos depois. Ao longo de sua história gloriosa, o grupo gravou 17 álbuns de estúdio (sendo o mais recente Senjutsu, de 2021) e realizou quase 2.500 shows pelo mundo afora. Turnê e festivais O lançamento do filme coincide com a atual turnê da banda, a aguardada Run For Your Lives. A rota europeia inclui a celebração única do EddFest, que acontecerá no Knebworth Park no dia 11 de julho. O festival, cujo nome homenageia o famoso mascote Eddie, acontecerá quase duas décadas após a banda ter sido a atração principal de uma versão anterior do evento em Bangalore, na Índia. O evento promete ser uma verdadeira celebração do heavy metal: Além da Europa, as lendas do metal também foram anunciadas como a atração principal do primeiro dia do festival Louder Than Life, que acontecerá em Louisville, Kentucky, no mês de setembro. Eles dividirão a escalação do festival de rock e metal com nomes de peso como My Chemical Romance, Tool e Limp Bizkit.
Conheça os indicados ao Rock & Roll Hall of Fame 2026
A fundação do Rock & Roll Hall of Fame revelou oficialmente a sua lista de indicados para a classe de 2026, e a seleção deste ano é um verdadeiro peso-pesado que abraça o rock, o rap, o R&B e o pop. A seleção traz nomes lendários que já vinham batendo na porta da instituição há algum tempo, além de estreantes fortíssimos que finalmente se tornaram elegíveis. Veteranos e os estreantes do Rock & Roll Hall of Fame 2026 Para ser elegível ao Hall da Fama, o artista ou banda precisa ter lançado sua primeira gravação comercial há pelo menos 25 anos. Na lista de veteranos e nomes que retornam à disputa, o rock marca presença forte com os gigantes do heavy metal Iron Maiden, os irmãos encrenqueiros do Oasis, o marco do pós-punk Joy Division and New Order, além de The Black Crowes e Billy Idol. A lista também traz as estrelas Sade, Phil Collins e Mariah Carey. Mas o grande destaque vai para a chuva de talentos sendo indicados pela primeira vez. Representando o peso do hip-hop, o lendário Wu-Tang Clan faz sua estreia na lista ao lado de ícones do rock alternativo como Jeff Buckley e INXS. O grupo de estreantes é completado por Lauryn Hill, Melissa Etheridge, Luther Vandross, New Edition, Shakira e P!NK. “Esquecidos” e o calendário Como em todo ano, as ausências (os famosos snubs) também geram muito debate. Mesmo já sendo elegíveis, nomes fortes do indie rock que despontaram na virada do milênio, como The Strokes e Yeah Yeah Yeahs, ficaram de fora da lista desta vez, assim como a cantora Alicia Keys. A organização revelará os grandes vencedores e induzidos em abril, enquanto a tradicional e estrelada cerimônia oficial de introdução acontecerá no outono norte-americano (entre setembro e novembro). Vale lembrar que a badalada classe de 2025 do Rock Hall eternizou os nomes de Cyndi Lauper, Outkast, Salt-N-Pepa e The White Stripes. 🎸 Resumo dos indicados ao Rock & Roll Hall of Fame Rock e alternativo Rap, R&B e Pop:
Social Distortion quebra hiato de 15 anos com o álbum “Born To Kill”
Para os órfãos do punk rock de Orange County, a espera finalmente acabou, e a notícia vem com gosto de superação. O Social Distortion anunciou seu oitavo álbum de estúdio, batizado de Born To Kill. Com lançamento marcado para o dia 8 de maio via Epitaph Records, o disco encerra um doloroso hiato de 15 anos sem material inédito. Mais do que isso: é o primeiro trabalho da banda desde que o icônico frontman Mike Ness passou por um bem-sucedido tratamento contra o câncer. Boogie rock, lendas e arte de peso em Born To Kill, som novo do Social Distortion A faixa-título já está entre nós e ganhou um videoclipe oficial. A música é um boogie rocker turbinado com a energia punk clássica da banda, trazendo referências líricas diretas a gigantes como Iggy Pop, David Bowie e Lou Reed. E para quem estava com saudade, a voz de Mike Ness continua tão inconfundível e áspera quanto antes. Para garantir que o retorno fosse histórico, Ness co-produziu o disco ao lado do veterano Dave Sardy. O álbum é recheado de participações de peso, incluindo a lenda do country/folk Lucinda Williams e Benmont Tench (tecladista do The Heartbreakers, de Tom Petty). A estética visual não ficou para trás: a arte da capa foi assinada pelo próprio Mike Ness em colaboração com o renomado artista Shepard Fairey (famoso pela campanha Hope e pela marca Obey). Turnê explosiva (por enquanto, só nos EUA) Para celebrar a nova era, a banda anunciou uma turnê massiva pela América do Norte que é um verdadeiro sonho para qualquer fã do gênero. O Social Distortion cairá na estrada acompanhado pelos veteranos californianos do Descendents e pelos punks australianos do The Chats. A rota começa no fim de agosto no Arizona e cruza os Estados Unidos até outubro. Os ingressos para os shows começam a ser vendidos nesta sexta-feira (27 de fevereiro), às 10h (horário local). Aos fãs brasileiros, resta torcer para que o sucesso do retorno traga os caras de volta aos palcos da América do Sul em um futuro próximo. Curiosidade bônus: Aproveitando o embalo, o Descendents também anunciou a reedição em vinil bubblegum (chiclete) do seu clássico álbum Enjoy! (1986).
American Football lança “Bad Moons” e detalha o novo álbum LP4
O American Football surpreendeu os fãs com o lançamento de Bad Moons, um single monumental de oito minutos de duração. A faixa é o primeiro gostinho do aguardado quarto álbum de estúdio da banda, American Football (LP4), que tem lançamento marcado para o dia 1º de maio via Polyvinyl Record Co. Com produção assinada por Sonny DiPerri, a música foi originalmente concebida como duas ideias distintas. A versão final permite que toda a intensidade emocional transborde: a canção se constrói sobre um sample repetitivo de uma suave harpa dedilhada, evoluindo com as guitarras intricadas clássicas da banda até explodir em uma jam intensa e pulsante na segunda metade. Duas crianças em um sobretudo O vocalista Mike Kinsella descreveu Bad Moons como um verdadeiro Frankenstein sonoro, que une o lado lúdico de instrumentos de brinquedo com o desespero de guitarras estridentes. “O maior desafio foi criar uma ponte temática entre a inocência e a leveza do primeiro ato e o desespero profundo do segundo”, explica Kinsella. “Decidi começar a música como uma criança. Ou melhor… duas. Empilhadas dentro de um único sobretudo; secretamente, relutantemente vivendo a vida de um homem adulto, acumulando seus erros e culpas ao longo do caminho. Uma confissão catártica.” A tradução visual dessa carga emocional ficou nas mãos dos diretores Alex Acy e Rémi Belleville. O videoclipe de Bad Moons traz uma montagem belíssima em câmera lenta que escancara a fragilidade do amadurecimento. Segundo Alex Acy, o clipe foi ancorado no Canadá rural por um motivo muito específico: “Rémi e eu crescemos juntos em Quebec, e a região e o Meio-Oeste dos EUA são muito parecidos em vários aspectos. Meninos costumam ter dificuldade em entender a empatia, o que leva a muitas atitudes tolas e arrependidas. Sentimos que podíamos nos conectar a esse conceito de um ponto de vista honesto”. Peso do LP4 e o ativismo na turnê A nova música pavimenta o caminho para um LP4 denso, dissonante e confrontacional. O álbum promete encarar de frente as realidades mais duras da vida, como luto, concessões e a desorientação da meia-idade. Para divulgar o trabalho, a banda cairá na estrada a partir de maio para uma extensa turnê mundial pela América do Norte, Europa e Ásia. Reforçando o caráter ativista que sempre permeou a cena punk e emo, o American Football não fechou os olhos para o cenário político. Em resposta à violência e intimidação relacionadas às ações do ICE (Immigration and Customs Enforcement) nos Estados Unidos, o grupo firmou uma parceria com a PLUS1. A banda doará US$ 1 / £ 1 / € 1 de cada ingresso vendido na turnê para a Safe Passage International e a Illinois Coalition for Immigration & Refugee Rights, apoiando a defesa dos direitos de imigrantes e refugiados.
Review faixa a faixa: New Found Glory retorna com força em “Listen Up!” e reafirma legado no pop-punk
Quase três décadas depois de surgir como um dos pilares do pop-punk moderno, o New Found Glory retorna com Listen Up!, um álbum que reafirma a identidade da banda ao mesmo tempo em que dialoga com maturidade, resistência e pertencimento. Em Listen Up!, o New Found Glory aposta naquilo que sempre soube fazer melhor: refrões explosivos, guitarras afiadas e letras que transformam conflitos pessoais em combustível emocional. O resultado é um disco que não reinventa o gênero, mas reforça por que o nome da banda ainda segue relevante em 2026. A abertura com Boom Roasted já deixa claro que Listen Up! não pretende ser discreto. O riff inicial é urgente, quase nostálgico, remetendo diretamente à fase clássica do NFG. A letra critica a espetacularização da dor e ironiza a cultura da exposição, enquanto o instrumental mantém a vibração crua que consolidou o grupo no início dos anos 2000. Em seguida, 100% mantém o ritmo acelerado e entrega um dos refrões mais grudentos do álbum. É pop-punk direto ao ponto, com versos rápidos e uma mensagem otimista e que imagino que funciona muito bem ao vivo. Laugh It Off desacelera levemente a tensão para apostar em dinâmica melódica e narrativa relacional. Há um equilíbrio interessante entre leveza e frustração, sustentado por uma estrutura que valoriza o contraste entre versos contidos e refrão expansivo. A Love Song, apesar do título simples, surge com guitarras firmes e energia consistente, reafirmando o compromisso com melodias acessíveis sem abrir mão da intensidade. Um dos momentos mais marcantes de Listen Up! aparece em Beer and Blood Stains. A faixa mergulha na nostalgia dos primeiros anos da banda, evocando memórias de clubes pequenos, turnês caóticas e noites marcadas por excessos. Musicalmente, é uma das composições mais sólidas do álbum, combinando peso e melodia com naturalidade. Medicine introduz um clima mais introspectivo, com linha de baixo destacada e atmosfera levemente mais sombria. A banda explora vulnerabilidade sem abandonar o formato pop-punk que define sua assinatura. Treat Yourself retoma a energia positiva com uma mensagem de autocuidado e resiliência. Ainda que a abordagem soe direta demais em alguns momentos, a música cumpre seu papel dentro da proposta do álbum ao reforçar a conexão emocional com o público. Dream Born Again funciona como um respiro melódico, trazendo um clima mais contemplativo e mostrando que o New Found Glory ainda sabe trabalhar nuances dentro de uma fórmula conhecida. Na reta final, You Got This aposta em um refrão feito sob medida para grandes coros. É simples, quase ingênua em sua mensagem motivacional, mas eficaz na construção de atmosfera coletiva. O encerramento com Frankenstein’s Monster adiciona peso emocional ao conjunto. A faixa aborda batalhas internas e desafios pessoais com intensidade sincera, transformando fragilidade em potência sonora. No panorama geral, Listen Up! reafirma o New Found Glory como um dos nomes mais consistentes do pop-punk. O álbum pode não apresentar rupturas radicais, mas demonstra confiança criativa e domínio da própria linguagem. Para fãs antigos, funciona como reencontro. Para novos ouvintes, é uma porta de entrada acessível para entender por que o NFG permanece como referência do gênero. Em tempos de revisitações constantes ao pop-punk, a banda mostra que não vive apenas de nostalgia, mas de continuidade consciente de seu legado.
Rancore lança o visceral single “A Nascente” e prepara 1º álbum em 15 anos
Quinze anos é muito tempo. Mas, para quem acompanha de perto a cena do rock alternativo e do underground nacional, a paciência está prestes a ser recompensada. O Rancore acaba de lançar o single A Nascente. A faixa é a segunda amostra do aguardado quarto álbum de estúdio do quinteto paulistano, batizado de BRIO. O disco tem lançamento confirmado para ainda neste primeiro semestre de 2026, através do selo Balaclava Records. Emoção em meio ao caos em A Nascente Flertando abertamente com o pós-hardcore e o indie rock, A Nascente traz um lado profundamente emocional da banda. A música se constrói sobre contrastes e temas viscerais — o fim e o começo, a guerra e a paz. Essa dualidade tem uma raiz muito pessoal para o vocalista e compositor Teco Martins. A inspiração para a letra surgiu em um momento íntimo e transformador durante a espera pelo nascimento de sua filha. “Acompanhei minha esposa com nosso filho mais velho em um exame rotineiro de ultrassom. Quando meu primogênito ouviu as batidas do coração da irmã dele ainda dentro do ventre, de maneira espontânea, começou a dançar, como se aquilo fosse um bumbo de bateria ditando o ritmo”, relembra Teco. “A partir disso, comecei a dissertar sobre a condição e a responsabilidade de gerar uma vida em meio ao mundo tão caótico que vivemos.” Retorno do quinteto clássico Produzida por Guilherme Chiappetta e Daniel Pampuri, a faixa carrega a essência inconfundível que a banda desenvolveu ao longo de sua trajetória, mas adiciona um frescor vital para este novo momento. BRIO quebra um hiato criativo de 15 anos sem um disco de inéditas, sucedendo o aclamado e clássico álbum Seiva (2011). Para executar essa nova fase, o Rancore segue com sua formação sólida:
Entrevista | Nile – “Estamos tocando um monte de coisas que não tocamos em anos”
Menos de um ano após incendiar o público no Bangers Open Air, realizado em maio de 2025, em São Paulo, o Nile confirma seu retorno ao Brasil em março de 2026 para três apresentações: dia 20/03 em Brasília, 21/03 em Fortaleza, e 22/03 em São Paulo. A nova passagem marca mais um capítulo da turnê de divulgação de The Underworld Awaits Us All (2024), décimo álbum de estúdio do grupo. Formado em 1993, nos Estados Unidos, o Nile construiu uma identidade singular ao unir death metal técnico, velocidade extrema e rigor histórico, com letras inspiradas no Antigo Egito e em culturas do Oriente Médio e da África. Ao longo de mais de três décadas, lançou álbuns fundamentais como Black Seeds of Vengeance e Annihilation of the Wicked, consolidando seu nome como uma das forças mais respeitadas do metal extremo mundial. Em entrevista ao Blog N’ Roll, Karl Sanders fala sobre a cena death metal dos anos 90, a recepção da nova formação no Brasil e os paralelos entre história antiga e política contemporânea. Como era a cena de death metal nos Estados Unidos quando o Nile surgiu, em 1993? Acho que estava entre o que eu chamo de a primeira onda e a segunda onda. Death Metal tinha chegado e o Black Metal estava fazendo um barulho. Ai tem New Wave, depois Nu Metal, Metalcore, e toda aquela merda que era popular. Então foi um pouco difícil conquistar espaço, mas nós não nos importávamos, nós amávamos o Death Metal, nós íamos tocar Death Metal, não importava se era modesto ou não, nós íamos fazer. Quais bandas foram influências fundamentais naquele início? As bandas de metal antigas, como Gorfest, Entombed, Left Hand Path, Clandestine, Early Morbid Angel, as músicas antigas do Black Sabbath, mais um monte de coisas antigas e clássicas no começo. Mas também teve uma influência de trilha sonora. Eu estava particularmente fã da trilha sonora de Exorcista 2, tem um monte de coisa boa lá dentro. Depois de apresentar o novo álbum no Brasil, inclusive no Bangers Open Air, qual peso este disco terá na atual turnê? Definitivamente vamos tocar uma mistura de tudo. Nós estamos tocando algumas coisas do novo álbum, mas também um monte de clássicas antigas. Eu acho que essa será a primeira tour em muitos anos que nós tocamos Cast Down the Heretic, de Annihilation of the Wicked, e tocamos isso há uns 10 anos. Também estamos tocando um monte de outras coisas que não tocamos em anos. Tem Ithypallic, Hittite Dung Incantation, um monte de coisas clássicas. Você sentiu uma boa recepção das novas músicas no Brasil? Sim, eu acho que toda vez que chegamos ao Brasil, na história da banda, os fãs de metal do Brasil foram incríveis. É um dos meus lugares favoritos para estar. E como foi a recepção da nova fase com Adam no Brasil? Bem, eu acho que foi muito boa. A audiência foi ótima. Eles nos trataram maravilhosamente. Não podemos ser gratos o suficiente. Estamos muito orgulhosos dessa nova fase. Temos alguns caras realmente talentosos. Eles estão trabalhando muito duro. Eles só querem tocar metal. E eu acho que o público percebe isso. As pessoas sentem quando o coração está no lugar certo, quando você está ali pelas razões certas. O Brasil tem uma das cenas mais intensas do mundo. Em que se diferencia o público brasileiro? Eu acho que a herança do metal é um fator importante. O Brasil tem grandes bandas. Somos bons amigos do Krisiun. Fizemos turnês com eles muitas vezes ao longo dos anos, especialmente nos anos 2000. E eu sinto que o metal está no sangue de vocês. Está na alma. Está no coração. Os fãs brasileiros têm esse coração e essa alma do metal. Isso está no sangue. E como você vê a evolução da base de fãs do Nile no Brasil ao longo dos anos? Nós só viemos ao Brasil uma vez por ano, às vezes nem isso. Então eu não acompanho de perto o que acontece o tempo todo. Mas toda vez que venho, vejo uma ótima audiência. Para mim, sempre foi assim. Por isso é difícil avaliar a evolução. Do meu ponto de vista, sempre foi um público forte. Falando sobre as composições, de onde surgiu a abordagem lírica baseada no Egito Antigo e culturas do Oriente Médio e da África? Foi algo que sempre nos interessou. Algo de que gostamos. O autor Samuel Clemens, mais conhecido como Mark Twain, disse uma vez: escreva sobre o que você conhece. Escreva sobre o que você gosta. Acho que esse é um bom conselho. Você deve criar sobre aquilo que realmente te interessa. Se você gosta de carros esportivos, então escreva sobre carros esportivos. Em algumas letras é possível notar paralelos entre eventos históricos e o sistema político atual dos Estados Unidos. Como você constrói essas metáforas? Eu acho que as pessoas continuam sendo as mesmas. A tecnologia avança. A civilização avança. Mas os seres humanos continuam basicamente os mesmos de milhares de anos atrás. É aí que vejo os paralelos. Quando vejo governos fazendo coisas terríveis, isso não é nada novo. Isso sempre aconteceu. É uma parte triste da condição humana, a forma como as pessoas se tratam. Depois de mais de três décadas de carreira, qual foi o momento decisivo da banda? Eu diria que foi quando fizemos nosso primeiro grande álbum. Houve um momento na primeira grande turnê que fizemos pelos Estados Unidos. Estávamos abrindo para o Morbid Angel. Viajávamos em uma van pequena, puxando um trailer pequeno, mas tínhamos atravessado o país inteiro. Eu já tinha ido para o outro lado dos Estados Unidos antes, mas nunca como banda. Quando estávamos olhando para o oceano, perto de Seattle, percebi que nossa música tinha nos levado até o outro lado do continente. Aquilo foi profundo. Pensei: o que mais podemos fazer? Há mais continentes para conquistar. Foi um momento muito marcante. Sim, é possível. Pode ser feito. Você tem alguma história curiosa ou engraçada no Brasil?
AC/DC no Morumbis é o privilégio de testemunhar a história viva do rock and roll
A espera finalmente acabou. Na noite desta terça-feira (24), o Morumbis voltou a ser o epicentro do hard rock mundial com o primeiro dos três shows do AC/DC no Brasil (a banda repete a dose nos dias 28 de fevereiro e 4 de março, todos esgotados nas primeiras horas de venda). Setenta mil pessoas vibraram com a banda durante 2h15 de apresentação. Essa é a quarta passagem do AC/DC pelo país, após as catarses de 1985 (Rock in Rio), 1996 (Pedreira Paulo Leminski, em Curitiba, e Pacaembu, em São Paulo) e 2009 (Morumbis, em São Paulo). Mas o mundo, e a própria banda, mudaram drasticamente desde aquele último encontro há quase duas décadas. Para uma análise honesta sobre o show do AC/DC no Morumbis, é preciso endereçar o inevitável: o tempo passa para todos, até para os deuses do rock. Brian Johnson (78 anos): forçado a abandonar a turnê de 2016 devido a uma severa perda auditiva, o vocalista está de volta com um sorriso indomável. Embora sua voz não alcance mais as notas estridentes dos anos 80 em faixas como High Voltage, sua entrega e carisma compensam qualquer limitação vocal. É uma entrega absurda no palco. Ver essa foto no Instagram Um post compartilhado por Blog n' Roll (@blognroll) Angus Young (70 anos): ainda vestindo seu icônico uniforme escolar, Angus apresenta sinais de lentidão em aberturas mais frenéticas, como Thunderstruck. No entanto, ele continua sendo o coração pulsante da banda. Seus solos viscerais, o clássico duckwalk e a energia quase infantil com que percorre o palco provam que sua técnica e resistência continuam formidáveis. O seu solo com mais de dez minutos de duração para encerrar a primeira parte do show, na sequência de Let There Be Rock, é o grande momento desse gênio da guitarra. Apoiando os dois veteranos, a “cozinha” rítmica formada por Stevie Young (guitarrista, sobrinho do saudoso Malcolm Young, falecido em 2017), Chris Chaney (baixo, ex-integrante do Jane’s Addiction) e Matt Laug (baterista, que gravou Jagged Little Pill, de Alanis Morissette e excursionou com o Slash’s Snakepit) entregou uma fundação impecável e pesada, operando com o máximo de eficiência e sem vaidades. Recado aos críticos que “não foram” ver o AC/DC no Morumbis É exatamente por toda essa bagagem que a apresentação desta terça-feira serviu como um choque de realidade para os críticos de sofá. Nas últimas semanas, tornaram-se comuns os comentários desdenhando da voz de Brian Johnson ou apontando a “falta de agilidade” de Angus Young. Vamos direto ao ponto: é uma falta de noção absurda. Não era o momento para encher o saco com exigências de quem espera a performance de atletas olímpicos de 20 anos. Quem foi ao Morumbis com a intenção de avaliar se o alcance vocal de Brian é o mesmo de 1980, deveria ter ficado em casa ouvindo o disco. No Morumbis, o público abraçou a banda do início ao fim. Cantou junto, fez mosh pit, puxou o tradicional olé, olé, olé, AC/DC, além de iluminar o estádio com as luzinhas vermelhas dos chifrinhos, principal item vendido nas redondezas do estádio. Ver o AC/DC ao vivo em 2026 foi, acima de tudo, um privilégio. Foi a chance de se emocionar vendo dois dos maiores ícones da história da música desfilando o repertório que pavimentou o rock and roll moderno. A entrega, o carisma e os riffs imortais estavam lá. E isso valeu mais do que qualquer nota perfeitamente alcançada. Setlist repleto de clássicos O show em São Paulo marcou o pontapé inicial da banda em 2026. A rota latino-americana seguirá feroz, passando por Chile (dois shows), Argentina (três) e México (três). O roteiro entregou uma aula de história em mais de 20 músicas, divididas entre Back in Black, Highway to Hell, Dirty Deeds Done Dirt Cheap, Let There Be Rock, Power Up, Powerage, T.N.T., entre outros álbuns. A banda não poupou energia, abrindo o show com o peso de If You Want Blood (You’ve Got It) e emendando imediatamente com Back in Black. O grande trunfo da noite, no entanto, foi o resgate histórico de Jailbreak, faixa que não era tocada ao vivo desde 1991, mas virou parte obrigatória na atual turnê. Outros momentos marcantes Let There Be Rock: com Angus Young sendo elevado em uma plataforma, disparando um solo longo e indulgente, seguido por uma chuva de confetes personalizados do AC/DC. Sin City: Angus fez seu tradicional, porém encurtado, striptease. De forma sensata, o guitarrista poupou o público de ficar apenas de roupas íntimas, usando sua gravata para tocar um solo improvisado. O bis: o encerramento explosivo com T.N.T. e a apoteose com os canhões de fogo em For Those About to Rock (We Salute You), sucedido por uma linda queima de fogos. O AC/DC poderia ter se aposentado anos atrás com seu legado intacto, logo após a morte de Malcolm Young. Porém, ao subir ao palco em 2026, no primeiro show da temporada, eles provaram que a fome de tocar continua viva. Pode não ser a mesma banda de 30 anos atrás, mas a energia bruta, a dedicação e o respeito profundo pelos fãs fazem desta turnê um triunfo inegável. Eles tocaram, e nós os saudamos.