Hilary Duff anuncia retorno ao Brasil com show em São Paulo em 2027
Hilary Duff está de volta ao Brasil. A cantora anunciou uma apresentação no Espaço Unimed, em São Paulo, para 13 de agosto de 2027, como parte da “the lucky me tour”. A excursão representa sua primeira grande turnê mundial como atração principal em quase duas décadas e acompanha o sexto álbum de estúdio da artista, “luck… or something”. A passagem pela capital paulista integra um novo bloco de 32 apresentações acrescentadas à agenda da turnê. A etapa começa em 7 de maio, em Madri, e percorre cidades europeias como Berlim, Paris, Amsterdã, Copenhague e Estocolmo. Em agosto, Duff chega à América Latina para shows em San Juan, São Paulo, Buenos Aires e Santiago antes de seguir para os Estados Unidos. O retorno acontece depois de uma primeira fase marcada por shows esgotados na América do Norte, Reino Unido e Irlanda. Hilary antecipou a ampliação da agenda durante sua segunda apresentação lotada na O2 Arena, em Londres. No bis, enquanto cantava “What Dreams Are Made Of”, confetes com a mensagem “2027 More Dates Loading” foram lançados sobre o público, acompanhados por uma contagem regressiva nos telões. A “the lucky me tour” apresenta ao vivo o repertório de “luck… or something”, sexto disco da carreira de Hilary Duff. Lançado em 2026, o trabalho marcou uma nova etapa de sua trajetória musical e apareceu entre as seleções de melhores álbuns do ano publicadas por veículos como Rolling Stone, Billboard e Variety. A nova excursão também terá diferentes convidados ao longo do roteiro. Rebecca Black será responsável pela abertura das apresentações europeias, enquanto Dashboard Confessional e Tegan and Sara participam de datas selecionadas nos Estados Unidos. Antes da nova etapa anunciada para 2027, Hilary ainda passa por Nova Zelândia, Austrália, Canadá e México. Para o público brasileiro, a apresentação representa uma rara oportunidade de reencontrar Duff em uma turnê mundial de grande porte. A artista passou boa parte das últimas duas décadas distante das grandes excursões como atração principal, período em que também consolidou sua carreira como atriz e empresária antes de retomar com maior intensidade sua atividade musical. A pré-venda para fãs na América Latina começa em 29 de setembro, às 10h, mediante cadastro prévio. A venda geral está programada para 2 de outubro, às 11h. O show de São Paulo é produzido pela LiveNation e acontece em 13 de agosto de 2027, no Espaço Unimed.
Entrevista | Dead Poet Society – “Eu tocaria no Lollapalooza Brasil qualquer dia! Seria muito legal”
O Dead Poet Society lança no dia 2 de outubro Monarch, terceiro álbum de estúdio da banda norte-americana pela Spinefarm e sucessor de FISSION (2024). Produzido por Paul Meany, que trabalhou com Twenty One Pilots e Pierce The Veil, e mixado por Adam Hawkins, o novo trabalho aprofunda a combinação de peso, melodias e experimentações que se tornou característica do quarteto. Antes da chegada do disco, a banda apresentou “Sinner Systems”, “Roach”, “Cold” e “Miami For The Weekend”, singles que antecipam diferentes caminhos de um álbum que, segundo o vocalista e guitarrista Jack Underkofler, pode ser resumido em duas palavras: “imprevisível e sombrio”. Formado em 2013 por músicos que se conheceram na Berklee College of Music, em Boston, o Dead Poet Society encontrou, curiosamente, no México um de seus primeiros públicos realmente fortes antes de ampliar sua presença nos Estados Unidos e no circuito internacional. O primeiro álbum, -!-, conhecido como The Exclamation Album, chegou em 2021 e estabeleceu a identidade do grupo, enquanto FISSION ampliou seu alcance três anos depois com faixas como “Running In Circles” e “HURT”. Esta última ainda ganhou uma nova versão com as mexicanas do The Warning. Ao longo da trajetória, a banda também desenvolveu uma assinatura particular com o uso de guitarras fretless, instrumentos que permitem explorar slides, entonações e sonoridades que fogem do comportamento tradicional da guitarra. Às vésperas de Monarch, Jack Underkofler conversou com o Blog n’ Roll sobre o processo de criação do novo álbum, a experiência de trabalhar com Paul Meany, a liberdade de fazer um terceiro disco sem perseguir uma fórmula e a vontade de finalmente tocar no Brasil. O músico também falou sobre a formação na Berklee, defendeu a vulnerabilidade nas letras e analisou o momento atual do rock. Você já disse em uma entrevista que o Dead Poet Society poderia ser descrito como um cruzamento entre Queens of the Stone Age e Muse. Mas cada álbum tem sua própria identidade. Como você definiria o som de Monarch para alguém que ainda não ouviu o disco? Eu descreveria como imprevisível e sombrio. Houve alguma mudança importante no processo de composição ou gravação de Monarch em comparação com FISSION? Sim, foi muito diferente. Acho que, com as demos, o processo foi mais ou menos o mesmo: você simplesmente vai fazendo coisas até alguma delas fazer você pensar: “Oh, isso aqui tem algo”. Mas o processo de gravação foi definitivamente muito diferente. É sempre bastante diferente de produtor para produtor. Todo mundo tem seu próprio estilo. O Paul foi muito diferente do Anton, que foi muito diferente do Ben, que, por sua vez, foi muito diferente do Alex Newport. Diferente em que sentido? Eu diria que o processo com o Paul foi mais prolongado de certa forma. Você tem uma ideia, ele interpreta aquela ideia, você coloca aquilo no caminho dele e ele passa uma ou duas horas trabalhando em cima. Depois volta com alguma coisa. Quer dizer, ele nem “volta”, porque você está sentado logo atrás dele [risos]. A partir daí, analisamos o que apareceu. Foi menos sobre cada performance individual e mais sobre o que poderíamos fazer com aquela performance específica. O Anton tinha uma abordagem muito mais focada na performance. Conforme a banda cresce, também aumenta a pressão para fazer um novo álbum? Você sente que a banda saiu desse processo de gravação mais forte? Na verdade, pessoalmente, acho que este foi o álbum em que senti menos pressão entre todos eles. Todo o processo simplesmente pareceu muito natural. Foi meio: “Foda-se, esse é o nosso terceiro álbum. Vamos tentar fazer alguma coisa diferente”. Não digo necessariamente diferente do que fizemos no passado, mas diferente dentro de um contexto mais amplo. Se vamos fazer uma arte que queremos definir como Dead Poet Society, precisamos ir o mais longe possível nisso. Precisamos realmente atravessar as paredes, nos pressionar e descobrir até onde isso pode chegar. Quando você está tão concentrado nisso, acaba não sentindo a pressão. E essa foi basicamente a única coisa com a qual concordamos desde o início. Não chegamos e definimos um som ou uma direção específica. A questão era simplesmente: “Até onde conseguimos levar isso?”. “Sinner Systems”, “Roach”, “Cold” e “Miami For The Weekend” mostram diferentes lados de Monarch. Como tem sido a reação aos primeiros singles? A reação tem sido boa. Acho que as pessoas estão animadas. Quem amou nosso primeiro álbum está empolgado porque existe algo parecido com a linha de músicas como “.SALT.” e outras coisas que fizemos naquela época. Acho que todos nós na banda queríamos enfatizar essa sensação, porque sinto que é ali que está uma parte da definição do Dead Poet Society: naquele som, naquela sensação, naquela escuridão imprevisível. A reação tem sido incrível. As pessoas gostaram desse aspecto. Acho também que, vindo de FISSION, tivemos uma oportunidade de dizer: “Esse álbum foi um pouco mais aberto, um pouco mais cantor-compositor, mas agora vamos pegar algumas dessas coisas e misturá-las novamente com o Dead Poet Society”. Então acho que todo mundo está bastante animado com isso. Qual música de Monarch você está mais curioso para descobrir como vai funcionar ao vivo? “Hollywood On Fire”. Acho que vai ser insana ao vivo. Estou muito interessado em descobrir como vai funcionar. E vai ser difícil. Vai ser muito difícil conseguir reproduzir aqueles sons, mas estamos trabalhando nisso. A palavra “cinematográfico” aparece bastante quando vocês falam sobre Monarch. Se pudesse escolher um filme, uma série ou qualquer produção para ter esse álbum como trilha sonora, qual seria? Deus, essa é difícil, porque eu não assisti a tantos filmes assim [risos]. Pode ser uma série ou um desenho se quiser… Estou tentando pensar… Tem um que uma mulher dá um soco em um cara… Kill Bill? Não, mas Kill Bill é uma excelente escolha. Acho que qualquer filme do Tarantino combina com vocês (risos) Sim, acho que poderia funcionar com esse álbum. Tenho certeza de que vocês já receberam muitos comentários de “Come to Brazil” no Instagram. Já houve alguma oferta
Chuengue Project reinventa atmosfera do rock alternativo no filme-sessão Névoa/Nada
Explorando as fronteiras sensoriais entre luz, sombra, ruído e delicadeza, a banda carioca Chuengue Project lançou nas plataformas de áudio e no YouTube o registro audiovisual completo Névoa/Nada (Live Session). Concebido como um filme-sessão, o trabalho transporta para o palco a sonoridade densa de seu primeiro trabalho, lançado em 2025, além de introduzir ao público a inédita Clara e Eu, composição que abre os caminhos para o futuro álbum de estúdio Carta Ambiente, planejado para o início de 2027. Formado por nomes de relevo da produção independente carioca, o quarteto é integrado por: O grupo constrói um ecossistema sonoro imersivo que rejeita conclusões óbvias: os arranjos tensionam a crueza do indie rock e a elegância de texturas psicodélicas, desdobrando reflexões sobre dilatação temporal, memória e a ilusão do movimento. Estética cinematográfica e o DNA alternativo carioca Visualmente, a sessão traduz os conceitos de contraste e imersão da banda através de uma fotografia cinematográfica e intimista, com direção geral e direção de fotografia capitaneadas conjuntamente por Lucas Rangel e Pedro Knoll. A identidade do projeto é fruto direto da agitação cultural e das experiências acumuladas pelos seus integrantes em formações emblemáticas da cena alternativa e do rock nacional, incluindo projetos como Ventre, Matanza e BNegão & Seletores de Frequência. Unindo influências que vão da vanguarda da MPB ao rock setentista e à crueza garageira do lo-fi, Névoa/Nada (Live Session) consolida o vigor de palco do quarteto como uma das propostas mais inquietas da atual música independente brasileira.
Lourenço Rebetez libera “Maestro”, primeiro single do álbum Língua Geral
Uma década após o aclamado O Corpo de Dentro, o compositor, guitarrista e produtor paulistano Lourenço Rebetez confirmou seu retorno com o anúncio de Língua Geral, seu segundo álbum solo de estúdio. O trabalho tem lançamento marcado para o dia 4 de novembro de 2026 em uma aliança internacional entre o selo brasileiro RISCO, a britânica Jazzybelle Records e a japonesa Think! Records, garantindo distribuição simultânea na Europa, Ásia e América Latina. A primeira amostra desse universo chega com o single Maestro, já disponível nas plataformas de streaming. A faixa antecipa a assinatura de um disco gerado pelo atrito entre tradição ancestral e vanguarda: beats elásticos, deslocamentos métricos e arranjos que habitam o espaço instável e fascinante onde diferentes linguagens colidem sem a obrigação de um encaixe milimétrico. As imagens de divulgação e capa são assinadas pelo fotógrafo Gleeson Paulino. Da escola de Berklee ao legado de Letieres Leite Graduado em jazz pela prestigiada Berklee College of Music, Rebetez redefiniu seu pensamento harmônico e rítmico ao retornar ao Brasil e mergulhar no ecossistema musical de Salvador. A proximidade com o saudoso maestro Letieres Leite e a vivência com a Orkestra Rumpilezz transformaram sua visão, amalgamando as claves e matrizes percussivas afro-baianas ao jazz de vanguarda e à produção contemporânea. Em Língua Geral, essa travessia de dez anos de pesquisa ganha corpo ao longo de sete composições inéditas dirigidas pelo próprio Lourenço e produzidas pelo lendário Arto Lindsay, pioneiro do no wave nova-iorquino e articulador histórico do diálogo entre música experimental e MPB. Encontro de gerações globais na música instrumental O repertório do álbum une um elenco internacional de instrumentistas que borram as fronteiras entre o hip-hop instrumental, o jazz experimental e os toques sagrados da Bahia. O resultado coloca a irregularidade rítmica e a sobreposição melódica no coração da produção, projetando a música instrumental brasileira contemporânea para o centro do debate sonoro internacional.
Glue Trip antecipa álbum Anemoia com a psicodélica “Psychedelic Friend” e inicia turnê europeia
Com guitarras carregadas de fuzz, timbres analógicos de órgão Farfisa e modulações em tremolo, o grupo paraibano Glue Trip disponibilizou nas plataformas de streaming o single Psychedelic Friend. A canção é a primeira amostra do quarto álbum de estúdio do projeto, intitulado Anemoia. Fundada em João Pessoa (PB) pelo músico e compositor Lucas Moura, a banda parte do conceito grego que batiza o disco: a “anemoia”, sentimento de nostalgia e saudade por períodos históricos e épocas que a pessoa jamais viveu presencialmente. Composta por Lucas durante uma viagem, Psychedelic Friend aborda a presença de um companheiro capaz de ressignificar a rotina em rituais cósmicos e transcendentais, bebendo da linhagem sessentista de referências como 13th Floor Elevators, Soft Machine e o tropicalismo lisérgico de Os Mutantes. Produção entre São Paulo, Paraíba e Canadá A faixa foi gravada e produzida com cuidado em múltiplas praças: Quarto giro pelos palcos da Europa O pontapé inicial do novo ciclo discográfico coincide com a estreia da Anemoia Tour – Euro 2026, a quarta turnê internacional da Glue Trip no continente europeu. O grupo, que já ostenta histórico de noites esgotadas em casas de shows em capitais como Londres e Paris, apresenta o novo repertório em primeira mão para as plateias internacionais. A formação de palco do projeto conta com: Mesmo com base de operações estabelecida no Sudeste brasileiro, o quarteto mantém inalterados no palco o sotaque, a mística e o regionalismo nordestino que transformaram a Glue Trip em um dos projetos psicodélicos nacionais de maior alcance internacional da última década.
Ezra Collective celebra a diáspora da música negra em seu quarto álbum, Here Because of Hope
Mapeando as rotas sonoras e culturais que conectam a África Ocidental, o Caribe e as ruas de Londres, o aclamado quinteto britânico de jazz Ezra Collective lançou nas plataformas de streaming seu quarto álbum de estúdio, Here Because of Hope. O trabalho chega via Partisan Records, acompanhado do vídeo ao vivo Rehearsal Tapes, que reúne três faixas executadas em estúdio, incluindo o destaque El Corazón. Primeiro conjunto de jazz na história a vencer o prestigiado Mercury Prize e laureado com o BRIT Award de Grupo do Ano, o grupo consolida seu status de protagonista global da música instrumental contemporânea. O novo trabalho investiga como as migrações intergeracionais moldaram a identidade rítmica e a efervescência musical da Grã-Bretanha atual. A trilogia de singles e as pontes rítmicas do disco A narrativa de Here Because of Hope se desenha com precisão a partir de três lançamentos que anteciparam o álbum: O registro reafirma a capacidade ímpar do grupo de aliar virtuosismo técnico à celebração física do corpo, fazendo da esperança e da vida em comunidade a espinha dorsal de suas composições.
“Rammstein – Live In Mexico City” incendeia os cinemas mundiais em novembro
Capturando a mais grandiosa e extrema experiência pirotécnica da história da música pesada, o grupo alemão Rammstein anunciou a estreia global do filme-concerto Rammstein – Live In Mexico City. A produção cinematográfica chegará às salas de cinema de todo o mundo no dia 4 de novembro de 2026 para uma temporada limitada. Pouco depois, no dia 20 de novembro, o registro completo será lançado nos formatos físico e digital como álbum ao vivo e vídeo. O longa documenta a histórica passagem da turnê de estádios da banda pela América do Norte em 2022, uma operação colossal que exigiu sete aeronaves Boeing 747 e uma equipe de 210 técnicos para transportar sua estrutura monumental de som e chamas além do Atlântico. O ápice dessa jornada aconteceu na capital mexicana com três apresentações consecutivas e esgotadas no emblemático Foro SolClique para abrir o painel lateral e ver mais informações para um público somado de quase 200 mil pessoas. Direção de Paul Dugdale e repertório em 4K Gravado integralmente com tecnologia de ponta em 4K, o espetáculo foi dirigido pelo premiado cineasta britânico Paul Dugdale, nome consagrado por trabalhos audiovisuais para lendas como The Rolling Stones, Taylor Swift, Elton John e Adele. Nas telas grandes, o filme reproduz toda a força sensorial das labaredas e do metal industrial germânico em clássicos como: Ficha técnica
Beck inaugura nova fase com o álbum Ride Lonesome, resgatando a essência de Sea Change
Retomando a veia acústica, orquestral e intimista que moldou alguns dos momentos mais aclamados de sua trajetória, o camaleônico cantor e compositor norte-americano Beck lançou seu 15º álbum de estúdio, Ride Lonesome. O trabalho reúne 12 faixas inéditas já disponíveis em todas as plataformas de streaming. Coproduzido pelo próprio Beck em estreita colaboração com o lendário produtor e engenheiro de mixagem Nigel Godrich (frequente colaborador do Radiohead), o disco aposta em arranjos cinematográficos, cordas suntuosas e linhas vocais melódicas. A sonoridade do projeto funciona como um sucessor espiritual direto de obras fundamentais de sua discografia como Sea Change (2002) e Morning Phase (2014), este último consagrado com três estatuetas do Grammy, incluindo Álbum do Ano. Beck traz conexão acústica e colaborações em Ride Lonesome Para capturar essa atmosfera acolhedora e reflexiva, Beck reuniu novamente em estúdio o núcleo de músicos que participou desses clássicos anteriores, priorizando dinâmicas orgânicas com violões de aço, percussão contida e texturas orquestrais.
Greta Van Fleet lança o single “Tear It Down” e antecipa o álbum Palace For The People
Apostando em riffs pesados, vocais cortantes e na pegada direta do active rock, o quarteto norte-americano Greta Van Fleet disponibilizou na última sexta-feira (18) o single Tear It Down. A faixa é o terceiro cartão de visitas de Palace For The People, próximo álbum de estúdio da banda, com lançamento marcado para 9 de outubro de 2026 via Republic Records. Produzida pelo vencedor do Grammy Mike Elizondo, produtor renomado por trabalhos versáteis ao lado de nomes como Turnstile, Twenty One Pilots, Eminem e Mastodon, a canção dá sequência aos singles lançados previamente, Play Your Games e Saw You Stand, consolidando uma guinada mais agressiva e moderna na sonoridade do grupo. Sucesso no pré-save e tracklist revelada A expectativa em torno de Tear It Down já se desenhava expressiva antes mesmo de sua estreia oficial: a campanha de pré-save ultrapassou a marca de 50 mil inscrições prévias, impulsionada por ações nas redes sociais e reações de criadores de conteúdo. O lançamento marca também a divulgação oficial da tracklist completa do novo projeto. Consagrado com mais de 3,7 bilhões de reproduções nas plataformas digitais, o grupo dos irmãos Josh, Jake e Sam Kiszka ao lado do baterista Danny Wagner prepara o terreno para as edições físicas de Palace For The People, já disponíveis em pré-venda exclusiva em vinil e CD através da loja UMusic Store.