Buhr lança o álbum “Feixe de Fogo” e reafirma sua vanguarda sonora
Sete anos é o tempo que separa Desmanche (2019) do novo capítulo artístico de Buhr. O álbum Feixe de Fogo, lançado pelo selo Sound Department, chega como um manifesto de movimento. Gravado ao longo de dois anos em uma peregrinação por Fortaleza, Sobral, Salvador, São Paulo e Recife, o disco é o primeiro a levar a assinatura Buhr, refletindo a identidade não binária de elu e um novo lugar de fala no debate sobre feminismo e arte. Produzido por Buhr e Rami Freitas, o trabalho é um amálgama de rock, reggae e ruídos experimentais. O tambor continua sendo a espinha dorsal das composições, mesmo quando camuflado por sintetizadores e samples ruidosos. Um time de mestres das cordas para acompanhar Buhr Se o conceito do álbum é o “derretimento de fronteiras”, a lista de colaboradores confirma essa tese. BUHR reuniu nomes que definem a guitarra brasileira nas últimas décadas: O disco ainda conta com o baixo de Dadi (Novos Baianos/A Cor do Som) em Motor de Agonia e arranjos de metais do Maestro Ubiratan Marques. Métrica e oralidade A estranheza peculiar de BUHR continua intacta. Suas letras narram enredos tensos e ferozes através de melodias que, por vezes, beiram a doçura. É um universo pop, mas fincado na oralidade e em métricas não convencionais, onde cada música funciona como uma pequena novela cotidiana sobre as dores das cidades.
Atreyu convoca Max Cavalera para o single “Children Of Light”
Os veteranos do metalcore norte-americano Atreyu elevaram o nível de agressividade para o seu próximo ciclo. A banda lançou o single Children Of Light, que conta com a participação de Max Cavalera (Soulfly, Cavalera Conspiracy, ex-Sepultura). A faixa é o mais novo aperitivo do 10º álbum de estúdio do grupo, The End is Not the End, previsto para chegar às lojas e plataformas no dia 24 de abril de 2026 via Spinefarm. Inspirada diretamente pelo som do Sepultura clássico dos anos 90, Children Of Light foi descrita pela banda como uma “música de festival”, feita para abrir rodas e emanar um espírito primal. “Queríamos o Max envolvido, embora parecesse um pedido impossível. Estamos honrados em compartilhar o microfone com uma lenda”, comentou o grupo em nota oficial. Álbum mais pesado da carreira da Atreyu Segundo o vocalista Brandon Saller, o novo trabalho marca um retorno às raízes experimentais do Atreyu, quando a banda não se encaixava em nenhum rótulo específico (emo, metal ou punk). The End is Not the End é prometido como o disco mais pesado e “mais metal” que o quinteto já produziu. O processo de composição foi dividido entre dois extremos: Jornada sonora Produzido por Matt Pauling, o álbum promete transitar entre melodias expansivas e uma brutalidade cinematográfica. Faixas como Dead, Ghost in Me e a própria parceria com Max Cavalera mostram uma banda que, após mais de duas décadas de estrada, ainda busca o frescor da agressividade espontânea.
Como o Capital Inicial cruzou o rock com a nova geração da música brasileira
Poucas bandas no Brasil conseguem transitar tão bem entre o rock clássico dos anos 80 e o pop contemporâneo quanto o Capital Inicial. Se no passado o grupo se imortalizou com parcerias com Zélia Duncan e Kiko Zambianchi, nos últimos anos a estratégia foi “oxigenar” o repertório convidando artistas que dominam as paradas atuais. Esses encontros, registrados principalmente no projeto Capital Inicial 4.0, mostram que os hinos da banda têm fôlego para novas roupagens. Confira os destaques dessa integração geracional: 1. Pop ousado de Marina Sena A versão de Natasha com Marina Sena é, talvez, a mais comentada. Marina não apenas emprestou sua voz anasalada e marcante, mas incorporou a personagem do clipe, trazendo uma estética visual mais “popstar” e menos “rocker” para a clássica canção de rebeldia. Ver essa foto no Instagram Um post compartilhado por Capital Inicial (@capitalinicial) 2. Leveza com Vitor Kley e Ana Gabriela Em Primeiros Erros (Chove), o Capital abriu espaço para o estilo “good vibes” de Vitor Kley. O resultado foi uma versão solar, que suaviza o peso emocional da letra original de Kiko Zambianchi. No mesmo clima, Ana Gabriela dividiu os vocais em Fogo, trazendo uma melodia mais doce e romântica para uma das canções mais sensuais do grupo. 3. Peso do rock e do rap O intercâmbio com o underground e com outros gêneros também rendeu frutos: Guia rápido de feats
“American Dream” encerra hiato de uma década do Alabama Shakes
O Alabama Shakes, vencedor de quatro prêmios Grammy, lançou o single American Dream. A faixa não é apenas uma música nova, mas o marco inicial de um novo capítulo: a confirmação do terceiro álbum de estúdio da banda, o primeiro desde o aclamado Sound & Color (2015). Composta por Brittany Howard, Heath Fogg e Zac Cockrell, a nova canção traz um riff de guitarra “sujo” e cadenciado, servindo de base para a interpretação visceral de Brittany. A letra é um retrato cru das tensões sociais de 2026, questionando o custo de vida, a pressão laboral e a desilusão com o antigo “sonho americano”. Crítica social em tom de soul American Dream mistura harmonias vocais inspiradas nos anos 50 com uma produção de rock alternativo moderna. Brittany descreve a música como um apelo por mudança. “É um retrato do que estamos vivendo hoje. Pergunto-me como chegamos a um ponto com tanta pressão e tão pouco apoio”, afirma a vocalista. O lançamento segue o single de retorno Another Life, lançado no ano passado, que já indicava que a chama da banda continuava acesa mesmo após dez anos de projetos paralelos e hiato. Turnê mundial e festivais na agenda do Alabama Shakes A banda já confirmou uma extensa turnê como headliner pela América do Norte e, pela primeira vez em mais de uma década, retornará ao Reino Unido e à Europa. O giro inclui paradas em festivais icônicos como o Bonnaroo e o New Orleans Jazz & Heritage Festival, além de apresentações ao lado de nomes como Mavis Staples e a Tedeschi Trucks Band.
Yellowcard e Blippi lançam versão familiar de “Bedroom Posters”
Se você achava que já tinha visto de tudo na música em 2026, prepare-se: o Yellowcard, um dos maiores nomes do pop-punk dos anos 2000, acaba de lançar um dueto com o fenômeno da educação infantil Blippi. A parceria acontece em uma nova versão do single Bedroom Posters, lançada via Better Noise Music. Originalmente, a faixa conta com a participação de Joel Madden (Good Charlotte) e ocupa o Top 5 das paradas de rádio alternativa nos EUA. No entanto, para a colaboração com Blippi, a letra foi totalmente repaginada. Saem os dilemas adolescentes e entra o fascínio infantil por veículos e aventuras. Aviões, montanhas-russas e escavadeiras A nova versão troca versos sobre “rasgar posters do quarto” por “olhar para os posters” e entoa coros sobre aviões e montanhas-russas. A iniciativa faz parte do projeto Year of Vehicles (O Ano dos Veículos), uma série de lançamentos de Blippi que celebra caminhões monstros, escavadeiras e carros de corrida. Para Ryan Key, vocalista do Yellowcard e pai de primeira viagem, o projeto tem um gosto especial: “Meu filho de 2 anos já mostra sinais de ser muito musical. Ver a equipe do Blippi reescrever a letra foi incrível, e espero que isso inspire uma nova geração de pequenos roqueiros”, comentou o cantor. “Crossover” geracional entre Yellowcard e Blippi Não é a primeira vez que os dois colaboram; o Yellowcard já havia aparecido na faixa Go Go Go de Blippi. A estratégia parece clara: atingir os pais que cresceram ouvindo pop-punk e que agora buscam conteúdos que possam compartilhar com seus filhos pequenos sem perder a própria identidade musical.
Tropikal Punk estreia com manifesto sonoro entre o ruído e a tradição
Belém sempre foi um celeiro de misturas improváveis, mas o que a Tropikal Punk apresenta em seu álbum de estreia, homônimo, eleva o conceito de “fusão” a um novo patamar de urgência. Formada por veteranos da cena paraense (com passagens por bandas como Pig Malaquias e Mangabezo), o quarteto entrega um disco que é, ao mesmo tempo, um retrato visceral do Norte do Brasil e uma crítica ácida ao colapso global. O álbum transita com naturalidade entre o punk rock direto, o dub pesado, o thrash metal e experimentações eletrônicas, tudo atravessado por um olhar distópico sobre a vida urbana em meio à floresta. Da Crítica às Big Techs ao calor de Belém A jornada começa com “Big Tech”, uma faixa que usa guitarras dissonantes para questionar nossa dependência digital. O tema retorna ao final do disco em uma versão eletrônica e dançante, com a participação de luxo de Aldo Sena, o ícone da guitarrada, criando uma ponte única entre o som de raiz e o futuro tecnológico. Outro ponto alto é Burn, Belém, Burn. A canção transforma a capital paraense em protagonista de uma narrativa sobre as mudanças climáticas, um tema que ecoa forte após a cidade ter sido o centro das atenções mundiais com a COP30. Já em “Peter Tosh”, a banda funde o peso do metal com efeitos eletrônicos em uma fuga simbólica da realidade urbana. Identidade e colapso do Tropikal Punk Composto por Ruy Montalvão (vocais e beats), Márcio Maués (guitarras), Vladimir Cunha (baixo) e Renato Damaso (bateria), o Tropikal Punk não se contenta em ser apenas “mais uma banda de rock”. O álbum explora estéticas como o psycho blues dos anos 70 em Drones e o pós-punk em Poser, provando que a música feita no Pará é tão plural quanto complexa. É um disco que exige atenção, feito de ruídos e grooves que tentam traduzir o que é viver em um país que oscila entre a tradição e o desastre iminente.
Garotos Podres registram o clássico “Mais Podres do Que Nunca” em show no PR
A banda Garotos Podres participou da segunda edição do projeto BVDR Grava, uma iniciativa conjunta da Belvedere Casa de Cultura e da Quero Rec Music, focada em documentar apresentações icônicas da cena independente. O registro, realizado em fevereiro de 2026, traz um momento raro: a banda apresentando na íntegra o álbum Mais Podres do Que Nunca. Lançado originalmente em 1985, o disco é um dos pilares do punk nacional, contendo hinos de protesto e crônicas urbanas que moldaram o gênero no Brasil. Energia do underground no show do Garotos Podres O show aconteceu no Belvedere, em Curitiba, um espaço conhecido por manter a estética e a proximidade das tradicionais casas de show independentes. Além do setlist focado no primeiro álbum, a apresentação contou com a abertura das bandas locais Dedo Podre e Capetassauras, reforçando o intercâmbio entre gerações. O material audiovisual completo, que busca preservar a “sujeira” e a energia real do palco sem excessos de pós-produção, já está disponível no YouTube. Projeto BVDR Grava O objetivo da série BVDR Grava é justamente este: atuar como um arquivo vivo da música marginal brasileira. Ao captar o som direto da “fervura” do público, o projeto documenta não apenas a música, mas a cultura que envolve esses espaços de resistência artística.
Entrevista | Supercombo – “Com as duas partes juntas é um dos discos mais incríveis da banda”
O Supercombo lança nesta sexta-feira, 10 de abril, a segunda parte do álbum Caranguejo, pela Deckdisc, concluindo um projeto concebido desde o início como um disco dividido em dois tempos. Após apresentar a primeira metade ao longo de 2025 em uma série de shows por seis estados, o novo capítulo chega com oito faixas inéditas que ampliam a proposta do trabalho, explorando diferentes climas, ritmos e atmosferas sem perder a unidade estética construída anteriormente. O show de lançamento será dia 26 de abril na Casa Natura. Musicalmente, o rock segue como base da identidade do Supercombo, mas ganha contornos mais abertos nesta segunda etapa. A sequência se inicia com “Combustão”, uma vinheta que funciona como ponte entre as duas partes, e avança para momentos de maior impacto, como “Deixa a Maré Te Levar”, marcada por riffs mais pesados e energia crescente. Ao mesmo tempo, o álbum aprofunda narrativas já sugeridas, como em “Deixar Pra Lá”, que dialoga diretamente com “Alento”, e em “Como Se Fosse Ontem”, que revisita a nostalgia da adolescência sem se prender ao passado. Com a Parte 2, Caranguejo se consolida como o trabalho mais elaborado da carreira da Supercombo, resultado de um período mais longo em estúdio e de uma produção refinada assinada por Victor de Souza, o Jotta. O disco completo, agora com 15 faixas, reforça o momento de maturidade criativa do grupo e sua proposta de construir álbuns como experiências contínuas. O Blog N’ Roll acompanhou de perto esse processo e esteve, na última sexta-feira (03/04), no estúdio da banda ao lado do fã-clube para uma audição exclusiva da segunda parte do projeto em primeira mão. Como é que foi ver a recepção dos fãs agora na audição dessa segunda parte de Caranguejo? Léo Ramos – Absurdamente incrível. A gente sempre fica numa expectativa porque a parte 1 foi tão bem recebida por eles e aí a gente pensando, né? Pô, e aí? E a parte 2? Será que a galera vai gostar? Mas eu acho que pra mim superou as expectativas, tanto pra gente quanto pra eles. Foi um momento muito legal. Tenho certeza que com as duas partes juntas, pra mim, é um dos discos mais incríveis da banda. Tem uma parte favorita de vocês? A 1 ou a 2? Léo Ramos – Cara, eu acho que eu gosto mais da 2 agora. André “Dea” – Eu acho que por ser mais novinha, todo mundo tá com a 2 no coração. Carol Navarro – Vou votar na 2 também. É, a parte 2 tem uns rifão. Não que o primeiro não tivesse, né? Mas a 2 vai ser divertido de tocar no show. Paulo Vaz – Eu gosto mais da segunda parte também. Eu acho que ela é mais concisa em relação aos timbres, a sonoridade. Eu sinto ela com mais pressão. Então eu gosto mais da segunda parte, mas amo a primeira também. E qual vai ser a primeira música de trabalho dela? Léo Ramos – Eu acho que vai ser Como Se Fosse Ontem, do Vitor Kley. Brincadeira, risos. A gente não sabia, ou a gente não lembrava, sei lá, que o Vitor Kley tinha uma música chamada Como Se Fosse Ontem. Beijo, Vitor Kley, te amo. Mas enfim, acho que vai ser esse single o primeiro. E sobre o que fala a letra? Léo Ramos – É sobre nostalgia, sobre uma época em que a gente só ia pros Corujão jogar CS até de madrugada, até o dia raiar. E a vida era muito mais simples. É uma música sobre isso, mais leve, né? Levinho.
Entrevista | Winger – “Provavelmente será a última vez que tocamos no Brasil”
A banda Winger está confirmada no line-up do Bangers Open Air e se apresenta no dia 26 de abril. Formado no fim dos anos 1980, o grupo liderado por Kip Winger ganhou projeção com hits como “Seventeen” e “Miles Away”, consolidando seu nome no hard rock melódico da época. A banda também ficou conhecida pela forte musicalidade, equilibrando técnica refinada e apelo radiofônico, algo que os diferenciava dentro da cena glam. Ao longo das décadas, o Winger enfrentou altos e baixos, especialmente durante a virada dos anos 1990, quando o grunge dominou o mercado e impactou diretamente bandas do estilo. Ainda assim, o grupo manteve sua relevância com trabalhos consistentes e retornos pontuais, como o álbum “Karma” e o mais recente “Winger VII”, que reuniu a formação clássica. Paralelamente, Kip Winger desenvolveu uma carreira respeitada na música erudita, inclusive com indicações ao Grammy na área de composição clássica. A apresentação no Bangers Open Air ganha contornos ainda mais especiais por marcar uma das últimas passagens da banda pelo Brasil, dentro de uma turnê que sinaliza o encerramento gradual das atividades. Em entrevista ao Blog N’ Roll, Charles “Kip” Winger falou sobre o fim das turnês, a transição para a música clássica e a relação com o público brasileiro. Quando você percebeu que era hora de encerrar a trajetória do Winger? Já venho pensando nisso há cerca de cinco anos. Tenho me dedicado cada vez mais à composição orquestral e senti que queria focar mais nisso. Chegamos a planejar essa despedida antes da pandemia, mas com a COVID decidimos seguir e depois fazer uma despedida gradual, com shows finais ao redor do mundo. Não anunciei oficialmente que nunca mais vou tocar, mas estou diminuindo o ritmo. Também tive alguns problemas vocais nos últimos anos e não quero subir ao palco sem conseguir cantar bem. Essa será uma despedida definitiva dos palcos ou ainda haverá espaço para apresentações pontuais? Provavelmente será a última vez que tocamos no Brasil. Já fizemos nossos últimos shows no Japão e na Europa. Ainda temos algumas datas nos Estados Unidos, mas estou mantendo tudo bem reduzido e sem aceitar novos compromissos. O que muda emocionalmente ao subir no palco sabendo que são os últimos shows? Foi um processo gradual. Sinto que já fiz tudo que podia com a banda. O álbum “Winger VII” foi pensado como uma declaração final, reunindo a essência do início com tudo que construímos ao longo de 35 anos. Eu não gosto de me repetir como artista, então prefiro seguir em frente e explorar novos caminhos, principalmente na música clássica. Como está sendo montado o setlist dessa turnê final sendo um show em Festival? Haverá surpresas para o Brasil? Ainda não defini completamente. Inclusive meu empresário me perguntou isso recentemente. Se você tiver alguma música favorita, pode sugerir. Vamos incluir os principais hits, claro, e algumas faixas que gostamos de tocar ao vivo. Gosto dos clássicos, mas imagino que já estejam no set, como “Seventeen”e “Can’ Get Enough”. Inclusive, “Miles Away” fez sucesso como trilha sonora de novela no Brasil. Como você vê esse tipo de exposição? Fiquei sabendo disso depois. É uma grande honra. Sempre é bom quando sua música chega a outros contextos, como TV e cinema. Há alguma música difícil de deixar de fora do repertório nessa turnê? Não especificamente. Sempre priorizamos os hits, que são muitos, e escolhemos outras músicas dependendo do momento. Algumas funcionam melhor ao vivo do que outras. Você sabia que São Paulo é hoje a cidade que mais ouve Winger no mundo? Inclusive ela tem quase o dobro de plays no Spotify do que Chicago, segunda colocada. Esse tipo de dado influencia decisões de turnê? Não sabia. Isso é incrível e aumenta ainda mais a responsabilidade para o show. Sou bem old school e não acompanho estatísticas. Acho que isso pode até atrapalhar a criatividade. Como você enxerga o público brasileiro? Todos os shows que fiz no Brasil foram incríveis. Os fãs brasileiros são absolutamente impressionantes, eles vivem e respiram a música de uma forma única. Não existe nada igual. Fiz uma pequena turnê acústica com meu percussionista, Robbie Rothschild, e desde o primeiro show, mesmo em um lugar pequeno, estava lotado e o público estava enlouquecido. Eu me virei para ele e disse: “é disso que se trata tudo isso”. Porque você não vai ver isso em qualquer lugar. O Brasil é muito único nesse sentido. Os fãs simplesmente se tornam a música, é algo inacreditável. Então, quando você me pergunta sobre memórias, a verdade é que cada show no Brasil é melhor que o anterior. Como foi a transição de tocar com Alice Cooper para liderar sua própria banda? Foi uma experiência muito importante para mim. Aprendi bastante com o Alice, principalmente sobre turnês e sobre como se comportar como frontman. Eu vinha de uma banda com meus irmãos, onde esse papel era dividido, então precisei desenvolver isso quando o Winger começou. Observar como ele conduzia o público e comandava o palco foi uma grande escola, e isso acabou sendo fundamental quando a banda engrenou. A banda sofreu críticas nos anos 1990 com o grunge e a cultura pop, teve o episódio do personagem de Beavis and Butthead que era fã de Winger e sofria bullying, teve a cena do Lars do Metallica jogando dardos na sua foto… Como você lidou com isso? Aquilo tudo simplesmente aconteceu ao nosso redor. A chegada do grunge, o impacto cultural de coisas como Beavis and Butt-Head e até o próprio Metallica acabaram nos colocando no centro de uma situação que não controlávamos. Foi algo que prejudicou bastante a nossa imagem por um tempo, mas musicalmente nunca me afetou. Eu sempre tive uma visão clara do que queria fazer e continuei evoluindo. Foquei na música, segui trabalhando e, no fim, consegui sair do outro lado, inclusive com reconhecimento na música clássica. Por outro lado, hoje há um revival de estilos clássicos. Inclusive, o Crazy Lixx que dividirá o palco com vocês é uma banda bem mais