Taylor Momsen assume controle do Morumbis e The Pretty Reckless entrega abertura à altura do AC/DC
A responsabilidade de abrir para o AC/DC nunca é pequena. Ainda mais quando se trata de uma banda liderada por uma atriz que ficou conhecida em um seriado teen em meio a uma plateia mais velha e amante do rock clássico. O rótulo poderia pesar contra o The Pretty Reckless, mas bastou o primeiro riff ecoar no Morumbis para qualquer desconfiança cair por terra. Taylor Momsen e seus parceiros entraram com postura de veteranos e, em poucos minutos, tinham a multidão nas mãos. O que poderia ser um teste de fogo virou uma recepção calorosa, com direito a aplausos consistentes e um público atento do começo ao fim. Leia aqui o review do primeiro show da The Pretty Reckless no dia 24.02 Sem recorrer a telões grandiosos, efeitos especiais ou labaredas cenográficas, o quarteto apostou no básico que sustenta qualquer show de rock de verdade nesta segunda noite de dobradinha com o AC/DC no sábado (28/02): guitarra alta, cozinha pesada e presença de palco. O repertório foi construído com dez músicas executadas sem rodeios, alternando momentos mais sotis com explosões diretas. Death by Rock and Roll abriu os trabalhos apontando o caminho da noite, seguida por Since You’re Gone e Follow Me Down. A banda também trouxe a densidade de Only Love Can Save Me Now, o clima mais sombrio de Witches Burn, dedicada a todas as mulheres no público, e apresentou For I Am Death, faixa recente que entrou há pouco tempo no setlist. Na parte final, vieram as cartas mais conhecidas. Make Me Wanna Die foi cantada em coro, Going to Hell incendiou o gramado e Heaven Knows funcionou como ponto máximo de interação. O encerramento com Take Me Down manteve a vibração lá em cima e consolidou a missão cumprida. Antes de deixar o palco, Taylor surpreendeu ao pegar um caderno para se comunicar em português com o público, gesto simples que arrancou gritos e aproximou ainda mais a banda da plateia brasileira. Ao fim, ficou claro que o grupo não apenas abriu caminho para o gigante australiano, mas também cravou seu próprio espaço na noite e um show solo no futuro. Crédito da foto: Camila Cara / Live Nation
Banda inglesa Shame retorna ao Brasil em junho
O quinteto inglês Shame retorna ao Brasil em data única, apresentando um repertório inédito, com canções de seu novo álbum Cutthroat, além de sucessos de seus três discos anteriores. O show acontece no dia 20 de junho, sábado, no Cine Joia, em São Paulo. Essa será a terceira visita da banda ao país desde 2019, após uma série de shows esgotados, gerando imenso buzz pelas performances marcantes do grupo, liderado pelo intenso e carismático vocalista Charlie Steen. Os ingressos já estão à venda online no site da Ingresse, nos setores Pista e Camarote. Para quem deseja comprar sem taxa de conveniência, o Takkø Café é o ponto de venda físico oficial, no bairro Vila Buarque. Confira os dias e horários de funcionamento do estabelecimento. O show é uma produção da Balaclava. Considerados um dos principais nomes que trouxeram à tona a sonoridade punk do Reino Unido, ao lado de IDLES, Fontaines D.C e High Vis, o Shame segue expandindo seu público e consolidando sua reputação como uma banda que transforma inquietação em catarse coletiva. Formado no sul de Londres em meados da década de 2010, o grupo rapidamente chamou atenção pela energia crua de suas apresentações ao vivo e por uma abordagem visceral que dialoga com a tradição pós-punk britânica, mas com identidade própria. Desde os primeiros lançamentos, construíram uma trajetória marcada por urgência política, inquietação geracional e uma entrega performática explosiva. Seu álbum de estreia, Songs of Praise (2018), marcou a essência do pós-punk inglês e trouxe clássicos elementos do britpop, soando Stone Roses e The Fall ao mesmo tempo, com um som direto, barulhento e provocador. Drunk Tank Pink (2021) já mostra uma enorme evolução do quinteto, soando mais grandioso e ambicioso, sob produção de James Ford. Aqui, as referências principais foram Gang of Four, Talking Heads, ESG e Talk Talk. No terceiro disco, Food for Worms (2023), a banda aprofundou sua exploração emocional, equilibrando agressividade e vulnerabilidade com maior sofisticação instrumental. Agora, com o lançamento de Cutthroat (2025), Shame reafirma sua capacidade de evolução sem abrir mão da própria essência. O novo trabalho apresenta sonoridade ainda mais afiada e expansiva, em temas como alienação, ambição, frustração e sobrevivência emocional em tempos de instabilidade social. Lampião é uma das faixas que evidenciam o interesse da banda por imagens fortes e personagens simbólicos, além da conexão evidente dos integrantes com o Brasil. O título evoca imediatamente a figura histórica do cangaceiro brasileiro Virgulino Ferreira da Silva, associado a narrativas de rebeldia, violência e mito popular. Na canção, essa referência funciona mais como símbolo do que como retrato biográfico: a ideia de marginalidade, confronto com estruturas de poder e sobrevivência em ambientes hostis. Ainda na casa dos vinte anos, os cinco amigos de infância, Charlie Steen, os guitarristas Sean Coyle-Smith e Eddie Green, o baixista Josh Finerty e o baterista Charlie Forbes – evoluíram exponencialmente, com ideias sonoras ambiciosas e habilidade técnica para executá-las. * Balaclava apresenta: Shame (UK) em São Paulo Data: 20 de Junho de 2026, sábado Local: Cine Joia Praça Carlos Gomes, 82 – Liberdade Horários: Portas 20h / Show 21h Classificação etária: 16+ / menores de 16 anos acompanhados dos pais ou responsável legal Ingressos: https://ingresse.com/shame-sp
Julies lança a reflexiva “Viver Não é de Graça”
Para embalar este fim de semana com uma energia solar e reflexiva, o cantor Julies, um dos grandes destaques do pop reggae nacional, liberou nas plataformas de streaming o seu novo single, Viver Não é de Graça. A faixa chega como uma brisa refrescante após um dia de calor intenso. Produzida pelo renomado trio Los Brasileros, a canção nasce de um lugar onde a vida pulsa sem pressa, convidando o ouvinte a aceitar os ciclos com o coração aberto, falando de amor e tempo sem nenhuma urgência. Encontro de pesos do reggae no single A música não foi construída sozinha. Julies assina a composição ao lado de Tales de Polli, DEKO e Tercio de Polli, parceiros de longa data que acompanham o artista desde o início de sua trajetória. Para se ter uma ideia do peso desse encontro, são nomes que já assinaram e estiveram presentes em sucessos gravados por gigantes da cena, como Maneva e Expressão Regueira. “Essa música foi uma delícia de fazer, porque tá muito dentro do que a gente ama compor. Quando a gente se junta, deixa de ser obrigação e vira um prazer real, uma celebração entre amigos que se entendem musicalmente”, conta Julies sobre o processo criativo. Aceitação e esperança é mensagem de Viver Não é de Graça, de Julies Longe de se apoiar na dor ou no drama, Viver Não é de Graça mergulha na ideia de que viver e amar exigem compreensão e mudanças inevitáveis. A inspiração vem daquele instante em que a euforia dá lugar ao silêncio. O próprio artista faz questão de ressaltar o tom da obra: “Ela não é uma música de sofrimento. É sobre entender o processo, aceitar que nem todo dia o céu vai brilhar, mas que a vida segue e encontra a gente de novo”. O refrão brinca com a ambiguidade. Pode soar como uma canção puramente romântica para alguns, mas carrega uma mensagem profunda sobre a caminhada individual de cada um. Versos como “viver não é de graça” e “dói, mas sei que passa” revelam um tom realista, mas profundamente esperançoso.
Vitor Kley lança álbum intimista “APGC Ao Vivo na Casa da Colina”
Se você estava procurando a trilha sonora perfeita para curtir este fim de semana, a busca acabou. O cantor Vitor Kley atendeu aos inúmeros pedidos de seus fãs e liberou nas plataformas de música o álbum APGC Ao Vivo na Casa da Colina. Previamente disponível apenas em formato audiovisual, o projeto captura a magia e a energia da elogiada turnê As Pequenas Grandes Coisas, que tem sido um verdadeiro sucesso de crítica e público por diversas cidades do Brasil e da Europa. O repertório é composto por versões ao vivo e cheias de alma das 11 faixas do disco, além de presentear o público com a inédita Nós Dois. Refúgio criativo e a homenagem ao pai A intensa troca com os fãs durante os shows foi o combustível para a criação deste registro. Para capturar essa essência de forma autêntica, Vitor escolheu gravar o projeto no estúdio construído dentro do seu próprio lar, a Casa da Colina. “Contamos com oito músicos, além dos engenheiros de áudio, da equipe de cenografia e vídeo. A atmosfera era vibrante, tranquila, sem pressão”, relembra o cantor. Esse ambiente controlado, porém totalmente livre, abriu espaço para ideias ousadas e profundamente pessoais. Um dos pontos mais emocionantes do álbum são os interlúdios inspirados na clássica banda britânica Supertramp. A escolha estética não foi por acaso: trata-se de uma bela e sensível homenagem aos seus pais, que o ensinaram a apreciar a banda, especialmente ao seu pai, que faleceu durante o processo de criação de As Pequenas Grandes Coisas. Música feita de perto por Vitor Kley no APGC O trabalho é, acima de tudo, um convite para o ouvinte voltar ao lugar onde a música realmente nasce: onde a amizade vira som e onde as histórias viram canções. É uma celebração do que o artista e sua banda têm de mais verdadeiro. “Espero que, em meio à velocidade do mundo contemporâneo, as pessoas dediquem tempo para assistir aos 40 a 50 minutos do projeto, que possui significado do início ao fim. Que se permitam emocionar, cantar junto e apreciar a performance dos músicos”, finaliza Vitor. Ouça Vitor Kley APGC (Ao Vivo na Casa da Colina)
Paul McCartney lança documentário “Man on the Run” e trilha sonora
Os fãs de Beatles ganham um presente duplo: a estreia mundial do documentário Paul McCartney: Man on the Run no Prime Video, acompanhado do lançamento oficial de sua respectiva trilha sonora nas plataformas digitais e em formatos físicos. Dirigido pelo aclamado Morgan Neville (vencedor do Oscar, Emmy e Grammy), o filme oferece um olhar intimista e vulnerável sobre a década transformadora de Paul após a separação dos Beatles, detalhando o seu renascimento criativo e a ascensão do Wings. O longa conta com imagens raras de arquivo, fotografias de Linda McCartney e entrevistas de peso com familiares e lendas do rock como Mick Jagger e Chrissie Hynde. Vale lembrar que, para celebrar esse lançamento histórico, o filme teve uma exibição especial e única nos cinemas na semana passada, no dia 19 de fevereiro, que incluiu uma conversa exclusiva entre Paul e o diretor. Saindo da sombra, correndo para a luz O documentário joga luz sobre os anos 1970, uma década em que a genialidade de Paul muitas vezes acabou ofuscada pelo simples fato de ele ter feito parte dos Beatles anteriormente. O diretor Morgan Neville explica brilhantemente a sua abordagem para o projeto: “Quis analisar a trajetória quase impossível de Paul sob a longa sombra dos Beatles. Foi uma jornada cheia de escolhas improváveis. Como lidar com o peso de expectativas tão gigantescas sem fazer o inesperado? Percebi que, ao longo da década, Paul deixou de correr de algo e passou a correr em direção a algo — sua própria voz, sua própria família, sua própria vida. Esta é a história de alguém que se reencontra.” Trilha sonora: clássicos e raridades inéditas Para acompanhar a obra visual, a Capitol Records, MPL Communications e UMG lnaçaram o álbum Man on the Run – Music from the Motion Picture Soundtrack. O disco é um retrato fiel da criatividade de Paul nos anos 70, condensado em 12 músicas. Além dos sucessos imortais do catálogo de Paul e do Wings, o álbum traz preciosidades para os colecionadores: A versão física do álbum (CD e Vinil, incluindo um pôster oficial) já está disponível na UMusic Store. A direção de arte do projeto é co-assinada pelo próprio McCartney ao lado do icônico Aubrey ‘Po’ Powell, do estúdio Hipgnosis. 💿 Tracklist de “Man on the Run – Music from the Motion Picture Soundtrack”
Punho de Mahin lança o contundente álbum “Entre a Penitência e a Ruptura”
A banda Punho de Mahin, consolidada como um dos principais nomes do afro punk no Brasil, lançou o segundo álbum de estúdio, Entre a Penitência e a Ruptura. Com produção musical assinada por ninguém menos que a lenda Clemente Nascimento (fundador dos Inocentes) e lançamento pela gravadora Deck, o disco traz uma sonoridade crua e contundente. Mais do que música rápida e distorcida, o projeto tem uma proposta artística e política clara: colocar o dedo na ferida e revisitar a experiência negra na sociedade contemporânea, uma temática historicamente negligenciada dentro da própria cena underground. Temas como protagonismo negro, racismo estrutural, machismo, intolerância e violência policial ganham forma em 12 faixas divididas em dois atos muito bem definidos. Junto com o álbum, a Punho de Mahin também liberou o videoclipe do single Meritomentira no YouTube. Lado A: A Penitência A primeira metade do álbum (até a sexta faixa) funciona como uma radiografia da “penitência”. Sob perspectivas históricas e atuais, as músicas refletem o legado sangrento da colonização, a espoliação e o encarceramento. O disco expõe o projeto estrutural de opressão, questiona o falso mito da meritocracia e narra os processos de exclusão social. Lado B: A Ruptura Já a segunda parte do disco foca na “ruptura” e na resistência. A articulação e a ancestralidade tomam a frente para conduzir a insurreição. As letras resgatam a potência de mulheres que foram apagadas pela história e destacam o embate feminino atual por respeito e permanência plena, inclusive dentro de espaços que se dizem libertários. 🎧 Faixa a faixa de “Entre a Penitência e a Ruptura”, do Punho de Mahin (por Paulo Tertuliano) Para mergulhar de cabeça no conceito do disco, confira o faixa a faixa detalhado: 1. Violação: Desperta a reflexão sobre a negligência do estado diante do sistema carcerário feminino, expondo a extrema desigualdade que vigora na sociedade. 2. Marcus Vinicius da Maré: Não é apenas uma menção à vítima do aparato de segurança pública, mas expõe as ações do racismo estrutural e do genocídio planejado ao longo dos anos. 3. Meritomentira: O impacto da desigualdade social aplicada em diversos níveis, gerando uma reflexão crítica sobre a meritocracia projetada por eixos conservadores. 4. Vão: Destaca como a administração público-privada gere a mobilidade urbana e o direito de ir e vir, apontando o descaso do capitalismo, que nunca prioriza vidas. 5. Linha Tênue: Abrange de maneira direta os vestígios da ditadura que vigoram até hoje na suposta democracia e nas corporações. 6. 13 de Maio: Expressa o contexto histórico e deflagra a falsa abolição, propondo um questionamento direto sobre a história manipulada. 7. Entre a Penitência e a Ruptura: A faixa-título reflete a emancipação e resistência diante das violações que afligem mulheres e grupos marginalizados. 8. Raios, Trovões e Tempestades: Fala sobre as forças da natureza e da ancestralidade como elementos que nutrem a luta necessária para a permanência do povo preto. 9. Dandara: Sobre a força da mulher negra, pareando figuras como Luiza Mahin, Lélia Gonzalez, Sueli Carneiro e Marielle Franco a inúmeras mulheres não reconhecidas. 10. Ei Mulher: Um convite para mulheres sentirem e celebrarem as melhores vivências além da luta, contrapondo as violências do patriarcado. 11. Respiro: Expõe os levantes de corpos que exigem o direito de existir e ter suas subjetividades respeitadas. Fala sobre liberdade e amor que não dependem apenas da legislação. 12. Grito Quilombo: Amplia a força ligada à contínua organização e ao aquilombamento pleno, construindo a ideia de potência coletiva.
Gorillaz lança o épico álbum “The Mountain” e curta-metragem animado em 2D
O Gorillaz apresentou ao mundo o seu aguardado nono álbum de estúdio, The Mountain. O lançamento é um marco histórico, pois é o primeiro disco lançado pelo próprio selo fonográfico do grupo, o KONG. Com 15 faixas, o disco constrói uma paisagem sonora expansiva e incrivelmente rica em texturas. A banda combina instrumentos orgânicos com batidas envolventes, criando o que eles definem como a trilha sonora de uma celebração na fronteira entre este mundo e o que vem depois, uma exploração profunda sobre a jornada da vida e o fascínio da existência. Encontro global de lendas e vozes do além em The Mountain, do Gorillaz A essência colaborativa de Damon Albarn e companhia continua sendo o coração do Gorillaz. The Mountain apresenta uma lista absurda e genial de convidados que passeiam por diversos gêneros e culturas. Entre os vivos, o álbum conta com IDLES, Bizarrap (que assina a produção da explosiva faixa Orange County), Johnny Marr (The Smiths), Sparks, Black Thought, Gruff Rhys, Yasiin Bey, Trueno, Jalen Ngonda e astros da música indiana e global, como Anoushka Shankar, Omar Souleyman, Asha Bhosle, Asha Puthli e Amaan & Ayaan Ali Bangash, além do eterno parceiro Paul Simonon (The Clash). Emocionantemente, o projeto também incorpora vozes de parceiros criativos e lendas que já nos deixaram, como Bobby Womack, Dave Jolicoeur (De La Soul), Tony Allen, Mark E. Smith, Proof e o ator Dennis Hopper. As gravações rodaram o planeta: do clássico Studio 13 (Londres) a sessões em Mumbai, Nova Déli, Damasco, Los Angeles, Miami e Nova York. O resultado é tão global que o disco apresenta performances em cinco idiomas: árabe, inglês, hindi, espanhol e iorubá. Retorno à era de ouro da animação Como se a grandiosidade musical não bastasse, o lançamento chega acompanhado de um belíssimo curta-metragem. Dirigido pelo co-criador Jamie Hewlett, ao lado de Max Taylor e Tim McCourt (do estúdio The Line), o filme levou 18 meses para ser produzido. O curta marca o retorno de Hewlett a uma abordagem mais artesanal, celebrando a era de ouro da animação 2D. Com cenários pintados à mão e texturas ricas, o visual reimagina o universo do Gorillaz sob uma lente cinematográfica clássica, mesclando o analógico e o digital. Na narrativa oficial dessa nova fase, Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D e Noodle chegam a Mumbai (Índia) utilizando passaportes falsos providenciados por um contato de Murdoc em Nova York. Longe do estrelato pop, os quatro mergulham em uma jornada espiritual pelas montanhas indianas, explorando novos ritmos, mistérios e significados. Ouça The Mountain, do Gorillaz
U2 e cineasta ucraniano lançam documentário sobre os quatro anos de guerra
A arte e a música sempre caminharam lado a lado com os grandes acontecimentos históricos, servindo como registro, denúncia e consolo. O U2 reforçou esse papel ao transformar uma de suas novas canções em um poderoso testamento visual sobre a resiliência humana. Na última terça-feira (24), data que marcou o trágico marco de quatro anos da invasão da Ucrânia pela Rússia, foi lançado globalmente um curta-metragem documental inspirado na faixa Yours Eternally. Visão de Ilya Mikhaylus no documentário do U2 O filme, que possui cerca de quatro minutos e meio de duração, foi dirigido pelo aclamado diretor de fotografia e cineasta ucraniano Ilya Mikhaylus e contou com a produção de Pyotr Verzilov. A obra é um retrato sensível e urgente que traduz em imagens a carga emocional da música, documentando a realidade do povo ucraniano e a persistência de uma nação que, mesmo após quatro anos de conflito intenso, continua lutando por sua soberania e identidade. EP “Days of Ash” e as colaborações Yours Eternally é o grande destaque do recém-lançado EP do U2, intitulado Days of Ash, que chegou às plataformas na semana passada. Para dar ainda mais peso à mensagem da canção, a banda irlandesa contou com colaborações de peso. A faixa traz a participação do astro pop britânico Ed Sheeran e dos vocais emblemáticos do cantor ucraniano Taras Topolia, criando uma ponte artística poderosa entre o rock de arena, o pop contemporâneo e o sentimento nacionalista da Ucrânia. O projeto reafirma o ativismo histórico de Bono Vox e companhia, que frequentemente utilizam o alcance global do U2 para jogar luz sobre crises humanitárias e violações de direitos humanos ao redor do mundo.
Beastie Boys anuncia edição deluxe física e inédita de “To The 5 Boroughs”
O lendário Beastie Boys anunciou o lançamento de edições físicas e limitadas para celebrar o clássico álbum To the 5 Boroughs. A partir do dia 17 de abril de 2026, os fãs poderão ter em mãos o disco nos formatos 3LP e 2CD. O grande atrativo é a inclusão de 11 faixas-bônus, recheadas de remixes raros e cobiçados lados B. Esta é a primeira vez que a edição deluxe do projeto (disponibilizada digitalmente em 2019) ganha vida no formato físico. To The 5 Boroughs é homenagem aos cinco distritos de NY Lançado originalmente em 2004 e produzido pelo próprio Beastie Boys, To the 5 Boroughs é uma verdadeira carta de amor à cidade natal do grupo. O disco foi um sucesso estrondoso, alcançando o cobiçado primeiro lugar na Billboard 200 e liderando as principais paradas de Rap e R&B. A obra consolidou mais uma fase brilhante do trio formado por Ad-Rock, Mike D e pelo saudoso e genial Adam Yauch (MCA). O repertório é conhecido por equilibrar de forma magistral: A pré-venda desta edição histórica estará disponível em breve através da UMusic Store. É a chance perfeita para girar na vitrola um dos discos mais autênticos e essenciais dos anos 2000.