Com dois brasileiros na formação, Popes of Chillitown mostra força em Londres
Com a retomada dos shows em Londres, a bola da vez foi o Popes of Chillitown, que fez uma apresentação perfeita para começar o final de semana, na última sexta-feira (20). A venue da vez foi o New Cross Inn, no sudeste de Londres, uma casa muito legal e aconchegante para um show. Som alto e cerveja gelada dão o tom da noite. Em sua formação, o Popes of Chillitown conta com dois brasileiros. Aliás, isso torna ainda mais interessante a química da banda que em sua sonoridade mescla diversos estilos e resulta em um belo mix. O show serviu como aquecimento para o Slamdunk, que vai acontecer em duas semanas. Voltando um pouco a falar sobre os brasileiros, um deles é o Trosso , sax e vocal no Abraskadabra. Recentemente, ele também lançou um álbum solo, ambos com estilos diferentes. No entanto, com uma qualidade impecável, realmente vale muito a pena ir atrás dos dois e conferir. Primeiramente, o show caótico do Popes está mantido. Logo de início, eles deixaram todos boquiabertos com a dobradinha de abertura do álbum Work Hard, Play Hard, See You In the Graveyard, com as músicas Prang e Get Off/Get On. A apresentação seguiu nesse ritmo, com a troca de beat e tempo nas músicas, assim como as trocas de vozes. Aliás, os sopros dão um charme extra na sonoridade, deixando uma massa sonora cheia de texturas e nuances. Passeio pela discografia do Popes of Chillitown O set passeou pelos três discos lançados pela banda. Blame Game, do A Word to the Wise, fechou o primeiro bloco. Posteriormente, com o jogo ganho, o resto do show foi se desenrolando sem muitas pausas. Contudo, posso citar diversos destaques da apresentação. Músicas como Winsdom Teeth, Vamos a La Luna, Opoom, entre outras consolidam o Popes of Chillitown como uma das grandes bandas do seu estilo. Certamente merecem um grande destaque. Aliás, a cena independente de Londres é muito rica. Vale muito a pena falar sobre algumas delas por aqui… Logo mais tem mais.
Em Londres, Yungblud celebra retomada dos shows com público
Creio que antes de falarmos sobre o Yungblud, devo exaltar que os shows estão voltando a acontecer em Londres. Aliás, isso nos dá uma grande motivação e alegria, pois aos poucos estamos conseguindo virar essa página. Bem, foi quase um ano e meio sem atividades musicais por aqui, diversos cancelamentos, alterações de datas, prejuízos, trabalhos perdidos e uma série de coisas nesse tempo. Gradativamente, as coisas estão se encaminhando para a normalidade. Porém, algumas regras são claras e básicas a serem seguidas. A principal delas é a vacina: se foi vacinado, entra no show. Caso contrário, vai ficar de fora. Bem, com quatro noites de sold out no O2 Forum Kentish Town, em Londres, ficou muito fácil de entender todo o buzz em cima do Yungblud. Dominic Richard Harrison, nome de batismo desse britânico de 24 anos, é um artista com uma abordagem muito peculiar. Ele mescla diversas referências e isso o torna muito especial. Em resumo, sua música passeia entre o rock, levadas de ska, pitadas de hip hop, tudo isso somado com um visual forte, além de um carisma único. Com uma produção impecável, fãs levados na palma da mão, além de hit atrás de hit, ficou fácil entender a popularidade e o sucesso por trás da persona Yungblud. Sinergia perfeita de Yungblud com os fãs A interação entre o artista e o público é linda, emocionante. Em diversos momentos fica nítida a felicidade de Yungblud em estar em cima do palco, com os refrões cantados a todo pulmão pela plateia inúmeras vezes. Aliás, os músicos esboçavam sorrisos e olhares felizes entre eles. Com uma fanbase jovem, o discurso é super forte por parte do frontman. Temas como racismo e sexismo são abordados nos intervalos das músicas. Contudo, todos os elementos do show promovem uma linda estética, deixando diversas atmosferas diferentes em um único espaço. Como já falado anteriormente, os hits estavam lá: I Love You, Will You Marry Me, Anarchist, Weird!, além também da inclusão de um single novo, Fleabag. Por fim, um releitura de I Think I’m Okay, de Machine Gun Kelly. Enfim, um grande show de um artista de uma expressão artística enorme, uma cara nova em um período onde é necessário a reciclagem.
The Bombers relembra a história de Rubin Carter na era dos cancelamentos
Em 1976, Bob Dylan lançava o álbum Desire, o décimo sétimo de sua carreira na época. A faixa de abertura do disco, com oito minutos e meio de duração, traz a história do pugilista Rubin Carter, o furacão, condenado injustamente a prisão perpétua em 1966 pelo crime de triplo homicídio. Rubin era um dos melhores boxeadores peso médio de seu tempo, conhecido popularmente como Hurricane, o mesmo nome da música de Dylan. A prisão tirou a possibilidade de Rubin disputar o título de campeão mundial e o seu caso, até hoje, é uma emblemática demonstração de racismo e de manipulação da justiça americana. O Hurricane ganhou liberdade apenas em 1985, após a anulação do seu julgamento, e quase dez anos depois do lançamento do álbum Desire, considerado um dos melhores de todos os tempos pela revista Rolling Stone, em 2003. A história de Rubin Carter é tão importante que além de livros e música, ele também ganhou uma versão nos cinemas, sendo interpretado pelo ator Denzel Washington no filme The Hurricane, lançado em 1999. Cancelamento No recente EP do grupo santista The Bombers, intitulado Você sabia que Rubin Carter era inocente?, a banda faz menção ao caso e mesmo sem citá-lo diretamente na faixa Mudamento, traz o tema “cancelamento” à tona em clima de ska punk. O estilo, inclusive, é semelhante aos primórdios do grupo com o 7 Songs, primeiro disco da banda e lançado em 1998. No entanto, a faixa também mistura um pouco de Sublime e Goldfinger. Talvez não seja possível comparar musicalmente as canções Hurricane e Mudamento, mas um paralelo histórico diante dos tribunais condenatórios e injustiças faça mais sentido. As redes sociais são vitrines capazes de criar grande comoção, ampliar debates e tornar acertos em exemplos a serem seguidos. Na mesma medida, é muito fácil ser condenado, ter seu nome e trabalho jogado no lixo e considerado um pária diante de uma internet esfomeada por apontar dedos, julgar e condenar tudo aquilo que ela considera errado. Na maioria dos casos, os artistas e personalidades públicas são os principais alvos, à mercê de boicotes e tentativas de apagamento social. É difícil traçar um limite entre os arrojos de uma reação justa e compreensível de outras experiências que buscam apenas o linchamento. A “cultura do cancelamento”, como é nomeada, é um fenômeno alinhado ao pensamento neoliberal em que vivemos, como explica o psicanalista Lucas Liedker, em entrevista ao portal Metrópoles. Segundo o especialista, “pautamos as nossas escolhas pela mentalidade de consumo e da substituição. Assim, as pessoas assumem a posição de objetos, que você pode ir trocando, cancelando, algumas vezes de forma justa e, em outras, implacável”. Desse modo, as consequências do cancelamento são imprevisíveis e os estragos incalculáveis. O cuidado com essa prática define, principalmente, de qual lado da história não queremos fazer parte. Um novo EP com releituras de si mesmo O EP Você sabia que Rubin Carter era inocente? é o quarto lançamento da The Bombers neste ano, divulgado no último dia 7. O trabalho faz parte de uma série de EPs que a banda pretende lançar ao longo de 2021. O intuito do grupo é que o lançamento seja feito na primeira sexta-feira de cada mês, com exclusividade na plataforma do Bandcamp e, dessa forma, comercializar seu trabalho de forma direta com o público. O Bandcamp, desde o ano passado, tem se tornado uma alternativa importante aos músicos, pois a plataforma criou uma política na qual deixa de cobrar sua comissão para ampliar os ganhos dos artistas. Assim, todas as vendas realizadas na plataforma na primeira sexta-feira de cada mês são destinadas de forma integral aos músicos. Neste lançamento, seguindo a proposta dos EPs anteriores, a The Bombers traz ao menos uma faixa inédita e releituras de músicas próprias e outros artistas. Entre elas está a versão punk de Baby Can I Hold You, música que foi um dos maiores sucessos da cantora americana Tracy Chapman. Bombers consegue até nos enganar no início da versão, relembrando inicialmente a balada romântica original de Tracy, mas logo ganha contornos mais autênticos e assinatura rock da banda. Emanharado Já na faixa Sonho ou Pesadelo, a história é um pouco diferente. Apesar da letra ser de autoria de Matheus Krempel, vocalista do Bombers, a música faz parte do projeto Emanharado, idealizado pelo jornalista João Pedro Ramos, para o site Crush em Hi-Fi. No álbum, cada participante enviou uma letra inédita, que foi redistribuída pelo site para outra banda ou artista, sem revelar quem a compôs. O desafio de quem recebia a letra era entender a cadência e musicá-la com sua própria personalidade, criando assim uma “parceria oculta”. O resultado deste álbum é bastante interessante. A versão “original” de Sonho ou Pesadelo possui uma carga pós punk bastante introspectiva por parte do duo paulista Antiprisma. Já na versão da The Bombers, a faixa se torna mais emotiva ganhando contornos obscuros e solos de guitarra. Na quarta e ultima faixa do EP, o grupo traz a versão acústica de Jogadas ao Vento, música do disco Democracia Chinesa, de 2007. A nova versão mantém a pegada emotiva, mas ganha nova sonoridade e que sobrepuja em significados, principalmente em tempos de pandemia. O EP é uma produção da própria banda que pretende lançar um álbum com 12 músicas reunindo as faixas preferidas do público, como explica Matheus. “Ao final da publicação dessa série de músicas, realizaremos uma enquete com nossos ouvintes, para decidirmos em conjunto, quais músicas formarão o disco que iremos lançar em formato físico ainda esse ano”, diz. Aliás, para continuar acompanhando as novidades da banda basta seguir o grupo nas redes sociais. Todos os endereços da The Bombers estão disponíveis aqui. Você sabia que Rubin Carter era inocente? by The Bombers
Te Amo Lá Fora: Duda Beat foge da mesmice em novo disco
A artista pernambucana Duda Beat divulgou no fim do mês de abril, seu segundo trabalho em estúdio. A temática de ‘sofrência’ ainda segue muito presente nas músicas da cantora, contudo, o amadurecimento musical de Duda é evidente. O debute da popstar brasileira aconteceu em 2018, com Sinto Muito. Logo após o lançamento, o álbum entrou nas graças do público. Estes três anos em ‘hiato’ fez a artista conseguir experimentar e testar coisas novas em suas canções, e isso é mostrado com maestria no novo disco. Te Amo Lá Fora As raízes nordestinas da cantora está presente logo nos primeiros segundos de Tu e Eu, primeira faixa do disco. E assim o trabalho segue até seu final. Ademais, se engana quem acha que Duda Beat mantém o mesmo estilo durante as 11 canções. A artista faz a transição de forma muito bem elaborada entre o pagode, forró, pop e ritmos nativos… mas claro, sem deixar a sua influência pop apagada. Em resumo, é um trabalho curioso, você nunca sabe o que virá na próxima faixa – a não ser a sofrência nas letras, que também agrada. Destaque fica para Nem um Pouquinho, faixa feita em parceria com o rapper Trevo, que conta com fortes influências baianas. 50 Meninas, com grande inspiração no reggae, também vale ser mencionada. Como já citado, o elo que liga todas as canções são as letras. Em síntese, Duda segue abordando amores não correspondidos e sofrências no seu trabalho, assim como acontece em Sinto Muito. Desde já, A expectativa para um novo trabalho criado pela cantora permanece entre nós.
Kosmovoid, o krautrock caiçara com cara de trilha sonora de filme de ficção
De tempos em tempos, o cenário musical da Baixada Santista nos surpreende com novidades sonoras. É assim desde os anos 1970, quando o Recordando o Vale das Maçãs marcou época, enquanto Vulcano e Harry chamaram a atenção do mercado europeu na década seguinte. E nem tínhamos Spotify e YouTube para facilitar o alcance a outros países. A boa nova da vez é o Kosmovoid, que transporta o ouvinte para uma viagem pelo mundo com canções “climatizadas”. Com trabalho instrumental de alto nível, a banda parece ter sido criada para fazer trilhas sonoras de filmes cult, de ficção científica e até ação. Impressionante! Formado no ano passado, o grupo não perdeu tempo durante a pandemia e finalizou um material rico que havia sido gravado entre o fim de 2019 e o início de 2020. Em resumo, todo esse conteúdo foi dividido em dois álbuns: Crisálida e Escapismo, com um total de 22 faixas. A divisão dos álbuns “Tínhamos muito material quando entramos em estúdio, em 2019. Durante o processo que foi até fevereiro deste ano, ainda gravamos extras, encerrados às pressas com a explosão da pandemia. Com toda essa loucura de covid-19 e o mundo de pernas para o ar, o sentimento de dúvida de quando iríamos tocar ao vivo nos inspirou a escolher essa estratégia kamikaze de lançar o disco de estreia duplo”, comenta Edu Pereira, sintetizador, guitarrista e vocalista. “As faixas de Crisálida traduzem as fases de transição, nossa transmutação musical e linguagem artística, e se comunica com Escapismo no sentido que antes gestando, no casulo, agora transformado ele tem N possibilidades e liberdade para explorar mundos musicais de estilos distintos e sem regras”, completa Edu. A banda, por sinal, começou como um duo: Eduardo e Enrico Bagnato (bateria, percussão), que já são parceiros na música de longa data. Ambos eram integrantes, anteriormente, da seminal shoegaze guitar band A Sea of Leaves. Em seu início, a Kosmovoid optou por uma formação mais enxuta. Porém, ao longo das gravações e colaborações, Marcelo Garcia (baixo e guitarra barítono), acabou se tornando um membro honorário. O álbum também contou com Mateus Novaes (Erudite Stoner), que já destacamos no Blog n’ Roll, com contribuições no processo de composição e participações especiais na guitarra em algumas das músicas, e Robert Silva, com um spoken-word na faixa Ugatz. Influências Para os já iniciados nas vertentes exploradas pelo Kosmovoid, certamente influências de Tangerine Dream, Kraftwerk, Can, Dead Can Dance, Goblin, Mogwai e John Zorn ficarão mais perceptíveis. Tendo o experimentalismo como seu norte, o Kosmovoid explora gêneros como o krautrock alemão, “kosmisches Musik”/ música cósmica dos anos 70 e a transgressão do rock pós-industrial e gothic das décadas de 1970 e 1980, e estabelece uma comunicação desses gêneros com o minimalismo da música drone e ambient, além de estilos contemporâneos como o post-rock, e shoegaze. “Nossa música traz uma experiência diferente ao ouvinte. Por ser uma banda instrumental, os temas trabalham muito com o imagético, é muito audiovisual, são como trilhas sonoras de filmes. Esse tom cinemático evoca sentimentos de melancolia e poesia, paisagens distópicas e desoladoras, um amalgama de mitologia e folclore de diferentes culturas. É uma viagem cósmica e visitas a mundos desconhecidos”. Repercussão internacional Eduardo conta que a repercussão com os álbuns do Kosmovoid tem sido ótima. “Além do feedback direto que recebemos de fora e dentro do Brasil por meio de nossas mídias sociais e Bandcamp, também tivemos a sorte do nosso selo, Dissenso Records, ser capitaneado pela experiente dupla Erick Cruxen e Muriel Curi, ambos da banda Labirinto. Eles possuem muitos contatos com blogs europeus e americanos. Dessa forma, conseguimos obter ótimas resenhas prévias ao lançamento”.
Me First and the Gimme Gimmes diverte e empolga em show de fim de ano
Desde 1974, Roberto Carlos invade nossas TVs com o seu show de fim de ano. Somente em dois anos não foi ao ar (1999 e 2020). The Brian Setzer & Orchestra trouxe frescor para esse período com o incrível Christmas Extravaganza! A boa notícia, no entanto, é que o Me First and the Gimme Gimmes trouxe mais uma ótima opção para celebrarmos o Natal. Sim, o supergrupo formado por integrantes de bandas de punk e hardcore debutou no formato online com uma apresentação sensacional, no último fim de semana. Direto do UC Theatre, em Berkeley, na Califórnia, apresentou um set com 12 canções. Com uma produção cuidadosa de Audra Angeli-Morse, a manager da banda, o Me First and the Gimme Gimmes entregou uma ótima sátira dos shows antigos de fim de ano, tal como Frank Sinatra e tantos outros apresentavam nos Estados Unidos. Intercalando com as canções, alguns números de humor bem nonsense do Western Cuck Exchange. O humor negro do grupo lembra um pouco as trapalhadas do It’s Always Sunny in Philadelphia, uma das séries prediletas da casa. O show Mas voltando ao show, o carismático e talentoso Spike Slawson (Los Nuevos Bajos) contou com uma formação completamente diferente da que visitou o Brasil em 2018: Scott Shiflett (Face to Face) e Stacy Dee (Bad Cop/Bad Cop) nas guitarras, CJ Ramone (Ramones) no baixo e Pinch (ex-The Damned) na bateria. Abriu o set com a dançante Santa Baby, famosa na voz da cantora Eartha Kitt. Spike iniciou a canção na voz e ukulelê para logo depois entrar todo o peso do grupo. Inicialmente, todos com roupas douradas em um cenário repleto de balões e referências ao período de fim de ano. Belly Reynolds, do Western Cuck Exchange, sobe ao palco para fazer algumas perguntas divertidas a Spike. É a deixa para Rainbow Connection, do Muppets. E sem deixar o clima esfriar, o grupo emenda Me and Julio Down by the Schoolyard (Paul Simon), Take Me Home, Country Roads (John Denver) e Sloop John B (clássico folk do início da década passada, mas famosa com o Beach Boys). Antes do primeiro dueto da noite, o Western Cuck Exchange retorna para mais um número maluco, no qual uma pessoa esfaqueia seu presente, na noite de Natal. O tom mais denso dá espaço para Spike fazer um dueto incrível com Karina Deniké, do Dance Hall Crashers, uma das melhores bandas da safra californiana dos anos 1990. Juntos, eles cantaram Something Stupid, de Frank Sinatra, num cenário com cara de homenagem ao The Voice dos olhos azuis. Logo depois, a banda troca o figurino dourado pelo branco, já mandando The Man with All the Toys (Beach Boys), Over the Rainbow (eterna trilha de O Mágico de Oz) e a balada Mandy (Barry Manilow). Clima natalino na reta final Posteriormente, após recuperar o fôlego dessa sequência, Spike apresentou os integrantes, sempre soltando alguma gracinha. E cravou o que nós já sabemos: “somos a maior banda de covers de todos os tempos”. Who Put the Bomp (Barry Mann) foi a penúltima com a banda completa no palco. Anúncios e mais uma intervenção do Western Cuck Exchange precederam o segundo dueto da noite, Deep Purple (Ella Fitzgerald) com Shannon Shaw (Shannon and the Clams). Um medley de Feliz Navidad e I Wish You A Merry Christmas deu números finais ao concerto. No fim, todos os integrantes ensaiaram uma coreografia reforçando o tom de sátira do especial. Que o Gimme Gimmes transforme isso em uma tradição, transmitindo anualmente esse concerto para o mundo todo. Enquanto isso seguimos na torcida pelo sucessor de Are We Not Men? We Are Diva! (2014).
The Neighbourhood toca hits e inéditas em show virtual exclusivo para o Brasil
Os fãs brasileiros do The Neighbourhood puderam matar a saudade da banda na última sexta-feira (11). Em um show virtual pago, o quinteto de Los Angeles fez uma performance que mesclou grandes sucessos de álbuns anteriores, e ainda apresentou canções de seu novo disco, Chip Chrome & The Mono-Tones, lançado em setembro. Mesmo à distância e sem o calor que o público proporciona em um show ao vivo, The Neighbourhood fez uma apresentação fiel ao que costuma mostrar nos palcos pelo mundo. Liderado pela intensidade do vocalista Jesse Rutherford, o grupo tocou de forma intimista e, ao mesmo tempo, enérgica, se aproveitando dos efeitos que a internet proporciona para tornar a performance ainda mais conceitual. E todo esse conceito começou com a disposição de cores para cada música. Em preto e branco, a banda tocou sete faixas de seus quatro primeiros álbuns. Foram elas: How, Afraid e Sweater Weather, do I Love You (2013), Warm, do #000000 & #FFFFFF (2014), R.I.P. 2 My Youth e Daddy Issues, do Wiped Out! (2015), além de Stuck With Me, do Hard to Imagine The Neighbourhood Ever Changing (2018). Em todas, Jesse interagiu com os demais membros da banda e se pendurou diversas vezes em um microfone suspenso, como ele costuma fazer nos shows. Até esse ponto, a apresentação mantinha o padrão do que o grupo mostrou em São Paulo, no ano passado. Chip Chrome & The Mono-Tones em cena Porém, a partir da oitava música, o álbum Chip Chrome & The Mono-Tones entrou em cena. Já em cores, mas com efeitos oitentistas, Jesse Rutherford deu espaço a Chip Chrome, seu alter ego. Inspirado no lendário Ziggy Stardust, do David Bowie, Chip Chrome é o complemento que Jesse precisava para encontrar sua total identidade. Anteriormente, em entrevista ao Spotify, inclusive, o vocalista afirmou que seu personagem o ajudou a definir a própria voz. Assim, pintado de tinta prateada dos pés à cabeça, juntamente com Brandon, Zach, Jeremy e Mikey, Jesse… ou melhor, Chip Chrome tomou conta dos holofotes e engatilhou seis faixas do novo álbum. Entre elas, destaque para Lost in Translation e Devil’s Advocate, que são potencialmente as melhores canções do disco. Ao vivo, então, deverão agradar ainda mais. Logo depois, The Neighbourhood voltou aos clássicos e tocou Cry Baby e The Beach, para delírio dos bem aventurados que desembolsaram US$ 7 (cerca de R$ 36 na cotação atual) para acompanhar o show virtual. Aliás, nas redes sociais, as poucas críticas eram destinadas à instabilidade do site onde a apresentação foi exibida e ao fato da performance não ser ao vivo. Tiro curto Assim como nos shows que já fez pelo Brasil, The Neighbourhood não apresentou um longo repertório. Com apenas 55 minutos de exibição, a banda fez o básico para agradar, mas ficou longe de encantar. O fato de ter sido apenas um show virtual torna a duração compreensível, mas é importante que, com cinco bons álbuns de estúdio lançados, o grupo passe a aumentar seu repertório para não frustrar os fãs em futuras apresentações, principalmente no cenário pós-pandemia. Versão deluxe Também na sexta-feira, além do show, The Neighbourhood lançou a versão deluxe do álbum Chip Chrome & The Mono-Tones. A extensão contém quatro faixas extras, e está disponível nas principais plataformas de streaming. Setlist HowR.I.P. 2 My YouthAfraidWarmSweater WeatherDaddy IssuesStuck With MeMiddle of SomewherePreety BoyCherry FlabvouredLost in TranslationHell or High WaterDevil’s AdvocateCry babyThe Beach
Crítica | The Wildhearts – 30 Year Itch
Discos ao vivo são uma das coisas mais questionáveis, principalmente quando o assunto surge nas rodas de fãs de rock. Existem os que amam e os que odeiam, no entanto, uma coisa é inegável: alguns dos maiores clássicos já lançados por bandas do gênero são frutos de registros de apresentações ao vivo. Que o diga Cheap Trick com o seu Live at Budokan, o Kiss e os Alive, o It’s Alive do Ramones, o Frampton Comes Alive! do Peter Frampton, Johnny Cash At Folsom Prison. No Brasil não é diferente. Tivemos o Viva do Camisa de Vênus, RDP Ao Vivo do Ratos de Porão, além do Rádio Pirata Ao Vivo, do RPM, como discos que ajudaram a definir a marca desses artistas. Formada em 1989, em Newscastle, na Inglaterra, o The Wildhearts pode agora se orgulhar de também ter o seu álbum ao vivo definitivo. Gravado durante a turnê do ano passado, 30 Year Itch, não é o primeiro registro desse tipo lançado pelos caras, mas de longe já pode ser considerado como o seu melhor, além de funcionar como um ótimo resumo da sua obra. Uma gravação poderosa, com guitarras distorcidas na cara e a ajuda do público entoando seus refrãos como verdadeiros hinos, esse é um disco que merece fazer parte da galeria dos grandes álbuns ao vivo de rock. Repertório As músicas escolhidas passeiam por toda a discografia da banda e, de certa forma, ajudam a padronizar uma sonoridade homogênea e definitiva. Algo como se o Kiss, o Ramones e o Motörhead resolvessem se juntar aos Beatles para fazer um som. Se você ficou curioso ou não conseguiu imaginar, então não perca tempo, ouça e tire as suas próprias conclusões. Vale destacar a presença das faixas Urge e Anthem, que foram originalmente lançadas no polêmico (e para alguns inaudível) Endless Nameless. Essas faixas aparecem agora, despidas de quaisquer artifícios, onde toda a beleza de suas melodias podem ser admirada, sem nenhuma contra indicação. Com uma biografia apaixonante, de deixar qualquer um de queixo caído, tamanho os altos e baixos que já passaram, o The Wildhearts é uma banda que soube se reinventar muito bem durante os últimos 30 anos. Hoje, desponta como uma das melhores bandas de rock da atualidade. 30 Year itch, lançado oficialmente na sexta-feira (4), nada mais é que a confirmação de tudo isso.
Duelo de gigantes: Trolls 2 nos cinemas, Mulan no Disney+
A disputa do streaming contra o cinema ganhou mais um capítulo importante. Nesta quinta-feira (3), a animação Trolls 2 chega aos principais cinemas, enquanto o live-action de Mulan é a atração da plataforma Disney+ amanhã. Anteriormente, as duas produções foram apresentadas como estrelas da Universal e Disney, respectivamente, na CCXP 2019. Agora, exatamente um ano depois, elas rivalizam pela atenção do público. Cada uma em sua plataforma. Muita coisa mudou no mundo desde a última CCXP, ambos os filmes já vazaram para o público em sites de torrent, mas a expectativa ainda é muito grande. Trolls 2 é mais indicado para as crianças, mas funciona muito bem pela trilha nostálgica também. Fato esse que pode agradar os pais. O live-action de Mulan é mais denso, mas as belas imagens e coreografias podem alcançar outros públicos. Mas vamos aos filmes. Primeiramente, o início de Trolls 2 é um medley com várias músicas marcantes adaptadas ao universo dos personagens. A lista inclui Cindy Lauper, Scorpions, Ozzy Osbourne, Daft Punk, Justin Timberlake (que também interpreta novamente o Tronco), entre tantos outros. Impossível um começo tão apaixonante como esse não prender a sua atenção. Posteriormente, Poppy (Anna Kendrick), a líder dos trolls, descobre que existem outros mundos, cada um com um gênero musical diferente, como rock, funk, tecno, clássico e até sertanejo. Quando surge uma ameaça inesperada, ela e seus amigos terão de unir todos os trolls para salvar o mundo da música. Trolls 2 consegue ser ainda mais interessante que o primeiro filme, lançado há quatro anos. Mulan Quem assistiu a animação e chega com a nostalgia lá em cima, pode ficar um pouco decepcionado com o live-action. Remake mais caro da Disney, Mulan perdeu todo o humor do desenho, deixando personagens icônicos como o dragão Mushu e o grilo da sorte fora da história. Todavia, as músicas também são ausências sentidas. No entanto, se você assistir Mulan sem a expectativa por encontrar uma cópia perfeita da animação, pode ter boas surpresas. O filme é uma linda homenagem à cultura chinesa, baseia-se na lenda de Mulan. Além disso, as imagens são lindas, tal como as cenas de combate, muito bem coreografadas. Também é importante ressaltar que a mensagem feminista de Mulan ficou ainda mais evidente no live-action. Na animação, a personagem já era uma pessoa muito à frente do seu tempo. Legal que ampliaram isso no live-action. Hua Mulan (Liu Yifei) é a filha mais velha de um honrado guerreiro. Quando o Imperador da China emite um decreto que um homem de cada família deve servir no exército imperial, Mulan decide tomar o lugar de seu pai, que está doente. Posteriormente, assumindo a identidade de Hua Jun, ela se disfarça de homem para combater os invasores que estão atacando sua nação.