Em O Preço da Verdade, de Todd Haynes, Rob Bilott (Mark Ruffalo), advogado de defesa corporativo, assume um caso que finalmente o coloca contra o gigante químico DuPont.
Revelando-se como um thriller tenso, o filme segue o caminho sinistro de Bilott para descobrir uma conspiração de tamanho industrial que põe em risco a vida de centenas, senão milhares, de moradores de sua cidade.
Para criar uma trilha sonora que emociona, além de sondar as profundezas emocionais da história real, Haynes convocou o compositor paulistano Marcelo Zarvos.
Há anos, Zarvos tem demonstrado um talento real para encontrar o som perfeito para uma história em particular. O ex-tecladista da Tokyo, banda de Supla, Zarvos foi indicado ao Oscar em 2017 pela trilha de Um Limite Entre Nós (Fences).
A vasta carreira de Zarvos inclui ainda trilha para os filmes O Bom Pastor, Lembranças, Última Parada 174, Um Novo Despertar e a série The Big C.
Na entrevista abaixo, concedida para o site da Focus Features, responsável pela distribuição de O Preço da Verdade, Zarvos falou sobre a participação no longa.
Como você se envolveu em O Preço da Verdade?
Conheço Todd Haynes há muito tempo e sempre amei seus filmes. Nos conhecemos em Los Angeles enquanto ele estava editando o filme. Ele conhecia bem minha música, pois costumava usar peças, principalmente parte da música eletrônica, como pontuações temporárias em seus filmes.
Para O Preço da Verdade, ele estava procurando por essa tensão de baixa fervura, algo que ultrapassava essa linha entre emoção e suspense. É um thriller, mas é um thriller de Todd Haynes, então queríamos ir direto ao limite do gênero de uma maneira artística. Foi assim que a conversa começou. De lá, era um trem muito veloz.
Quando vi uma parte do filme, antes de começar a trabalhar, me apaixonei por ele. O tema da justiça ambiental está muito próximo do meu coração.
Qual foi o principal desafio criativo na elaboração da partitura?
O filme como um todo é uma história muito épica. O desafio foi encontrar o equilíbrio entre o que está na superfície e o que está logo abaixo dela. Minhas experiências anteriores, trabalhando em filmes como The Door in the Floor e Sin Nombre, foi fundamental.
Não importa o quão emocionante e perigosa a história seja, também há um elemento emocional a destacar. Neste filme, há três mudanças emocionais que transformam a trilha sonora, desde o primeiro ato, o que é muito emocionante. No segundo ato, que é muito mais sobre os ritmos da contestação legal. E na terceira parte, que se concentra no custo humano, não apenas nele, mas também na população da cidade.
O desafio era como passar de uma batida para a seguinte, enquanto fazia com que parecesse a mesma pontuação.
Que tipo de direção Haynes lhe deu sobre a pontuação?
A abordagem de Todd à música no cinema é tão complexa e sofisticada. Já tendo feito vários filmes centrados na música (como Velvet Goldmine e Não Estou Lá), ele tem uma noção clara do que deseja. No meio do filme, há uma peça solo de piano de nove minutos que Todd estava muito interessado em fazer. No filme, Rob finalmente faz uma conexão importante entre o que a DuPont fez e como isso está afetando as pessoas.
Sou pianista e compositor, mas estabelecer uma parte instrumental tão longa e solo era algo novo. E não estava muito claro como isso funcionaria. Então Todd me dirigiu como se eu fosse ator. Isso me lembrou de fazer a partitura de The Door in the Floor.
Em uma cena em que Jeff Bridges foge de um amante desprezado (interpretado por Mimi Rogers), o diretor Kip Williams queria uma grande pista heroica, como se fosse uma cena de Coração Valente. Lembro-me de pensar que realmente não entendo isso, mas darei a ele o que ele quer. Quando finalmente se juntou, eu entendi totalmente o que ele estava procurando.
Como funciona o longo solo de piano, Zarvos?
A música captura a maneira como todas as ideias sobre o caso se reúnem para Rob. A sugestão vem logo após Helicopters at Wilbur’s, que é provavelmente a cena mais alta do filme. Você passa do momento mais alto para o mais silencioso, apenas um único piano. E o tom é muito improvisado e rapsódico.
Na maioria dos filmes, você trazia a orquestra para uma cena como essa e tornava tudo muito grandioso. Mas Todd queria que o som fosse muito singular, sobre a busca de um homem pela verdade. O piano é usado ao longo da partitura como instrumento principal. Até quando não é por si só, ajuda a sugerir o conceito de uma singularidade.
Na primeira parte do filme, a trilha cria uma sensação estranha de mau presságio e paranoia, especialmente na cena em que Rob tenta ligar o carro no estacionamento vazio.
Essa cena específica no estacionamento é talvez o melhor exemplo de como fomos capazes de levar a sensação de que você não sabe se o que está vendo é real ou não. Mas, em vez de acentuar o perigo na cena, concentrei a música no que estava passando pela mente de Rob.
Sua paranoia está ligada às emoções e ao senso de ser um homem de família. À medida que a música cresce, em vez de se tornar apenas um passeio de suspense, ela se torna cada vez mais emocional.
No início, Todd disse: “Sempre que a música ficar tensa demais, não vamos esquecer o elemento humano“. Claro, ainda é um thriller, mas há uma tendência de algo maior para Rob.
Como você trabalhou com o design de som para aumentar essa sensação emocional / paranoica?
A abertura do filme – e em algumas outras cenas – há um elemento industrial pesado na partitura que combina perfeitamente com o design do som. Para a cena da garagem, a designer de som Leslie Schatz criou muitas camadas para dar uma sensação de garagem.
Leslie é realmente magistral ao criar essas coisas tonais que combinam perfeitamente com a partitura. Durante toda a pós-produção, tivemos muitas idas e vindas dele me enviando faixas e eu enviando faixas para obter o som certo.
Como você conseguiu o som profundo e reprimido na partitura?
Desde o início, Tood ficou claro que queria que o som parecesse fortemente processado. Além da longa peça de piano, toda a música, todas as cordas e instrumentos são fortemente processados. Ele queria que a música nunca parecesse completamente orgânica. Muitas faixas têm muitos pads e eletrônicos dobrados, mas não no sentido de aumentar a pontuação.
A base da partitura é eletrônica. As cordas ao vivo são dobradas para transformá-las em uma terceira coisa que não é orgânica nem eletrônica. Grande parte do trabalho de piano inclui muitos ecos, atrasos e sons defeituosos para destacar essa ideia de que o orgânico é afetado por algo químico.
Esse sentimento de algo químico corroendo o som dos instrumentos se torna uma analogia auditiva com o que está acontecendo no filme. Da mesma forma, há muitos ciclos, porque toda vez que uma nota é repetida, ela se degenera um pouco mais. Você ainda tem o som original, mas a cada repetição, ele se torna mais granulado e degradado.
Como você usou a música para lembrar o público do desastre ecológico?
Musicalmente falando, esse foi o impulso da parte final da partitura. O último terço do filme torna-se progressivamente mais sobre o destaque do custo humano para essas pessoas. Como tal, a música do último terço se torna mais emocional e acho mais humana. Nós permitimos que a música atingisse uma nota de verdadeira tristeza. Esse tom estava no filme desde o início, mas na primeira parte estava sob a capa da escuridão do gênero policial.
