Fossilization é confirmado como abertura do My Dying Bride em São Paulo
A banda paulistana de death/doom metal Fossilization foi confirmada como uma das atrações do primeiro show do My Dying Bride em São Paulo. A apresentação acontece no dia 29 de novembro, no Fabrique Club, e também contará com o Necrot, dos Estados Unidos. O evento é realizado pela Firebird Industries, Matrix Entertainment, Kool Metal Fest, Caveira Velha e Xaninho Discos, com ingressos disponíveis pela plataforma Ticket.com.vc. Formado em 2020, o Fossilization se destaca pela combinação de death metal cavernoso com passagens lentas e atmosféricas características do doom metal. O grupo acumula três turnês pela Europa e apresentações em festivais internacionais, como Maryland Deathfest, nos Estados Unidos, Kill-Town Death Fest, na Dinamarca, e Candelabrum Metal Fest, no México. Entre agosto e setembro de 2026, a banda realizou sua terceira excursão europeia, com 23 apresentações ao lado dos canadenses do Phobocosm. O projeto surgiu a partir da parceria entre Thiago “Vakka” Oliveira e Paulo Pinheiro, músicos que também integravam o Jupiterian. Desde então, lançou o EP He Whose Name Was Long Forgotten (2021), um split com o Ritual Necromancy (2022) e os álbuns Leprous Daylight (2023) e Advent of Wounds (2026), todos pela gravadora italiana Everlasting Spew Records. Atualmente, o Fossilization conta com Vakka nos vocais, guitarra e baixo, Fernando “Zozi” da Silveira na guitarra e um baterista de sessão nas apresentações ao vivo. A participação no evento também representa um encontro com uma das principais referências do gênero. O My Dying Bride integra, ao lado de Paradise Lost e Anathema, a chamada trindade do doom metal britânico, movimento que ajudou a consolidar a combinação entre a agressividade do death metal e atmosferas melancólicas. Essa influência está presente no trabalho do Fossilization, especialmente em Advent of Wounds, lançado em fevereiro de 2026. Outra atração confirmada é o Necrot, trio de Oakland, na Califórnia, conhecido por seu death metal direto e agressivo. A banda ganhou projeção internacional com Blood Offerings (2017) e ampliou sua discografia com Mortal (2020) e Lifeless Birth (2024), trabalho que incorporou elementos mais técnicos e melódicos à sua sonoridade. Já o My Dying Bride chega ao Brasil com o repertório de uma carreira iniciada em 1990, marcada por álbuns fundamentais como Turn Loose the Swans (1993) e The Angel and the Dark River (1995). Seu lançamento de estúdio mais recente é A Mortal Binding (2024), último disco gravado com o vocalista e cofundador Aaron Stainthorpe, que deixou oficialmente a formação em outubro de 2025. Serviço – My Dying Bride, Necrot e Fossilization Data: 29 de novembro de 2026 (domingo) Local: Fabrique Club – São Paulo (SP) Ingressos: https://ticket.com.vc/evento/my-dying-bride-em-sao-paulo
Entrevista | Alexisonfire – “Aquele show no Cine Joia provavelmente está no top5 da nossa história”
O Alexisonfire retorna ao Brasil na próxima semana para duas apresentações especiais em comemoração aos 20 anos de Crisis. A banda canadense de post-hardcore toca no dia 20 de novembro, na Vibra São Paulo (ingressos esgotados), e no dia 22, no Tork n’ Roll, em Curitiba, com o terceiro álbum de estúdio executado na íntegra, além de músicas de outras fases da carreira. Os shows são realizados pela Solid Music. Lançado em 2006, Crisis marcou uma transformação na sonoridade do Alexisonfire, que passou a apostar em composições mais estruturadas e refrões marcantes, sem abandonar a agressividade dos primeiros trabalhos. O disco, que chegou ao topo das paradas canadenses, reúne clássicos como “This Could Be Anywhere in the World”, “Boiled Frogs” e “Rough Hands”. Duas décadas depois, a formação responsável pela gravação permanece reunida: George Pettit, Dallas Green, Wade MacNeil, Chris Steele e Jordan Hastings. Apesar da celebração do passado, o Alexisonfire também prepara o lançamento de Bleed It, novo álbum de estúdio previsto para 2027. Em entrevista ao Blog n’ Roll, o guitarrista e vocalista Dallas Green falou sobre os bastidores da criação de Crisis, relembrou a primeira passagem da banda pelo Brasil, durante a turnê de despedida, e revelou detalhes do próximo disco, que terá o amor e o otimismo como temas centrais. O músico também comentou os planos para o City and Colour e a possibilidade de apresentar seu novo single no shows brasileiros. A capa de Crisis veio do livro White Death: The Blizzard of ’77. Mas por que vocês escolheram justamente aquela fotografia para representar o álbum? O que ela simbolizava naquele momento? Acho que, quando começamos a trabalhar nas músicas e a observar sobre o que estávamos escrevendo, percebemos que, por vários motivos, muitas letras estavam assumindo uma atmosfera mais sombria. Canções como “Mailbox Arson” e “This Could Be Anywhere in the World” tratavam de cidades em decadência e conflitos entre seres humanos. Também estávamos fazendo muitas turnês, conhecendo diferentes partes do mundo, e isso acaba desgastando um pouco. Tenho a sensação de que, inconscientemente, estávamos compondo a partir dessa perspectiva. Além disso, algumas coisas estavam acontecendo na vida pessoal de todos nós. Por isso, temos músicas como “Rough Hands”, que é uma canção de amor de partir o coração, ou “Keep It on Wax”, que fala sobre nós e um amigo. Quando encontramos aquele livro, que documenta a nevasca absurda que atingiu a região onde crescemos em 1977, sentimos uma conexão. Nenhum de nós tinha vivido aquela tempestade, mas sabemos como é morar naquela região durante um inverno rigoroso. É muito difícil viver em um lugar tão frio e com tanta neve. A fotografia daquele homem com as mãos afetadas pelo congelamento era muito impactante. Entre todas as imagens incríveis do livro, aquela se destacou. E também acho que parecia a mais punk. Estou tentando dizer que fomos muito cuidadosos e criteriosos na escolha, e acredito que realmente fomos. Mas também imagino todos nós olhando para aquela fotografia e pensando: “Caralho, que imagem brutal! Vamos usar isso na capa”. Em “This Could Be Anywhere in the World”, você canta “I can’t believe this is where I live” de uma maneira muito visceral, parece quem da alma. O que você enxergava em St. Catharines que provocava esse sentimento? O que realmente assustava você naquela época? Acho que tinha muito a ver, novamente, com o fato de estarmos fazendo tantas turnês. Passávamos longos períodos longe de casa. Quando voltávamos, talvez porque eu estivesse desgastado, tinha a sensação de estar observando partes da cidade onde cresci começarem a desmoronar. Olhando para trás, também acho que isso coincidiu com o momento em que eu estava deixando de ser criança. Quando somos pequenos, não necessariamente enxergamos o que está ao nosso redor com os olhos da realidade. Existe uma espécie de fantasia envolvendo tudo. Então, acredito que foi uma combinação dessas coisas. Eu voltava para casa e talvez começasse a perceber uma pobreza que não enxergava quando era mais novo, ou edifícios se deteriorando. Ao mesmo tempo, por viajar tanto, eu via essas situações em muitas partes do mundo. E existe muito disso por aí. Aquela frase, especificamente, vem de um sentimento de choque, de espanto por perceber que aquele era o lugar onde eu tinha crescido. Vinte anos depois, quando você volta a St. Catharines, ainda reconhece a cidade retratada naquela música ou sua percepção mudou completamente? A gente quer saber como está St. Catharines hoje. A cidade definitivamente mudou de muitas maneiras. Mas acho que hoje a enxergo de outra forma. É interessante porque temos organizado um festival na nossa cidade natal a cada dois verões, aproximadamente. Fazemos isso no grande parque central que frequentávamos quando éramos crianças. Eu cresci a duas quadras daquele parque. Agora estamos fazendo shows para 10 mil pessoas exatamente naquele lugar. É uma experiência muito curiosa. Estou lá, tocando com a banda, mas existe uma parte de mim que continua sendo aquela criança que morava a duas quadras dali e corria para o parque depois da escola. Por isso, voltar hoje é uma experiência muito mais complexa. Vivi muita coisa fora daquela cidade. Na verdade, já passei mais tempo da minha vida longe de lá do que passei enquanto crescia. Então, de certa maneira, aquele lugar voltou a parecer mais uma fantasia do que uma realidade. “Pulmonary Archery” tem, para mim, uma das melhores introduções do post-hardcore. Vi que o George comentou que o processo de composição de Crisis foi diferente, porque vocês começaram a pensar mais nas músicas como um todo, especialmente nos refrões, em vez de simplesmente juntar partes instrumentais. Como você se lembra dessa mudança e qual foi o legado desse processo para a banda? Quando começamos a banda, ainda éramos garotos e tínhamos influência de muitos estilos musicais diferentes dos quais todos gostávamos. Tentávamos misturar todas essas coisas em uma única banda. Isso fez com que, nos primeiros discos, muitas músicas fossem construídas simplesmente juntando partes que achávamos interessantes. Mas, conforme Wade e eu evoluímos como compositores,
Hayley Williams prova em São Paulo que é grande demais para caber apenas no Paramore
Hayley Williams pode até ter seus maiores sucessos associados ao Paramore, banda que marcou uma geração nos anos 2000. Entretanto, sua apresentação nesta quinta-feira (12), no Espaço Unimed, em São Paulo, deixou evidente que a cantora já construiu uma identidade artística grande demais para ficar limitada ao grupo que a revelou. Impulsionada pelo elogiado álbum Ego Death at a Bachelorette Party (2025), a norte-americana apresentou um espetáculo musicalmente diversificado, intenso e, acima de tudo, autoral. A dimensão dessa nova fase também pode ser medida pela resposta do público. Hayley esgotou duas apresentações no Espaço Unimed, feito que artistas com carreiras solo mais longas e nomes consolidados nem sempre conseguem alcançar. E fez isso sem recorrer aos hits do Paramore ou a diversos covers, demonstrando que seu repertório individual já possui força suficiente para sustentar um espetáculo de grande porte. Annie DiRusso abre a noite com pop punk e boas perspectivas Responsável pela abertura, Annie DiRusso mostrou potencial para conquistar um público maior nos próximos anos. Sua sonoridade transita entre o pop contemporâneo e o pop punk dos anos 2000, com músicas acessíveis, boas melodias e uma presença de palco que conseguiu envolver parte da plateia que aguardava a atração principal. Apesar das qualidades, a apresentação ainda apresentou alguns elementos que pareceram excessivamente ensaiados. As movimentações coreografadas dos integrantes, embora não sejam exclusividade do pop (bandas de power metal também recorrem a esse expediente), por vezes tiraram a naturalidade da performance. Outra escolha curiosa foi a utilização de uma esteira no palco durante uma das músicas. O recurso poderia acrescentar uma dinâmica interessante ao espetáculo, mas acabou pouco explorado, passando a impressão de uma ideia que ainda precisa ser melhor desenvolvida. Nada disso, porém, comprometeu a boa impressão deixada pela cantora, que demonstrou personalidade e espaço para evoluir. Uma banda de muitas camadas e uma Hayley multi-instrumentista Se existe algo que chama a atenção na atual turnê de Hayley Williams, é a riqueza dos arranjos. Acompanhada por uma banda de seis músicos, a cantora apresentou um repertório com diferentes camadas sonoras, que transitou entre o rock alternativo, rock dos anos 80, o pop clássico americano e o indie. Em determinadas músicas, havia três guitarras, baixo, bateria e teclado trabalhando simultaneamente, criando uma sonoridade encorpada sem comprometer a clareza dos arranjos. Em outras, a instrumentação ganhava mais espaço para sutilezas, permitindo que a voz de Hayley conduzisse as composições. A própria cantora ampliou sua participação instrumental ao longo da noite. Além de assumir os vocais, tocou piano, sintetizador, violão e guitarra, chegando a utilizar um megafone em determinado momento. Essa versatilidade ajuda a explicar a distância artística entre sua produção solo e a identidade musical mais conhecida do Paramore. O repertório também mostrou como Hayley consegue trabalhar diferentes atmosferas sem perder a unidade do espetáculo. De músicas como “Simmer” e “Cinnamon”, passando por “Dead Horse”, “Crystal Clear” e “Ego Death at a Bachelorette Party”, a apresentação alternou momentos de maior agressividade com passagens delicadas, experimentais, vibes dançantes ou emocionais. Potência vocal e introspecção dividem o mesmo palco A performance de Hayley Williams possui uma dualidade interessante. De um lado, sobra potência vocal, técnica e capacidade de interpretação. A cantora consegue alternar registros, explorar diferentes intensidades e transmitir emoção sem depender de grandes recursos cênicos. Por outro, sua postura revela uma artista bastante introspectiva. Mesmo diante de uma casa lotada e de um público que respondeu intensamente às músicas, Hayley pareceu, em diversos momentos, mais concentrada no universo emocional das composições do que na necessidade de estabelecer uma comunicação constante com a plateia. Isso não chega a ser um defeito. Pelo contrário, ajuda a compreender sua personalidade artística. Hayley não precisa transformar cada intervalo em um discurso ou cada música em uma demonstração de carisma. A força de sua apresentação está justamente no contraste entre a explosão vocal e uma presença que, em determinados momentos, parece reservada. O posicionamento político, característica recorrente de sua trajetória, também apareceu. Em meio ao clima brasileiro de pós-eleição, a cantora fez o gesto do L e voltou a incorporar à música “Ice in My OJ” as frases “Fuck Bolsonaro” e “Protect Trans People”, já utilizadas durante a passagem pelo Rio de Janeiro. Entretanto, seria equivocado definir o espetáculo como essencialmente político. As manifestações foram pontuais e não dominaram o repertório. Seu discurso mais longo teve um caráter pessoal, abordando a evolução de sua trajetória, a passagem de vocalista do Paramore para artista solo e a satisfação de perceber que ela e seus fãs estão amadurecendo juntos. Seu Jorge protagoniza o momento mais surpreendente da noite A maior surpresa da apresentação foi a participação especial de Seu Jorge. O músico brasileiro subiu ao palco para dividir com Hayley uma interpretação intimista, em voz e violão, da versão em português de “Life on Mars?”, de David Bowie, eternizada no filme A Vida Marinha com Steve Zissou (2004), dirigido por Wes Anderson. O encontro proporcionou um dos momentos mais especiais da noite. Além da presença inesperada do brasileiro, chamou a atenção a naturalidade com que Hayley cantou em português, com pronúncia praticamente sem sotaque. A interpretação incluiu a frase “Vem cá, me dá a sua língua”, uma das passagens mais marcantes da versão de Seu Jorge. A ligação entre os artistas também ajuda a compreender a origem de “Zissou”, composição de Hayley que faz referência ao universo do filme e à interpretação brasileira de “Life on Mars?”. A música havia estreado ao vivo na segunda-feira (9), durante a apresentação no Rio de Janeiro, e foi executada pela segunda vez em São Paulo. Com Seu Jorge no palco, o encontro ganhou um significado especial, aproximando uma referência importante para a composição de sua própria inspiração. Mais do que uma participação de celebridade, foi um momento que acrescentou contexto e emoção ao repertório. Um repertório que já funciona sem depender da nostalgia Outro mérito do espetáculo foi o equilíbrio entre as diferentes fases da carreira solo. Mesmo com uma discografia relativamente curta, Hayley conseguiu construir uma apresentação extensa sem que a