O Alexisonfire retorna ao Brasil na próxima semana para duas apresentações especiais em comemoração aos 20 anos de Crisis. A banda canadense de post-hardcore toca no dia 20 de novembro, na Vibra São Paulo (ingressos esgotados), e no dia 22, no Tork n’ Roll, em Curitiba, com o terceiro álbum de estúdio executado na íntegra, além de músicas de outras fases da carreira. Os shows são realizados pela Solid Music.
Lançado em 2006, Crisis marcou uma transformação na sonoridade do Alexisonfire, que passou a apostar em composições mais estruturadas e refrões marcantes, sem abandonar a agressividade dos primeiros trabalhos. O disco, que chegou ao topo das paradas canadenses, reúne clássicos como “This Could Be Anywhere in the World”, “Boiled Frogs” e “Rough Hands”. Duas décadas depois, a formação responsável pela gravação permanece reunida: George Pettit, Dallas Green, Wade MacNeil, Chris Steele e Jordan Hastings.
Apesar da celebração do passado, o Alexisonfire também prepara o lançamento de Bleed It, novo álbum de estúdio previsto para 2027. Em entrevista ao Blog n’ Roll, o guitarrista e vocalista Dallas Green falou sobre os bastidores da criação de Crisis, relembrou a primeira passagem da banda pelo Brasil, durante a turnê de despedida, e revelou detalhes do próximo disco, que terá o amor e o otimismo como temas centrais. O músico também comentou os planos para o City and Colour e a possibilidade de apresentar seu novo single no shows brasileiros.
A capa de Crisis veio do livro White Death: The Blizzard of ’77. Mas por que vocês escolheram justamente aquela fotografia para representar o álbum? O que ela simbolizava naquele momento?
Acho que, quando começamos a trabalhar nas músicas e a observar sobre o que estávamos escrevendo, percebemos que, por vários motivos, muitas letras estavam assumindo uma atmosfera mais sombria. Canções como “Mailbox Arson” e “This Could Be Anywhere in the World” tratavam de cidades em decadência e conflitos entre seres humanos.
Também estávamos fazendo muitas turnês, conhecendo diferentes partes do mundo, e isso acaba desgastando um pouco. Tenho a sensação de que, inconscientemente, estávamos compondo a partir dessa perspectiva. Além disso, algumas coisas estavam acontecendo na vida pessoal de todos nós.
Por isso, temos músicas como “Rough Hands”, que é uma canção de amor de partir o coração, ou “Keep It on Wax”, que fala sobre nós e um amigo. Quando encontramos aquele livro, que documenta a nevasca absurda que atingiu a região onde crescemos em 1977, sentimos uma conexão. Nenhum de nós tinha vivido aquela tempestade, mas sabemos como é morar naquela região durante um inverno rigoroso. É muito difícil viver em um lugar tão frio e com tanta neve.
A fotografia daquele homem com as mãos afetadas pelo congelamento era muito impactante. Entre todas as imagens incríveis do livro, aquela se destacou. E também acho que parecia a mais punk.
Estou tentando dizer que fomos muito cuidadosos e criteriosos na escolha, e acredito que realmente fomos. Mas também imagino todos nós olhando para aquela fotografia e pensando: “Caralho, que imagem brutal! Vamos usar isso na capa”.
Em “This Could Be Anywhere in the World”, você canta “I can’t believe this is where I live” de uma maneira muito visceral, parece quem da alma. O que você enxergava em St. Catharines que provocava esse sentimento? O que realmente assustava você naquela época?
Acho que tinha muito a ver, novamente, com o fato de estarmos fazendo tantas turnês. Passávamos longos períodos longe de casa. Quando voltávamos, talvez porque eu estivesse desgastado, tinha a sensação de estar observando partes da cidade onde cresci começarem a desmoronar.
Olhando para trás, também acho que isso coincidiu com o momento em que eu estava deixando de ser criança. Quando somos pequenos, não necessariamente enxergamos o que está ao nosso redor com os olhos da realidade. Existe uma espécie de fantasia envolvendo tudo.
Então, acredito que foi uma combinação dessas coisas. Eu voltava para casa e talvez começasse a perceber uma pobreza que não enxergava quando era mais novo, ou edifícios se deteriorando. Ao mesmo tempo, por viajar tanto, eu via essas situações em muitas partes do mundo. E existe muito disso por aí.
Aquela frase, especificamente, vem de um sentimento de choque, de espanto por perceber que aquele era o lugar onde eu tinha crescido.
Vinte anos depois, quando você volta a St. Catharines, ainda reconhece a cidade retratada naquela música ou sua percepção mudou completamente? A gente quer saber como está St. Catharines hoje.
A cidade definitivamente mudou de muitas maneiras. Mas acho que hoje a enxergo de outra forma. É interessante porque temos organizado um festival na nossa cidade natal a cada dois verões, aproximadamente. Fazemos isso no grande parque central que frequentávamos quando éramos crianças.
Eu cresci a duas quadras daquele parque. Agora estamos fazendo shows para 10 mil pessoas exatamente naquele lugar. É uma experiência muito curiosa. Estou lá, tocando com a banda, mas existe uma parte de mim que continua sendo aquela criança que morava a duas quadras dali e corria para o parque depois da escola.
Por isso, voltar hoje é uma experiência muito mais complexa. Vivi muita coisa fora daquela cidade. Na verdade, já passei mais tempo da minha vida longe de lá do que passei enquanto crescia. Então, de certa maneira, aquele lugar voltou a parecer mais uma fantasia do que uma realidade.
“Pulmonary Archery” tem, para mim, uma das melhores introduções do post-hardcore. Vi que o George comentou que o processo de composição de Crisis foi diferente, porque vocês começaram a pensar mais nas músicas como um todo, especialmente nos refrões, em vez de simplesmente juntar partes instrumentais. Como você se lembra dessa mudança e qual foi o legado desse processo para a banda?
Quando começamos a banda, ainda éramos garotos e tínhamos influência de muitos estilos musicais diferentes dos quais todos gostávamos. Tentávamos misturar todas essas coisas em uma única banda. Isso fez com que, nos primeiros discos, muitas músicas fossem construídas simplesmente juntando partes que achávamos interessantes.
Mas, conforme Wade e eu evoluímos como compositores, começamos a nos interessar pela ideia de realmente escrever canções, com refrões e estruturas mais definidas. Acho que isso também veio das turnês e de observar como algumas músicas funcionavam ao vivo. “Accidents”, por exemplo, tem algumas partes instrumentais, mas também possui um grande refrão que repetimos três vezes.
Percebemos que aquilo era divertido. Era muito legal ver as pessoas cantando junto, em vez de simplesmente tentarem acompanhar o que diabos estávamos fazendo, porque ficávamos passando de uma parte instrumental para outra, e depois para outra.
A entrada de Jordan na bateria também mudou bastante as coisas. Ele é um baterista que consegue construir uma base extremamente sólida quando quer. Obviamente, Beardo é um músico incrível, capaz de tocar praticamente qualquer coisa que você pedir. Mas ele também tem um groove fantástico e gosta de tocar dentro daquela estrutura que sustenta um refrão.
Então, começamos a nos desafiar novamente. Era algo que sempre tentávamos fazer, independentemente das mudanças de estilo. Queríamos descobrir se conseguiríamos levar nossa música para outro lugar.
No Brasil, teremos a oportunidade de ouvir Crisis na íntegra. Existe alguma música que vocês quase nunca tocavam e que ganhou um significado especial durante esta turnê?
Existem algumas. Tem sido muito divertido tocar “We Are the End”, porque praticamente nunca apresentávamos essa música. Nem acho que tocávamos muito quando éramos mais jovens. Ela tem diferentes momentos, partes rápidas, partes lentas, muitos altos e baixos. Tem sido muito legal recuperá-la.
Também adoro tocar “Mailbox Arson”, porque não fazemos isso com tanta frequência. Acho aquela música sensacional ao vivo. E, falando do Beardo, que virada de bateria incrível ele faz logo no começo!
Mas a música que mais tenho gostado de tocar todas as noites é “To a Friend”. Eu simplesmente amo aquela canção. Ela é muito emocionante para nós como banda. Estarmos aqui, tantos anos depois, tocando essa música juntos, é a minha parte favorita do show. Todas as noites.
Curiosamente, a primeira vez que o Alexisonfire veio ao Brasil foi durante a turnê de despedida. Muita gente elogiou aquela apresentação em São Paulo e chegou a considerá-la uma das melhores da história da banda. O que você lembra daquela noite? Também a colocaria entre os melhores shows daquela turnê?
Acho que, se você perguntar para qualquer um de nós, aquele show provavelmente ainda estará entre os cinco melhores da nossa história. E é realmente muito engraçado que a primeira vez que tocamos no Brasil tenha sido justamente na turnê em que estávamos nos separando.
Foi uma apresentação muito interessante emocionalmente para nós. Sinceramente, acho que todos saímos do palco naquela noite pensando: “Será que não deveríamos terminar a banda? Será que o Brasil acabou de nos fazer mudar de ideia?”.
O que tornou aquela noite tão memorável não foi apenas a empolgação que conseguíamos sentir na plateia. Lembro que chegamos ao local, abriram as portas às nove da noite e só fomos tocar à uma da manhã.
Ficávamos perguntando: “Espera aí, isso é estranho. Não tem ninguém tocando e a casa já está completamente cheia de gente”. E os produtores respondiam: “Não, não, é assim que fazemos as coisas aqui”.
Nós simplesmente aceitávamos. Quando finalmente entramos no palco, parecia que o lugar tinha explodido. Foi maravilhoso. Consigo me lembrar daquela noite como se tivesse acontecido ontem.
Lembro que ficava olhando para um amigo meu que estava parado na escada e perguntando com o olhar: “Isso é completamente insano, não é? Você também está vendo essa loucura?”. Ele ficava me olhando de volta, igualmente impressionado. Foi fantástico.
Modéstia a parte, esse é o nosso cartão de visitas. Bem-vindo ao Brasil!
Funcionou! (risos)
E o que fez você e os outros integrantes decidirem trazer o Alexisonfire de volta três anos depois?
Começamos a conversar sobre isso porque as pessoas estavam pedindo que voltássemos a tocar. Nossos empresários e agentes começaram a nos procurar dizendo: “Não sei se vocês já pensaram nisso, mas precisamos contar que existem pessoas tentando contratar shows de vocês”.
Então começamos a discutir a possibilidade. E acho que percebemos que não precisávamos ter acabado com a banda. O que realmente precisávamos era passar algum tempo longe dela.
Decidimos fazer um show. Se fosse bom, faríamos outro. E continuaríamos seguindo dessa maneira. A ideia era usar a alegria como uma espécie de termômetro para decidir se continuaríamos.
Se alguém tivesse algum problema, conversaríamos sobre isso. E, se deixasse de ser divertido, pararíamos. Acho que foi por volta de 2015 ou 2016 que voltamos, e seguimos fazendo isso desde então.
Continuamos exatamente pelo mesmo motivo: porque escolhemos estar juntos e porque amamos fazer isso. Somos muito gratos por ainda termos essa banda em nossas vidas.
Sei que o repertório desta turnê inclui Crisis na íntegra, seguido por algumas músicas de outros álbuns. Os fãs brasileiros já devem começar a decorar a letra da nova música “Push the River” para os shows ou ainda é cedo?
Não sei! (risos) É engraçado, porque estava pensando nisso justamente hoje. Não sei se realmente consideramos essa possibilidade quando decidimos lançar a música antes da viagem.
Acho que nenhum de nós tocou “Push the River” desde que a gravamos. Mas sinto que teremos que tentar.
Provavelmente vamos ensaiar e ver se conseguimos preparar uma versão para tocar ao vivo. Agora que a música saiu e parece que as pessoas estão gostando bastante, seria divertido apresentá-la.
Vamos ver o que acontece. Mas, sim, tocamos Crisis e depois voltamos ao palco para apresentar várias músicas de todos os outros discos. Espero que todo mundo se divirta muito.
Prometo que esta será a única pergunta que não é sobre o Alexisonfire, mas estamos falando do Brasil. Se eu não perguntar, os fãs vão me matar. Existe algum plano para trazer o City and Colour de volta ao país?
Não por enquanto, mas adoraria. Na verdade, tenho um sonho de voltar ao Brasil e fazer um show completamente solo, algo que nunca fiz por aí.
Quero simplesmente sentar com meu violão e cantar músicas de diferentes momentos do meu repertório. É algo que comecei a fazer novamente, de vez em quando, tentando redescobrir o que esse formato significa para mim.
Então, em algum momento, vou voltar e fazer isso. Só preciso organizar as coisas. Esse novo disco do Alexisonfire está chegando, vamos montar uma turnê completa para ele e, quando conseguir visualizar toda essa programação, tentarei descobrir onde posso encaixar algumas apresentações do City and Colour.
Vocês estão vendendo muitos ingressos para estes shows, esgotaram São Paulo em minutos. Depois, podem trazer a turnê do novo álbum do Alexisonfire novamente ao Brasil, certo?
Sim, vamos voltar. Com certeza voltaremos.
Conheci o Alexisonfire justamente no início com “.44 Caliber Love Letter” e “Pulmonary Archery”. Por isso, é impossível não perceber o quanto o som de vocês mudou bastante desde o início. O que os fãs podem esperar do novo álbum? E como você avalia a reação do público aos trabalhos mais recentes?
Acho que, como em todos os outros discos, tentamos nos desafiar e explorar novos territórios. Não acho que nossos álbuns soem iguais, mas acredito que todos soam como o Alexisonfire.
Isso é algo de que temos muita consciência hoje. Independentemente do território sonoro que decidimos explorar, existe alguma coisa na maneira como tocamos que faz com que a música continue tendo a nossa identidade. Esse novo disco é o trabalho mais aventureiro que já fizemos. Tenho muito orgulho dele.
Sinto que realmente nos desafiamos para descobrir se conseguiríamos criar músicas diferentes, mas que ainda fossem nossas. Quanto aos fãs, fico muito feliz porque tenho a impressão de que a maioria realmente gostou dessa diferença.
Claro que estou fazendo isso há tempo suficiente para entender que nunca vamos agradar a todos. Existem pessoas que ficam muito ligadas a uma maneira específica como você se apresentou artisticamente.
Mas, com o tempo, percebemos que mudamos como compositores e artistas. E os ouvintes também mudam. Alguns acompanham essa transformação. Outros não. E está tudo bem.
Esta banda foi construída sobre a ideia de entrarmos juntos em uma sala e tentarmos criar alguma coisa que nos inspire. Para mim, essa já é a conquista. O que acontece depois que a música é lançada depende de uma série de outras circunstâncias.
Qual é a história por trás do videoclipe de “Push the River”? Vemos Chris Steele dançando enquanto você observa a cena com uma expressão séria. Como surgiu essa ideia?
É simplesmente Chris Steele sendo o homem mais interessante do mundo! (risos) Acho que Chris descobriu como ser verdadeiramente livre e se entregar a algo extraordinário.
Quando escrevemos essa música, Steele compreendeu profundamente o que eu estava tentando expressar na letra. Ele também escreveu a letra da ponte da canção.
Para mim, vê-lo dançando é a representação física do significado da música. É sobre sentir alegria e se libertar. Sobre entender que você não precisa ficar preso à ansiedade e aos próprios pensamentos.
Você pode escapar das prisões que construiu para si mesmo. É exatamente isso que o videoclipe representa.
Bleed It é um título bastante forte. Qual é o significado por trás dele? Também vi que vocês mencionaram o Tears for Fears como referência. Como essa influência aparece no novo álbum e o que podemos esperar desse trabalho?
Tears for Fears é uma das nossas bandas favoritas. Na verdade, coletivamente, é uma das bandas de que mais gostamos. Acho que sempre tivemos a ambição de, de alguma maneira, fazer um disco do Tears for Fears.
E realmente sinto que este é o trabalho em que mais nos aproximamos disso. Quanto ao nome do álbum, foi George quem teve a ideia. É uma frase retirada de uma das músicas do disco.
George começou a escrever muitas canções sobre o amor neste álbum, explorando diferentes sentimentos e diferentes formas de enxergar esse tema. Eu também comecei a escrever algumas músicas que acabaram seguindo essa direção.
“Push the River”, por exemplo, fala sobre força interior e amor-próprio. Então George começou a construir uma narrativa em torno da ideia de que o amor é quase uma emoção desafiadora em um mundo que parece estar fazendo de tudo para destruí-lo.
Quando pensamos nesta banda, no quanto amamos uns aos outros e na responsabilidade que temos por poder criar arte nos nossos próprios termos, levamos tudo isso muito a sério. É uma responsabilidade importante para nós.
E, aos poucos, essa ideia foi ganhando forma. Quando se trata de amor, nós sangramos por ele. Ele corre dentro de nós. Acho que essa acabou se tornando a declaração de princípios do álbum. É um disco sobre otimismo desafiador.