Lynyrd Skynyrd traz peso e emoção com tributo a Gary Rossington no Monsters of Rock
Há quem torça o nariz para bandas com formações muito alteradas, mas o Lynyrd Skynyrd transcende o rótulo de “tributo”. O vocalista Johnny Van Zant lidera o grupo há quase 40 anos, acompanhado por um trio de guitarristas excepcionais, um baixista preciso, um tecladista de técnica apurada e um baterista seguro, sem esquecer das duas backing vocals que conferem o toque de “magia” sulista ao espetáculo. Mantendo o legado vivo do Lynyrd Skynyrd Como co-headliner do Monsters of Rock, realizado no último sábado (4), no Allianz Parque, o Lynyrd Skynyrd demonstrou plena consciência de sua missão: preservar um legado histórico. Como o próprio Johnny reforçou em entrevista ao Blog n’ Roll: “Vamos garantir que as pessoas saibam que estivemos aqui e vamos carregar o legado”. Além de Van Zant, a linha de frente conta com o icônico Rickey Medlocke, que curiosamente foi baterista da banda em sua primeira fase (1971-1972) antes de assumir as guitarras na formação atual. Noite de homenagens Os 90 minutos de show foram pontuados por celebrações à memória de ex-membros. Com mais de dez integrantes falecidos ao longo das décadas, o telão tornou-se um memorial durante a execução de Free Bird. O momento atingiu o ápice com um dueto virtual entre os instrumentistas e o saudoso irmão de Johnny, Ronnie Van Zant, resgatado de gravações históricas. Outro ponto alto de sensibilidade foi Tuesday’s Gone, dedicada a Gary Rossington, o último membro fundador a deixar o grupo, falecido em 2023. A canção serviu como pano de fundo para uma belíssima homenagem ao guitarrista que atravessou todas as eras da banda. Catarse coletiva O show equilibrou com maestria a melancolia dessas perdas com a euforia de clássicos dançantes como What’s Your Name, Gimme Three Steps e That Smell, além do hino absoluto Sweet Home Alabama. Foi nesse misto de emoções que o grupo conquistou um público tão diverso, sendo ovacionado por fãs de todas as vertentes do rock presentes no estádio. No meio desse turbilhão, ainda houve espaço para a densa Simple Man, capaz de emocionar até o mais durão dos espectadores. O encerramento, com o duelo final de guitarras em Free Bird, gerou uma catarse coletiva que certamente ecoará na memória dos fãs por muitos anos.
Com Gary Cherone inspirado, Extreme faz público vibrar e se emocionar com hits
Antes mesmo do início do Monsters of Rock, integrantes do Halestorm e do Lynyrd Skynyrd não hesitaram ao apontar qual apresentação mais ansiavam assistir: Extreme. Seja pelo hard rock vigoroso que conseguiu furar a bolha do grunge nos anos 1990, ou pelo virtuosismo técnico do guitarrista Nuno Bettencourt, a banda é sempre um selo de garantia para performances memoráveis. Dinâmica e presença de palco No palco, Gary Cherone e Nuno não decepcionaram. A dupla mantém uma dinâmica impecável, entregando exatamente o que o público esperava: uma sucessão de hits radiofônicos que marcaram época, e trilhas sonoras de novelas brasileiras. O álbum Pornograffitti (1990), maior êxito comercial do grupo, serviu como a espinha dorsal do repertório. Cinco canções do disco foram apresentadas, incluindo os clássicos: Protagonismo de Nuno e a agilidade de Cherone Nuno Bettencourt, que se comunicou em português com os fãs durante boa parte do set, centralizou as atenções com seus riffs precisos e solos explosivos. No entanto, Gary Cherone não ficou à sombra. O vocalista exibiu uma agilidade impressionante, dançando e percorrendo o palco com um vigor que contagiou o Allianz Parque ao longo dos 60 minutos de show. Momento “sing along” do Extreme More Than Words proporcionou o maior coro uníssono do festival, repetindo o fenômeno ocorrido na última passagem da banda pelo Brasil, no Best of Blues and Rock. O único “obstáculo” para aproveitar plenamente o momento foi o onipresente mar de smartphones erguidos, uma barreira digital que competia com a visão direta do palco. Encerramento do Extreme em alta voltagem Mesmo após o impacto de seu maior hit, o Extreme manteve a intensidade no nível máximo. O encerramento veio com a emblemática Get the Funk Out e a moderna Rise. Esta última conta com um solo de 55 segundos que já nasceu clássico, sendo considerado por diversos críticos como um dos melhores do século XXI, uma prova definitiva de que o virtuosismo de Nuno permanece intocado pelo tempo.
Halestorm rouba a cena e entrega um dos melhores shows do Monsters of Rock
A escalação do Monsters of Rock contava com gigantes do quilate de Guns N’ Roses, Lynyrd Skynyrd e Extreme, mas quem verdadeiramente roubou a cena foi o Halestorm. Liderado pelo “furacão” Lzzy Hale, indiscutivelmente uma das maiores frontwomen do rock mundial, o grupo demonstrou por que está habituado a “engolir” palcos de arena. Sintonia e poder vocal Durante uma hora, o Halestorm entregou uma performance de altíssimo nível, sustentada pela sintonia quase telepática entre os irmãos Hale. Se Lzzy impressiona pelo alcance vocal avassalador, o baterista Arejay Hale garante o entretenimento com seu carisma e o já tradicional solo com baquetas gigantes. Se James Bartholomew (Jayler) e Marc LaBelle (Dirty Honey) iniciaram, mais cedo, uma disputa informal para ver quem possuía o maior fôlego vocal do festival, Lzzy Hale encerrou a discussão com sobras. Sua voz preencheu cada centímetro do Allianz Parque com uma potência que parece não exigir esforço, deixando a audiência em transe. Rejuvenescimento do rock Apesar dos quase 20 anos de estrada, o Halestorm consolidou-se como um dos principais estandartes do rejuvenescimento do gênero. Ao vivo, essa vitalidade torna-se ainda mais evidente, revelando um domínio de palco raramente visto em bandas de gerações mais recentes. Um dos momentos de maior protagonismo foi o solo de Arejay. Embora o uso das baquetas gigantes seja um número conhecido pelos fãs devotos, a performance arrancou sorrisos e aplausos de surpresa do público desavisado que lotava a pista. >> LEIA ENTREVISTA COM O HALESTORM Equilíbrio no repertório do Halestorm O setlist equilibrou com maestria os hits do aclamado The Strange Case Of… (2012) e as novidades do álbum Everest (2025), que ainda eram inéditas nos palcos brasileiros. I Miss The Misery e Love Bites (So Do I) foram, sem dúvida, os pontos culminantes da apresentação. O álbum de estreia homônimo (2009) também foi reverenciado com dois clássicos contemporâneos: Familiar Taste of Poison e I Get Off.
Yngwie Malmsteen, o malabarista das seis cordas em um espetáculo para iniciados
Quando Yngwie Malmsteen subiu ao palco do Monsters of Rock, no último sábado (4), no Allianz Parque, ficou evidente que sua estratégia de conquista seria distinta da utilizada por Jayler ou Dirty Honey. No universo de Malmsteen, a técnica transbordante fala muito mais alto que qualquer voz. Trata-se do clássico espetáculo no estilo “ame ou odeie”. Técnica neoclássica sob o sol Devido ao calor intenso, parte do público aproveitou o início do set para se hidratar e buscar refúgio na praça de alimentação. No entanto, os entusiastas do virtuosismo e os aficionados por guitar heroes não arredaram o pé. Eles acompanharam atentamente cada nota do mestre sueco, que ainda arriscou momentos como vocalista, embora, reconhecidamente, sem o mesmo brilho que demonstra ao empunhar suas cordas. O icônico “muro” de amplificadores Marshall não apenas impressionou visualmente, mas garantiu uma sonoridade única e extremamente densa. Malmsteen conseguiu a proeza de transformar o estádio em um imenso recital particular de metal neoclássico. Performance e repertório de Yngwie Malmsteen Além da maestria musical, o sueco exibiu uma habilidade peculiar: chutar palhetas com precisão cirúrgica diretamente para as mãos dos fãs na grade. Passeando por sua extensa discografia, Malmsteen abriu o show com a clássica Rising Force, apresentando também Fire and Ice e Baroque & Roll. Contudo, o engajamento da massa aumentou quando ele recorreu a clássicos universais, como o cover de Smoke on the Water (Deep Purple) e um trecho de Bohemian Rhapsody (Queen), intercalados à complexa Trilogy Suite Op: 5. Embora a capacidade técnica de Malmsteen seja inquestionável, o excesso de solos durante uma hora de apresentação acabou limitando o alcance do show perante o grande público. Para uma plateia de festival, que muitas vezes busca por grandes hinos, como More Than Words (Extreme), Sweet Home Alabama (Lynyrd Skynyrd) ou Sweet Child O’ Mine (Guns N’ Roses), a densidade do virtuosismo sueco pode ter soado um tanto exaustiva.
Dirty Honey encanta com rock de arena no Monsters of Rock
Assim como o Jayler, o Dirty Honey dispôs de apenas 45 minutos de palco no Monsters of Rock, realizado no último sábado (4), no Allianz Parque, em São Paulo. A banda californiana, repetindo a sinergia vista na Audio dias antes, soube otimizar cada segundo para imprimir uma excelente impressão no público paulistano. Essência setentista e vocação para estádios Fortemente influenciada pelo Aerosmith, o Dirty Honey é o tipo de banda que parece ter nascido para as arenas, carregando consigo aquela aura vibrante dos anos 1970. Se na Audio o show foi uma celebração íntima do classic rock moderno, no Allianz os músicos provaram que possuem envergadura para se tornarem headliners no futuro, seguindo os passos das lendas que emulam. O vocalista Marc LaBelle, cujos trejeitos remetem inevitavelmente a Steven Tyler, conquistou a plateia com uma entrega vocal impecável e um carisma magnético. Ele não hesitou em buscar o contato direto com os fãs, chegando a descer até o “gargarejo” da pista, eliminando qualquer barreira entre o palco e o público. Setlist e impacto do Dirty Honey no Monsters of Rock O repertório foi um “tiro curto”. Embora tenha sofrido mais cortes que o show do Jayler em comparação à apresentação de quinta-feira, a espinha dorsal do setlist foi preservada. A abertura ficou por conta de Gypsy, seguida pela energética California Dreamin’. A banda ainda resgatou Heartbreaker antes de disparar Don’t Put Out the Fire, que foi acompanhada em uníssono pelo estádio. >> LEIA ENTREVISTA COM O DIRTY HONEY Enquanto Another Last Time serviu como a vitrine perfeita para LaBelle cativar a audiência com seu domínio das love songs, o encerramento com When I’m Gone chegou com autoridade, agora validada pelo grande público como parte da trilha sonora do filme do Minecraft. As duas experiências com o Dirty Honey, na quinta e no sábado, foram complementares e marcantes. A primeira, na Audio, permitiu o privilégio de observar os detalhes técnicos; a segunda, no Allianz Parque, revelou a força e o impacto do som da banda em escala monumental.
Jayler passa por batismo de fogo no Allianz Parque e mostra que está pronto para conquistar o mundo
Menos de 48 horas após uma performance visceral na Audio, a banda inglesa Jayler encarou o desafio ingrato de abrir o festival Monsters of Rock, no último sábado (4). Sob o sol a pino do Allianz Parque, em São Paulo, o grupo provou que o tamanho do palco não intimida seu talento. Sonoridade e presença de palco Enquanto na Audio o grave batia diretamente no peito, no Allianz o grande desafio era o alcance. Surpreendentemente, a “sujeira” característica do rock da banda manteve-se nítida e potente no gigantesco sistema de som (PA) do estádio. O vocalista James Bartholomew manteve sua empolgação contagiante, percorrendo cada centímetro do palco. A alegria dos integrantes ao ocuparem um espaço daquelas dimensões era evidente. Tanto que, ao ser informado de que restava tempo para apenas mais uma canção, James não escondeu a frustração, correndo para avisar os companheiros com um desânimo visível, mas genuíno. >> LEIA ENTREVISTA COM O JAYLER Repertório do Jayler O setlist foi semelhante ao apresentado na Audio, embora reduzido devido ao tempo limitado de 45 minutos. A apresentação começou com a introdução do álbum de estreia, Voices Unheard (com lançamento previsto para o dia 29 de maio), emendando com faixas já queridas pelo público, como: Conexão com o público Ao longo da performance, James notou que cada uma de suas interações era prontamente correspondida com aplausos e gritos efusivos. Essa troca foi o combustível necessário para garantir o apoio total dos fãs, muitos ali presentes para o Guns N’ Roses, do início ao fim. Curiosamente, essa “receita” de entrega total foi replicada por outros vocalistas que subiram ao palco nas horas seguintes do festival. Futuro do Jayler Após dois shows marcantes em solo paulistano, o Jayler demonstrou maturidade para encarar suas próximas turnês europeias, onde atuarão como convidados de gigantes como Sammy Hagar (ex-Van Halen) e Deep Purple. Com o álbum de estreia prestes a sair, o horizonte da banda parece não apenas promissor, mas brilhante.
Dirty Honey cumpre promessa ao Blog n’ Roll e apresenta faixa inédita na Audio
Alguns anos mais velha que a Jayler, a californiana Dirty Honey também soube aproveitar o sideshow na Audio, em São Paulo, na última quinta-feira (2), para conquistar um público novo com seu rock clássico e visceral. Pela primeira vez no Brasil, a banda liderada pelo vocalista Marc LaBelle e pelo guitarrista John Notto manteve a temperatura elevada, mesmo após o show incendiário da Jayler. Aliás, os jovens integrantes da banda britânica foram vistos curtindo atentamente a performance de um dos camarotes da Mercury, no mezanino. Tal como a Jayler, a Dirty Honey também bebe fartamente na fonte do rock setentista, mas com uma influência de Aerosmith ainda mais latente, algo que fica evidente nas baladas e na presença de palco magnética de LaBelle. O grupo ainda mescla com maestria uma pegada blueseira a canções mais pesadas, criando uma sonoridade robusta. >> LEIA ENTREVISTA COM O DIRTY HONEY Impulsionado pelo hit When I’m Gone (presente na trilha sonora de Minecraft), o quarteto protagonizou momentos memoráveis na Audio. Faixas empolgantes como California Dreamin’ e Get a Little High prepararam o terreno para Don’t Put Out the Fire, momento em que Marc LaBelle inovou ao colocar uma cadeira no meio da pista, subindo nela para reger o coro dos fãs de perto. O setlist do Dirty Honey na Audio também cumpriu uma promessa exclusiva feita em entrevista ao Blog n’ Roll. Conforme revelado por LaBelle, a banda trabalha em um novo álbum, sucessor de Can’t Find the Brakes (2023), desde outubro. A promessa de que apresentariam material inédito caso se sentissem confiantes se concretizou com Lights Out, que teve sua estreia mundial ao vivo em solo paulistano. Segunda banda a subir ao palco do Monsters of Rock neste sábado (4), no Allianz Parque, o Dirty Honey prova que, assim como a Jayler, merece um público digno, que chegue cedo para prestigiar a nova safra do rock antes da maratona de 12 horas de festival. Edit this setlist | More Dirty Honey setlists
Jayler surpreende na Audio e prova que o rock setentista está em boas mãos
Atração de abertura do Monsters of Rock, que acontece neste sábado (4), no Allianz Parque, a banda inglesa Jayler surpreendeu o público paulistano com um set poderoso e uma performance eletrizante na Audio, em São Paulo, na noite de quinta-feira (2). Mesmo que ainda não possa ser considerado um “monstro do rock”, o grupo, que lançará o álbum de estreia Voices Unheard no próximo dia 29 de maio, demonstrou maturidade de veterano e não se intimidou com a plateia desconhecida. Todos os integrantes têm cerca de 20 anos, mas parecem ter sido arrancados diretamente da década de 1970. James Bartholomew (voz e guitarra), Tyler Arrowsmith (guitarra), Ricky Hodgkiss (baixo) e Ed Evans (bateria) esbanjam estilo e evocam a estética clássica de um show do Led Zeppelin. >> LEIA ENTREVISTA COM A JAYLER No entanto, é importante não depositar tamanha pressão sobre os jovens músicos. Embora o Led Zeppelin seja uma influência clara no visual e na sonoridade, o Jayler consegue imprimir uma identidade própria, fruto de um mix de referências que vai muito além de Jimmy Page e Robert Plant. E, antes que surjam os questionamentos: não, eles também não são o “novo Greta Van Fleet”. Em vez de alimentarmos críticas e comparações vazias, precisamos celebrar o surgimento de bandas novas e competentes, inspiradas por nomes que fizeram história. O quarteto bebe na fonte correta e desenvolve um trabalho autoral de altíssima qualidade. No Woman e Riverboat Queen foram os grandes destaques da Jayler na Audio. James Bartholomew assumiu o papel de protagonista, seja nos vocais, na guitarra ou nos solos explosivos de gaita. O vocalista, inclusive, desceu do palco algumas vezes para interagir com o público. Houve ainda espaço para apresentar algumas novidades. Das 11 músicas do álbum de estreia, a Jayler apresentou nove canções: Intro, Down Below, Riverboat Queen, Need Your Love, The Geatway, Over the Mountain, Alectrona, Lovemaker e The Rinsk. Bittersweet e Hate To See It End foram ausências. E das nove presentes no set, somente duas já foram lançadas, Down Below e Riverboat Queen. Entre as autorais, a banda também apresentou uma versão bem original para I Believe to My Soul, de Ray Charles (apesar de não constar no set descrito abaixo). É gratificante ver a entrega da banda, que claramente se diverte no palco. Esta turnê certamente impulsionará o nome do grupo: no segundo semestre, eles seguem para grandes arenas na Europa e no Reino Unido, acompanhando ninguém menos que Sammy Hagar (ex-Van Halen) e Deep Purple. Edit this setlist | More Jayler setlists
Pennywise entrega show catártico no encerramento da We Are One Tour
Encerrando a noite com o peso de uma instituição do punk rock da Califórnia, o Pennywise transformou a Audio, na terça-feira (31), em um cenário de caos controlado e celebração. Se as bandas anteriores prepararam o espírito, o quarteto de Hermosa Beach veio para cobrar o resto do fôlego que o público ainda guardava. Jim Lindberg comandou o público com sua voz ríspida e presença de palco autoritária, enquanto Fletcher Dragge, com sua guitarra “gigantesca” e atitude desafiadora, mantinha a aura de perigo e rebeldia que é a marca registrada do grupo. O show foi uma sucessão de hinos de resistência e união. Músicas que definiram gerações foram entoadas a plenos pulmões, criando rodas de pogo que ocupavam quase toda a extensão da pista. A cozinha formada por Randy Bradbury e Byron McMackin é, possivelmente, uma das mais sólidas do gênero, garantindo que a velocidade nunca atropele a melodia. O Pennywise não faz apenas um show, eles promovem uma experiência coletiva onde a barreira entre ídolo e fã é quebrada pelo suor e pela ideologia compartilhada. >> LEIA ENTREVISTA COM FLETCHER DRAGGE Peaceful Day e Same Old Story entraram logo no início do set, enquanto Fuck Authority (precedida por um discurso forte contra governantes) e um medley com músicas do NOFX (Bob e Kill All the White Man) e Beastie Boys (Fight For Your Rights) se destacou no meio do repertório. A reta final foi ainda mais apoteótica, com Society, Perfect People e Living for Today. Na sequência, Nikola Sarcevic, vocalista do Millencolin, voltou ao palco para tocar baixo e cantar Stand By Me. Como não poderia deixar de ser, o grand finale veio com Bro Hymn, aqui acompanhada por todos os integrantes do Mute, The Mönic e Millencolin, que fizeram os backing vocals. O coro fúnebre que virou celebração à vida foi um dos momentos mais especiais da We Are One Tour. A boa notícia é que o Pennywise já tem data para voltar a São Paulo: 23 de maio no Hangar 110. Venda de ingressos deve começar ainda hoje, às 19h.