Entrevista | Atreyu – “Nossa banda soa diferente o tempo todo”
No último dia 20, a banda norte-americana Atreyu fez sua estreia no Brasil com um show no Carioca Club, em São Paulo. A apresentação foi parte da turnê de divulgação do álbum The Beautiful Dark of Life, que marcou a evolução da banda na cena metalcore. Antes de subir ao palco, o carismático vocalista Brandon Saller concedeu uma entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, na qual abordou temas como a evolução do som da banda, a criação do novo álbum e sua conexão com o público brasileiro. Ao longo dos mais de 20 anos de carreira, o Atreyu se destacou por experimentar diferentes sonoridades, sempre mantendo sua essência e identidade. Segundo Saller, a banda nunca se prendeu a uma fórmula, o que permitiu que se reinventassem a cada lançamento. “Nossos fãs esperam que tentemos algo diferente. Nunca prestamos muita atenção ao que está em alta; fazemos o que achamos certo”, comentou o vocalista. Com o lançamento de The Beautiful Dark of Life, o Atreyu inovou ao dividir o álbum em uma série de EPs, permitindo que os fãs digerissem o trabalho aos poucos. “Isso fez com que as pessoas se concentrassem mais nas músicas”, explicou Saller, que considerou a experiência um sucesso. O vocalista ainda destacou a importância de suas influências musicais variadas, que vão do pop ao rock dos anos 80, refletindo diretamente na diversidade de som da banda. Na entrevista, o vocalista também falou sobre a decisão de revisitar músicas antigas em novas versões acústicas, algo que começou durante a pandemia e foi muito bem-recebido pelos fãs. “Foi ótimo entrar no estúdio e fazer algo que realmente queríamos. Definitivamente, é algo que adoraria explorar mais no futuro”, revelou. Confira a entrevista completa abaixo. Atreyu sempre foi uma força poderosa na cena metalcore. Como você vê a evolução da banda ao longo dos anos e como se mantém fiel à sua identidade original, enquanto explora novos sons? Acho que meio que no começo, nós fizemos questão fazer a identidade da banda ser o que sentíssemos. Nós nunca ficamos presos em uma pista. E acho que isso é algo que nossos fãs meio que esperam e gostam sobre a banda, é que eles sempre sabem que vamos tentar algo diferente e explorar novos caminhos. Acho que para nós, tem sido muito importante apenas permanecer fiéis ao que queremos fazer e meio que não prestar atenção ao que está acontecendo. Caso contrário, tentamos não prestar muita atenção ao que outras bandas estão fazendo ou o que é legal no momento. Nós apenas tentamos fazer o que achamos que é certo. Até agora, tem funcionado. Como foi a experiência de gravar The Beautiful Dark of Life como uma série de EPs? Quais desafios surgiram ao dividir o álbum dessa forma e como essa abordagem afetou a criação musical? Foi ótimo. Gravamos tudo de uma vez, mas foi legal lançar as coisas aos poucos para que as pessoas pudessem realmente cravar os dentes em apenas algumas músicas de cada vez. E descobrimos que isso permitiu que as pessoas realmente se concentrassem mais em músicas do disco. Foi divertido. Hoje em dia, sinto que é impossível saber as respostas de como as coisas devem ser feitas. Imaginamos que tentaríamos algo diferente. A banda teve um começo bastante “do it yourself” e superou muitos obstáculos para alcançar o sucesso que tem hoje. Quais momentos do início da carreira de vocês ainda influenciam a maneira como encaram os desafios atuais? Sinto que meio que viemos do zero. Começamos, seis de nós em uma banda, viajando pelo país, tocando no máximo de shows que podíamos. Enquanto não importasse, ficávamos em turnê por três, quatro meses de cada vez. E acho que por isso, porque realmente tivemos que construir no começo, isso nos levou a ser bem-sucedidos do jeito que somos hoje. Sabemos como gostamos de fazer as coisas, como gostamos de fazer turnês ou fazer shows. Acho que é por isso que ajudou na nossa longevidade como banda, porque meio que descobrimos tudo internamente. Todos na banda têm um respeito enorme uns pelos outros e realmente nos amamos e amamos fazer o que fazemos. Acho que isso foi um fator enorme para continuarmos por aqui. No álbum mais recente do Atreyu, vocês recriaram músicas conhecidas do repertório de vocês, além de duas covers, do Audioslave e Tom Petty. Como surgiu a ideia de fazer isso? Pretendem fazer mais vezes esse tipo de trabalho na carreira? Sim, acho que realmente gostamos. Quer dizer, meio que começou durante a covid. Lançamos um álbum e, durante a pandemia, não podíamos realmente fazer turnês ou coisas assim. Então começamos a fazer versões acústicas de músicas em transmissões ao vivo e coisas assim. Isso nos levou a fazer algumas versões simplificadas de músicas para nossos meet and greets e coisas assim. E foi algo que realmente gostamos e parecia que nossos fãs realmente gostaram. Muitas pessoas pareciam confusas sobre porque não tínhamos feito isso antes. Foi ótimo. Meio que decidimos entrar no estúdio, e essa foi uma daquelas coisas que meio que dissemos à gravadora também. Foi algo como “isso não está no contrato, mas é algo que realmente queremos fazer“. Ficou ótimo! É definitivamente algo que adoraria explorar mais no futuro, porque parece que muitos dos nossos fãs estão crescendo conosco. Tem muita gente que talvez, numa quarta-feira à noite, esteja cozinhando o jantar e pode não querer colocar em uma bandeja, mas coloca em um outro recipiente. Com uma combinação de thrash, hardcore punk e o New Wave of Swedish Death Metal, o Atreyu sempre teve uma sonoridade única. Quais são as suas principais influências musicais atuais e como essas influências se refletem no som da banda? Acho que é difícil para nós. Temos tantas influências diferentes dentro da banda. Quer dizer, eu mesmo curto bastante música pop. Como você disse, gosto de bandas suecas como In Flames. Dan (Jacobs, guitarrista) é muito influenciado pelo rock dos anos 1980. Ele também ouve muita música dos anos 50, reggae, tudo.
Entrevista | P.O.D – “Brasil é como um segundo lar para nós”
O P.O.D. lançou recentemente uma versão de I Won’t Bow Down em parceria com o argentino Andrés Giménez, vocalista da banda A.N.I.M.A.L. A faixa, que ganhou um refrão em espanhol e reforça o peso e a identidade multicultural do grupo, marca um momento especial para a banda californiana. Em entrevista ao Blog n’ Roll, o guitarrista Marcos Curiel falou sobre a colaboração, a amizade com Giménez e o desejo de voltar ao Brasil com uma turnê mais extensa. Durante o bate-papo, Marcos relembrou a primeira conexão com Andrés, feita há cerca de uma década em um show na Argentina, e explicou que a ideia de colaborarem já vinha sendo discutida há anos. O convite para participar da nova versão de I Won’t Bow Down surgiu de forma natural. Curiel também comentou o carinho especial que o P.O.D. nutre pelo público brasileiro, descrevendo o país como “um segundo lar”. A última passagem da banda por aqui, em 2024, incluiu shows em São Paulo, Rio de Janeiro e Curitiba. No entanto, ele reforça o desejo de voltar com uma turnê mais completa, passando por cidades como Recife, Vitória e Brasília, além de articular uma possível turnê conjunta pela América do Sul com a banda A.N.I.M.A.L. Apaixonado por futebol, o guitarrista do P.O.D revelou seu apoio a clubes como Chelsea e Real Madrid, mas disse também ter carinho por times brasileiros como São Paulo, Palmeiras e Santos — cidade de Pelé e do Charlie Brown Jr., que ele reconhece como uma referência brasileira com “muita alma”. Confira a entrevista completa abaixo. Olá Marcos! Tudo bem? Onde você está agora? Oi, tudo bem. Estou em casa. Vou para a Europa nos próximos dias. E você? Estou no Brasil, em uma cidade chamada Santos. Você torce por algum time de futebol no Brasil ou na Europa? Tenho times em todos os lugares. Aqui em San Diego, tenho o San Diego FC. E na Europa, torço pelo Chelsea, é meu time desde que era criança. Na La Liga, sou Madridista. Sou um verdadeiro fã do Real Madrid há muitos anos. E quando fui para o Brasil, ganhei uma camisa do São Paulo. Mas eu também conheço o Corinthians, um outro time do Rio, acho que o Palmeiras. Não sei se é do Rio, mas se chama Palmeiras. E o Santos também. Aqui em Santos tem um museu do Pelé. Uau, isso é incrível. Você precisa vir aqui e visitar o Museu Pelé. Eu definitivamente irei. Não sei se já tocamos em Santos. Fizemos muitas turnês pelo Brasil, mas da próxima vez quero ter uma agenda aí. Como surgiu a ideia de regravar I Won’t Bow Down com Andrés Giménez? Vocês já haviam trabalhado juntos? Demorou muito. Somos amigos do Andrés desde que tocamos na Argentina em 2013 ou 2015, não lembro o ano. Ele subiu no palco conosco e cantou ao vivo. E nos tornamos amigos desde então. Sempre falamos: ‘ei, cara, vamos fazer uma turnê. Vamos fazer uma colaboração. Vamos fazer um recurso ou algo assim’. E finalmente aconteceu com essa música. Queríamos fazer uma versão com o refrão em espanhol. E disse aos caras que provavelmente poderia ver se Andrés estaria interessado. E quando ele soube disso, disse: ‘sim, eu farei isso’. Então fizemos. E foi orgânico, não foi forçado. Estamos muito felizes com o resultado. Espero que possamos fazer muito mais juntos. Vocês costumam conhecer e acompanhar bandas da América do Sul quando vem ao continente? O que sabem sobre bandas brasileiras? Toda vez que vou, fico sabendo de algo, aprendo mais e mais. No começo, quando começamos a fazer turnê no Brasil, sempre ouvíamos falar de uma banda. Eles não existem mais. Era uma banda chamada Charlie Brown Jr. E o meu técnico de guitarra era parecido com o cantor. Então todo mundo, quando andávamos pela cidade, dizia que ele parecia o cantor do Charlie Brown Jr. E eu pensava: ‘uau, isso é engraçado‘. Tivemos que pesquisar sobre a banda e descobrimos mais sobre o Charlie Brown Jr. Obviamente conhecemos o Sepultura e algumas bandas de reggae também. Os brasileiros têm muita alma. Você sabia que Charlie Brown Jr. é de Santos? Ah, eu não sabia. Infelizmente, Chorão, o cantor, e o Champignon, o baixista, morreram. Sim, infelizmente. Eles eram incríveis. As pessoas amam essa banda. Satellite, de 2001, é o grande sucesso comercial do P.O.D, com músicas que marcaram época, como Alive e Youth of the Nation. Como é para vocês tocar essas canções mais de duas décadas depois? Elas ainda fazem muito sentido para vocês? Essas são músicas que posso dizer honestamente que são atemporais. Elas falam de geração para geração, e as pessoas amam essas músicas. Acredito que, em termos de mensagem, Youth of the Nation é mais relevante agora do que quando a escrevemos, por causa de toda a violência, dos tiroteios nas escolas e tudo mais. Então acho que essa música sobreviveu porque é mais relevante. E, obviamente, é uma música foda. Veritas, o último álbum da banda, teve grande alcance e ótima recepção da crítica especializada. Esse feedback positivo estimula vocês? Ou não ligam para os críticos? Quer dizer, para um artista dizer que não se importa com os críticos, ele está mentindo. Mas, ao mesmo tempo, não é por isso que escrevemos música. Nós não escrevemos música para os críticos, prêmios ou reconhecimento. Nós escrevemos música porque é real da nossa alma, e escrevemos música que é real para nós. Mas também é um pedaço do nosso coração e alma. Então, quer você goste ou não, ainda é o que amamos. O P.O.D está na ativa há mais de 30 anos e com uma carreira consistente, lançando álbuns, sem pausas. O que mais motiva vocês a seguirem tão determinados? Os fãs. Quero dizer, ouça, somos artistas e sempre seremos criativos, estejamos no P.O.D. ou em outro projeto. E se os fãs do P.O.D. querem continuar nos ouvindo e indo aos nossos shows, por que pararíamos? É algo como: ‘ei, sabe de uma coisa? Temos uma
Entrevista | Hollow Coves – “Estamos apenas esperando a oportunidade certa”
Conhecidos por suas melodias suaves, letras introspectivas e uma atmosfera sonora que convida à contemplação, os australianos do Hollow Coves vêm conquistando fãs ao redor do mundo com seu indie-folk intimista. Formada por Ryan Henderson e Matt Carins, a dupla lançou em 2024 o álbum Nothing to Lose, um trabalho repleto de memórias afetivas e reflexões sobre autenticidade, inspirado em antigas fotos de infância guardadas por suas mães. Em entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, Ryan Henderson compartilhou detalhes sobre o processo criativo por trás do novo disco, a colaboração com o DJ e produtor brasileiro Bruno Martini, que remixou faixas do álbum, além do desejo de finalmente realizar sua estreia nos palcos do Brasil, adiada desde a pandemia. Entre a simplicidade poética das canções e a vontade de se conectar com o público brasileiro, Hollow Coves mostra que há beleza em viver de forma verdadeira, longe dos filtros e poses das redes sociais. Nothing to Lose é inspirado nas páginas de um álbum de fotos da infância. Você poderia compartilhar como essas imagens influenciaram a criação do álbum? Sim, então nossas duas mães tinham esses álbuns de fotos quando éramos mais jovens, criando memórias de nossa criação. Tínhamos essa percepção de que as fotos hoje em dia são tão polidas e planejadas. É tudo sobre obter a melhor pose ou o melhor filtro. Com isso, há muita comparação no mundo porque nada parece legítimo agora. Nada a perder é esquecer de ser polido e mais sobre ser cru e verdadeiro consigo mesmo, como as fotos que nossas mães costumavam tirar com tanto caráter e história quando você as olha. Seu estilo musical é frequentemente caracterizado como indie-folk com uma simplicidade poética. Como você se esforça para transmitir essa sensação de leveza por meio de sua música? Acho que isso surgiu naturalmente em nossa música, pela maneira como vivemos e vemos o mundo. Pessoalmente, acho que há algo muito bonito em viver uma vida simples, permitindo espaço para as coisas mais importantes que surgem em nosso caminho. Você já conhecia o trabalho do Bruno Martini? Como foi ter suas músicas remixadas por ele? Eu nunca tinha ouvido falar dele antes, mas foi incrível tê-lo trabalhando na música. É definitivamente um estilo diferente do que normalmente lançamos, mas foi legal ter esse sabor diferente adicionado à música e ter alguém local do Brasil trabalhando nela porque realmente queremos construir nossa base de fãs lá. Você conhece outros músicos brasileiros além de Bruno Martini? Na verdade, não conhecemos muitos artistas brasileiros. Talvez precisemos de algumas recomendações. No entanto, alguns anos atrás, nos deparamos com uma artista do Brasil chamada Mariana Nolasco. Ela tem uma voz incrível e lançou uma música em inglês que tornou um pouco mais fácil para nós entendermos. A pandemia forçou Hollow Coves a cancelar sua primeira visita ao Brasil. Ainda estamos dentro do cronograma? Vocês planejam se apresentar aqui em breve? Nada planejado, infelizmente, mas espero que o mais rápido possível. Estamos apenas esperando a oportunidade certa e um promotor local para nos ajudar a chegar lá.
Lolla BR | Bruno Martini – “Não segui nenhuma tendência e segui o meu coração”
Pela primeira vez em sua carreira, Bruno Martini sobe ao palco do Lollapalooza Brasil — e a estreia promete ser em grande estilo. Um dos principais nomes da música eletrônica nacional, Bruno Martini celebra o momento especial com o lançamento de um remix da faixa On The Way, do duo australiano Hollow Coves, e prepara a estreia de sua nova turnê, intitulada Mix Tape Tour, diretamente no festival. Com passagens por grandes eventos internacionais como EDC Las Vegas, Tomorrowland Bélgica e EDC México, Bruno Martini já havia marcado presença em palcos como o do Rock in Rio, mas faltava o Lolla na lista. Agora, o DJ promete entregar um set vibrante, com faixas voltadas para as pistas e sonoridades que marcaram o início de sua trajetória. Em entrevista ao Blog n’ Roll, Bruno Martini falou sobre as expectativas para o festival, o processo criativo do EP Anto, lançado em fevereiro, as influências que moldaram sua carreira e a emoção de remixar uma música que já fazia parte da trilha sonora da sua casa. Como está a expectativa para o Lollapalooza? O que os fãs podem esperar do set? Tô muito feliz de participar do Lollapalooza. É a primeira vez que participo desse festival na minha carreira. Tive a oportunidade de participar de vários festivais ao longo do mundo, pelo mundo, EDC Las Vegas, Smollin na Bélgica, EDC México, enfim. Vários festivais e faltava o Lollapalooza pra mim, assim. Sempre foi o festival que eu quis e queria muito tocar, mas nunca tive a oportunidade. Então é muito especial pra mim esse ano poder fazer parte do Lollapalooza, ainda mais no Brasil, né? E soma-se também aos festivais que eu disse, no Brasil já participei do Rock in Rio, de vários outros festivais aqui e faltava o Lollapalooza. Então, assim, esse ano é muito especial pra mim poder participar do Lollapalooza. Ainda mais com esse line-up incrível, Justin Timberlake, Rufus, uma galera super legal. Então tô muito contente e preparando um show muito, muito especial. A minha ideia também é estrear minha tour nova no Lolla, chama Mix Tape Tour. Está ansioso para assistir algum show do seu dia? Qual? Por que? Com certeza, tô super ansioso pra ver Alanis Morissette, gosto muito. É muito legal ver também o Zerb tocando depois de mim. Ele fez bastante sucesso esses últimos tempos, é um cara que merece todo sucesso que está acontecendo na vida dele. O próprio Zedd também, sempre fui muito fã das produções dele e das músicas dele e ver ele tocar também vai ser bem legal. Como foi o processo de produção do EP Anto? Esse último EP que lancei é mais alternativo, bem focado para música eletrônica mesmo. São músicas para tocar numa pista, segui muito o meu coração, fiz músicas que quando comecei a tocar gostava muito de ouvir. Fiquei muito feliz com o resultado, teve uma recepção muito boa entre os DJs, fiquei muito contente. São músicas instrumentais, não tem vocal, é bem alternativo mesmo e bem voltado para as pistas e para os DJs. O que mais te influenciou na hora de compor esse projeto? Sinto que me reconectei comigo e, sei lá, poder fazer esse EP foi realmente muito especial porque trouxe várias lembranças de quando comecei a tocar. Era um tipo de som que gostava bastante, que me influenciou bastante nas minhas músicas. Não segui nenhuma tendência e segui o meu coração. Também no início do ano, você lançou um remix do Hollow Coves. Como chegou nessa escolha? Surgiu através de um pedido, eles chegaram junto através de pessoas que trabalham comigo, rolou essa ideia de a gente fazer uma versão, sempre gostei muito da banda, tinha uma música que escutava bastante, minha esposa adora, chama Coastline, então poder trabalhar com eles foi muito especial e muito legal. E isso hoje em dia, com a internet, com a gente fazendo música no computador, não precisa de tanta coisa como antigamente, quando você produzir, essas conexões de eles estão na Austrália, eu tô aqui no Brasil, do outro lado, a gente fazendo música, então é muito legal. Gostei tanto de fazer que até fiz outra versão depois, fiz uma deep mix, é para os DJs tocarem e também traz um pouco de uma sonoridade que a gente chamava de Brazilian Bass. Quais os três álbuns que mais te influenciaram na carreira? Por que? Meu primeiro instrumento foi a guitarra. Tive a oportunidade de trabalhar com Duran Duran e tinha um álbum deles que gostava muito, então colocaria o Rio (1982), do Duran Duran. Tenho um carinho muito especial por Thriller, do Michael Jackson, porque foi o primeiro álbum que tinha em casa, ganhei de presente do meu pai e ficava ouvindo o dia inteiro. Não precisava ficar roubando os discos vinis dele, então era o meu primeiro cdzinho. Tenho um carinho muito grande por esse álbum também. Por fim, vou colocar também o álbum do Timbaland. Pra mim é muito especial, marcou minha adolescência, trabalhei com ele, então por isso coloco um álbum que chama Shock Value.
Lolla BR | Giovanna Moraes – “Sou uma metamorfose ambulante, estou sempre mudando”
Com letras afiadas, presença de palco intensa e uma mistura sonora que transita entre o experimental e o rock visceral, a cantora Giovanna Moraes se prepara para um dos momentos mais marcantes de sua carreira: sua estreia no Lollapalooza Brasil. A apresentação acontece neste domingo (31), e promete ser um cartão de visitas impactante para quem ainda não conhece a potência artística da paulistana. “Vão ser gloriosos 45 minutos”, ela antecipa, animada. Com dois álbuns disponíveis nas plataformas e um histórico de reinvenção constante, Giovanna Moraes levará ao palco do festival faixas como As Minas no Poder, Bloquinho de Notas e Valentina — esta última, uma composição sensível sobre sua vivência com bulimia na adolescência. “Quero que as pessoas se sintam acolhidas e se identifiquem”, afirma. Giovanna Moraes também prepara surpresas no setlist, com músicas inéditas e medleys que refletem seu processo criativo livre, intuitivo e sempre em mutação. “Sou uma metamorfose ambulante”, diz. De um passado mais experimental, com influências que vão de King Crimson a Elis Regina, até um presente mais enraizado no rock alternativo com distorções vocais e atitude punk, Giovanna Moraes construiu seu caminho na marra — de forma independente, sem seguir as fórmulas do “music business”. Em conversa exclusiva com o Blog n’ Roll, Giovanna Moraes falou sobre as expectativas para o festival, o machismo persistente na cena roqueira, seu processo de composição e a importância de ocupar espaços como o do Lolla com autenticidade, coragem e presença feminina. Imagino que você esteja bem empolgada, né? Nossa, tô muito empolgada! Num momento especial como esse. Foram muitos anos até chegar até aqui. E vai passar muito rápido, vai passar rápido demais. O lance é aproveitar bem o tempo que tem. Você já sabe quanto tempo vai ter lá, não? Acho que é 45 minutos o set, curtinho. Vão ser gloriosos os 45 minutos. O público que está chegando ali no festival está lá por algum headliner e tal. Só que aproveitando bem esse momento, a gente sabe que pode fazer uma mudança, fazer a galera ir atrás, consumir mais o teu som. É o momento de dar aquele cartão de visitas legal. Eu tô fazendo algumas coisas um pouco diferentes. Vai ter As Minas no Poder, que é a minha música lá do calmativo. Vai ter Bloquinho de Notas: ‘na moral, eu sou original, você é a cópia’. Valentina, que é uma música que fala sobre a minha bulimia na adolescência e que conversa com muitas meninas que acabam entrando nesse sistema de sentir que elas estão erradas num mundo que às vezes deveria acolher mais do que apontar o dedo e dizer que a gente não é normal. Porque a gente não se encaixa dentro dos padrões da sociedade. Quero trazer um pouquinho de música nova também, algumas das outras tô preparando um medley. Em vez de tocar a música inteira, tô juntando e fazendo uma brincadeira um pouco diferente. As músicas têm muito disso de experimentar, como é o processo criativo. Você comentou que já está preparando músicas novas. Como é esse teu processo de composição? Tenho dois álbuns lançados no Spotify, mas tenho muito mais coisa que tirei do Spotify. Antes dessa Giovanna Moraes sair, eu fazia um som meio experimental. Fiz dois álbuns com uma pegada experimental, um que era em inglês e o outro que tinha uma pegada um pouco mais de brasilidade, mas era outra fita, teclado e um bagulho que é difícil de reproduzir ao vivo. E daí fui me encontrando dentro do rock por causa do show, sabe? Porque no momento de colocar e entender como aquelas músicas iam ser no palco. A partir daí já tirei o teclado, coloquei uma guitarra e fui ficando com essa cara mais rock’n’roll. É um caminho muito doido, muito longo até chegar até aqui. E o meu processo é de estar criando sempre, experimentando coisas novas, muito dessa pegada do improviso, de às vezes estar cantarolando e ver o que vem. Às vezes vem alguma melodia, ideia de provocação e daí anoto. Logo depois, repenso e recrio mais pra frente. Tenho muito isso mesmo desse processo de estar criando o tempo inteiro. A inspiração acho que vem de todos os lugares. Vem de um papo aqui com você, vem de algum comentário nas mídias sociais, um filme ou de uma história que ouvi na notícia. Pretende lançar mais álbuns ou focar nos singles? Não sei se vai ter um álbum por ano, não gosto muito dessa pressão de álbum. Mas música nova o tempo inteiro vai, porque gosto de fazer isso e acho que é massa poder ter um registro do crescimento do artista. Tem pelo menos umas seis músicas que estou pra lançar esse ano. Talvez algumas antes do Lolla, talvez algumas logo depois do Lolla. Não tô querendo chamar de álbum, porque não tenho um nome para essa coletânea ainda. Mas é isso, tem coisas novas. Trabalhar mais os singles é uma forma de atender o algoritmo das plataformas de streaming? Quando fui fazer o Fama de Chata, álbum que lancei em maio do ano passado, ele começou, na verdade, com uma música, Fala na Cara. Experimentei um negócio com uma linguagem um pouco mais agressiva, falando coisas que achava que não podia falar, e o negócio repercutiu muito. E daí fiquei um tempo meio que digerindo e pensando o que mais que essa chata tem pra dizer? Então já tinha essa ideia do nome do álbum, Fama de Chata, com esse conceito de trazer as coisas que gostaria de falar. Hoje não tenho um conceito para um novo álbum, mas talvez tenha um pouco mais pra frente. Tenho essas músicas e elas combinam desse jeito. Posso pegar algumas que já lancei, fazer algumas novas e juntar num álbum. Mas, por enquanto, quero estar lançando música nova, porque às vezes fica na gaveta por muito tempo e deixo de gostar. Sou uma metamorfose ambulante, estou sempre mudando. Não sou muito music business, não tô fazendo single pra
Lolla BR | Charlotte Matou um Cara – “Antes era bonito ser machista e escroto. Hoje é velado”
A banda Charlotte Matou um Cara está prestes a viver um dos momentos mais marcantes de sua trajetória: uma apresentação no Lollapalooza Brasil. Com dez anos de estrada no cenário underground, o grupo tem conquistado reconhecimento com suas letras combativas e sua sonoridade intensa. Em entrevista ao Blog n’ Roll, as integrantes Dori (bateria) e Camis (baixo) falaram sobre a expectativa para o festival, o impacto da viralização no TikTok e a importância de ocupar espaços na cena punk e hardcore, historicamente dominada por homens. O convite para o festival, aliás, pegou a banda de surpresa – tanto que, no início, acharam que fosse um golpe. “A gente até pesquisou para ver se era real, porque parecia bom demais para ser verdade”, conta Dori. Mas era oficial: o Charlotte Matou um Cara subiria ao palco de um dos maiores festivais do país, levando seu punk combativo e sua energia visceral a um novo público. O setlist do show promete um panorama completo da discografia da Charlotte Matou um Cara, com músicas dos dois álbuns e uma participação especial. “Vai ser um show para quem já nos acompanha e também para quem conheceu a gente pelo viral”, explica Camis. A viralização, aliás, foi um fenômeno inesperado: “Descobrimos porque o filho da nossa vocalista avisou que tinha vários vídeos com a nossa música rolando no TikTok”, explica Dori. Confira a entrevista completa abaixo. Como está a expectativa para o Lollapalooza? Camis: A gente está completando dez anos, tocou em vários palcos, vários lugares. A trajetória no underground é bem extensa. Mas um palcão assim, num festival tão grande quanto o Lollapalooza, é algo bem novo para a gente. É um grande festival que a gente talvez só tinha no imaginário. Como chegar nisso dentro de uma cena underground? É bastante maluco. Tá meio que caindo a ficha ainda, assim. Acho que só vai cair a ficha mesmo no Lollapalooza. Dori: O convite do Lollapalooza acabou vindo por conta dessa viralização do Punk Mascuzinho que a gente teve no TikTok. Vocês já têm um set definido? O que o público pode esperar do show da Charlotte Matou um Cara? Dori: A gente vai tocar praticamente os dois discos completos. A gente também conta com uma participação especial de uma pessoa que foi bem importante para a nossa existência. Camis: O repertório está bem legal, é uma hora de show. Acho que ficou pouquíssimas coisas de fora. Então, tanto pra quem já conhece a banda, quanto para quem veio pelo viral, acho que vai gostar muito do que a gente vai apresentar. O viral do Charlotte Matou Um Cara fala sobre um tipo muito comum no cenário punk, o machão hipócrita que não segue “o que defende”. Vocês conseguem enxergar alguma melhora no cenário punk hardcore se comparado com 20 anos atrás? Camis: Acho que está mais mascarado. Antes era bonito ser machista e escroto, deixava o cara bem com os amigos. Mas hoje é um pouco mais velado, porque não pega muito bem. A gente sabe que na rodinha dos caras, quando não tem mina envolvida, ainda rola muita conversinha, tem essa questão do stage dive e tudo mais. Nos nossos shows, a Déa sempre fala: ‘reserva espaço para as minas, chama as minas para frente’. Tem que ser um espaço mais acolhedor. Então, assim, na superfície melhorou, mas a gente sabe que muita coisa ainda precisa ser feita para melhorar. Dori: Na cena é muito velado, muito pela punição. Hoje a gente não fica mais calada, querendo ou não, rola um apontamento imediato, principalmente, nos nossos shows. Toda vez que a gente toca, sempre quando acontece alguma coisa que não está legal ali no meio, inclusive no stage dive, aquela coisa da turma se empolgar e tal, a gente acaba parando o show na hora. Para, observa, percebe o que rolou e pede o afastamento dos caras. Não que eles não sejam bem-vindos, porque acho que o importante é o fortalecimento. As mulheres precisam do apoio dos homens. Camis: Nosso show é para as mulheres. Se for para ter alguém segurando a mochila, que sejam os caras segurando as mochilas das mulheres lá no fundo, porque sempre foi o inverso. As mulheres, namoradas, lá no fundo, enquanto os caras ficavam na roda. O nosso show também é um grito, um berro para furar essas barreiras. A gente está com muita raiva e queremos pôr para fora essa história toda. Tem que chegar meio na cotovelada ainda para poder angariar um espaço. E o que que você acredita que pode ser feito para melhorar isso? Camis: Não tem uma cartilha de bons modos, tal como os Dez Mandamentos de Como… Mas acho que os caras darem suporte é um ponto muito importante. É suportar as mulheres, dar apoio, deixar no momento de fala as meninas falarem, não interromper as mulheres enquanto elas falam, sabe? Não tirar sarro porque é uma dor que não dói nas pessoas. Acho que as pessoas acabam se esquecendo de certas situações e deixam passar. E é por isso que existe toda essa luta até hoje, e vai permanecer. Acho que estou para morrer e não vou ver uma grande evolução. Se for pensar, tantas mulheres aí que vieram para a revolução feminista e morreram na luta. Hoje está numa quarta onda feminista dentro de um cenário, inclusive, que foi um livro que a Heloísa Buarque de Holanda escreveu, o Explosão Feminista, e ela cita a Charlotte Matou um Cara. Dá até umas engasgadas quando a gente tem que falar o que os caras têm que fazer para ajudar, né? Mas é necessário estar na força juntos, a união faz a força como um todo. Se a gente está num campo progressista, acho que é para tudo que seja o melhor. O último álbum da Charlotte Matou um Cara é Atentas, de 2021. O fato da Déa (vocalista) morar na Alemanha é um complicador na hora de pensar no sucessor? Camis: Quando a gente lançou o segundo disco,
Lolla BR | Picanha de Chernobil – “O comércio local se beneficia muito com as bandas”
O Picanha de Chernobil nasceu em Porto Alegre, mas foi em São Paulo que a banda consolidou sua identidade e ganhou espaço na cena musical independente. Com uma trajetória marcada pela performance nas ruas da capital paulista, o trio encontrou na Avenida Paulista um palco natural para sua sonoridade, que transita pelo blues, rock e psicodelia. Agora, Matheus Mendes (vocal e baixo), Chico Rigo (guitarra) e Fernando Salsa (bateria) estarão no Lollapalooza Brasil. A banda se apresenta no sábado (29), às 12h, no Palco Samsung Galaxy, que terá Alanis Morissette como atração principal, às 20h10. Ao longo dos anos, o Picanha de Chernobil enfrentou diversos desafios, desde mudanças na formação até a recente tentativa de restrição à música de rua na cidade. Mesmo com as dificuldades impostas por regulamentações e pressões políticas, a banda segue na luta pelo direito de se apresentar nos espaços públicos. Paralelamente, o reconhecimento de sua trajetória os levou a grandes festivais, incluindo o Rock in Rio e turnês internacionais. Em entrevista ao Blog n’ Roll, Matheus Mendes falou sobre a origem do Picanha de Chernobil, a experiência de tocar na rua, os desafios impostos pela prefeitura de São Paulo e a expectativa para o show no Lolla. O Picanha de Chernobil surgiu em Porto Alegre, mas ganhou mais destaque quando veio para São Paulo. Como foi esse início? A gente era bem iniciante em Porto Alegre. É muito diferente o cenário das bandas, era outro universo. Não dá nem para comparar. A gente era bem mais jovem também, mas foi legal. A gente fez o Circuito Fora do Eixo, viemos para São Paulo e conhecemos bastante gente, acabou dando um incentivo para a gente vir morar aqui. A ideia de vir para São Paulo foi aquela padrão de toda banda que está fora do eixo Rio-São Paulo: ter mais visibilidade, mais oportunidades? Foi, total. Tínhamos muito mais gente aqui, era um universo a se explorar. Lá estava fechando muita casa. Está foda ainda, Porto Alegre desmantelou muito. Parte da cultura e tal, oportunidade de show, rádio, fechou tudo. Antigamente não, era bem promissor. Teve várias fases em Porto Alegre, mas nunca foi o polo do mainstream. Sempre foi uma referência pela quantidade de bandas boas que surgiram por lá desde os anos 1980. Realmente, sem dúvida, mas isso foi enfraquecendo com o tempo. Mudou muito o mundo, e também a cabeça dos jovens. Porque a música sempre foi consumida pelas camadas mais jovens. O pessoal precisa consumir mesmo, ir nos shows, comprar as coisas, ficar falando. O lance de tocar na rua começou em São Paulo? Ou o Picanha de Chernobil já fazia isso em Porto Alegre também? Em Porto Alegre rolava para algumas bandas. Eu até acompanhava, era um negócio bem provinciano. Aqui em São Paulo já era bem diferente. Como a cidade já tem muito ruído, a gente começou a levar amplificadores e tal, e fazer uma coisa que não tínhamos visto ainda, uma banda de rock tocando na rua. E começamos ali no (Largo do) Paissandu, só que era bem legal, eu ia em galera, não tinha muita noção do que estava fazendo. Mas 2014 foi muito revelador para nós, muito produtivo do ponto de vista de saber os nossos limites na rua. A lei da música de rua estava sendo promulgada. Com a entrada do (Fernando) Haddad e da Nádia (Campeão), como vice-prefeita, eles deram um gás nisso. E em 2015 a gente já começou a fazer totalmente diferente. Começamos a tocar todo dia, a gente ia no Centro de São Paulo tocar no horário do almoço dos trabalhadores. Meio-dia, 13h, das 10h até umas 14h. Depois, passamos a levar violão, contrabaixo acústico, aquele rabecão, bateria reduzida, uma coisa bem mais tranquila, mais acústica, até para não causar muito alvoroço. Foi a partir de 2016, já com a Paulista Aberta, que a gente começou a tomar essa forma atual de banda, algo mais padronizado, como o público vê hoje. Essa proibição recente na Paulista afetou o Picanha de Chernobil? Estão conseguindo tocar? Como somos a banda que está há mais tempo na rua, em grupo de trabalho com a prefeitura, a gente está discutindo alguns pontos para melhorar. Na verdade, não rolou uma proibição, rolou uma ação da prefeitura, meio arbitrária, baseada num termo de ajuste de conduta. Ele diferencia o que é evento e o que não é. E aquilo foi usado contra nós, através da polícia de choque. Desde o ano passado está tendo uma resistência da prefeitura contra os artistas. Mas isso está cessando porque como a gente reuniu as pessoas, estamos na luta para promulgar a lei. Mas não temos o poder de regulamentar, nem autoridade para isso. Então estamos buscando apoios para isso. Em 2025, todo músico de rua usa equipamento de som. A gente está na maior cidade da América do Sul, uma metrópole. Como é que a gente vai cantar tudo no gogó, né? É difícil, ninguém é o Pavarotti. Mas, respondendo sua pergunta, tem três semanas que rolou aquele negócio de proibir, mas faz duas semanas que a gente tem tocado na Paulista. Tudo indica que a gente vai conseguir manter. A gente é muito educado, todo mundo ali da música de rua é muito educado. Tenta conversar, dialogar, explicar. E a gente tem argumentos muito válidos pra cidade, para a economia também. Acho que o que mais pega é o ponto da economia, né? E realmente gera muita grana, para os próprios, para as lojas. O comércio local se beneficia muito com as bandas, com a arte rolando. E no meio desse impasse para tocar na rua, o Lollapalooza chamou o Picanha de Chernobil. Como foi esse convite? A gente foi no Caldeirão do Huck, Sabrina Sato, Roberto Justus, Ratinho. Fomos para a Europa três vezes, estamos vendo de irmos a quarta ainda este ano. Lollapalooza é uma construção de dez anos, dez anos se fudendo muito: na chuva, no sol, de tudo que é jeito. Essa construção tem a ver
Nostalgia, técnica e hits marcam show do Garbage ao lado do L7 e The Mönic
Em sua quarta passagem pelo Brasil (veio em 2012, 2016 e 2023), o Garbage retornou acompanhado das veteranas do L7 e ainda adicionou a brasileira The Mönic (leia sobre esses dois mais abaixo) para compor a programação, no último sábado (22), no Terra SP, em São Paulo. Com a casa lotada, o evento foi uma grande celebração do rock and roll dos anos 1990. Shirley Manson, com um figurino extravagante, como já é de costume, entregou uma apresentação memorável. Deu grande atenção para os dois primeiros álbuns da carreira, Garbage (1995) e Version 2.0 (1998), ambos com seis músicas cada no set. Ao longo dos 90 minutos de show, Shirley Manson não escondeu a alegria de reencontrar um dos públicos mais fiéis da banda. Totalmente recuperada da cirurgia que fez no quadril em 2023, ela falou sobre a “honra de ter o L7 na mesma turnê”, além de fazer discursos fervorosos de apoio à comunidade trans e minorias, mesmo em tempos tão sombrios no mundo. A sinergia entre Shirley e seus parceiros de longa data, Duke Erikson (guitarra), Steve Marker (guitarra) e Butch Vig (bateria) facilita muito o entendimento no palco. As canções soam como se estivessem sendo reproduzidas do álbum. O único empecilho nesse meio foi a mesa de som. No início da apresentação, principalmente, Shirley cobrou com gestos discretos uma melhora no som. A baixista Nicole Fiorentino, com passagens por Veruca Salt e Smashing Pumpkins, é a novidade. Caiu muito bem nessa formação e mostrando muita técnica nas linhas de baixo. No dia 30 de maio, o Garbage lançará o álbum Let All That We Imagine Be The Light, sucessor de No Gods No Masters (2021). Mesmo faltando pouco mais de dois meses para a chegada do disco, Shirley e companhia optaram por não testar nenhuma novidade em São Paulo. Para quem foi pela nostalgia, o show foi um prato cheio, com hits do início ao fim. Queer abriu a apresentação, que ainda contou com Vow, Special, Stupid Girl, Only Happy When It Rains (que há anos tem uma introdução mais acústica), I Think I’m Paranoid, Cherry Lips (Go Baby Go!), Push It e a conclusão com When I Grow Up. Aliás, When I Grow Up, foi responsável pela única frustração dos fãs, que esperavam que Shirley fosse para o meio da galera, tal como fez no Rio de Janeiro, na noite anterior, mas não rolou. No entanto, nada que tire o brilho da apresentação. O Garbage sabe como agradar o público brasileiro e faz isso como poucos. Certamente entregou um dos melhores shows da temporada. E ainda estamos em março. L7 esquenta público para o Garbage Em entrevista ao Blog n’ Roll, a vocalista e guitarrista do L7, Donita Sparks, já havia adiantado: o álbum Bricks Are Heavy teria grande destaque no repertório do show em São Paulo. Das 16 faixas, seis vieram do maior sucesso comercial do grupo, lançado em 1992. Instituição do punk rock californiano, o L7 está na estrada celebrando os 40 anos de carreira. E mesmo que lançar álbuns não seja mais uma prioridade, muito em função da falta de tempo e dinheiro, a banda segue com a mesma intensidade dos anos 1990, quando estreou no Brasil, no Hollywood Rock 1993. Donita Sparks, Suzi Gardner, Jennifer Finch e Demetra Plakas dividem o protagonismo ao longo do show. Com exceção da última, todas cantam pelo menos uma canção de destaque da discografia do L7. >> LEIA ENTREVISTA COM DONITA SPARKS, DO L7 Mas queria destacar a presença de Jennifer Finch ao longo da apresentação, que teve pouco mais de uma hora de duração. A baixista entrou no palco de salto alto, chutou longe antes de iniciar o show e passou os 60 minutos descalça, indo de um lado para o outro, interagindo com as integrantes da The Mönic, que estavam no pit, além de ter mostrado muita intensidade nas linhas de baixo e nos vocais. Logo após Fast and Frightening, música que encerrou o show, Jennifer calçou o salto novamente e foi embora. Em Pretend We’re Dead, maior hit da banda, Lovefoxx, vocalista do Cansei de Ser Sexy, subiu ao palco quase que no susto. Não parecia estar acreditando na situação e não soube nem o que fazer enquanto esteve ao lado de Donita, que a incentivou a cantar junto. Para os fãs foi um pouco decepcionante a entrada de Lovefoxx em cena. Na pista alguns se disseram frustrados com a não participação do Garbage no show do L7, como ocorreu na noite anterior, no Rio de Janeiro. Mas a mini tour do L7 com o Garbage no Brasil, que incluiu também shows no Rio de Janeiro e Curitiba, teve um gosto especial para as integrantes. Tal como havia comentado na entrevista para o Blog n’ Roll, Donita queria que Butch Vig, produtor de Bricks Are Heavy e baterista do Garbage, escutasse as canções 33 anos depois de sua gravação. Certamente ficou orgulhoso. O L7 soa atual e intenso tal como no início dos anos 1990. Edit this setlist | More Garbage setlists The Mönic A banda paulistana The Mönic foi a responsável por abrir os trabalhos no Terra SP. Com um show de 30 minutos, o grupo conseguiu mostrar um pouco de sua trajetória para um público que abraçou a banda do início ao fim. O show marcou o retorno de Daniely Simões, que havia sido substituída por Thiago Coiote em 2021. De volta à bateria, Daniely demonstrou muita alegria no banquinho, nem parecia estar longe do The Mönic há quatro anos. O repertório foi todo em cima do segundo álbum de estúdio, Cuidado Você, lançado em 2023. Foram sete das 11 músicas do disco no setlist. A oitava canção tocada no Terra SP foi Marte, single divulgado no ano passado. Aposta da Deck, a The Mönic tem em sua linha de frente Ale Labelle (guitarra e voz), Dani Buarque (guitarra e voz) e Joan Bedin (baixo e voz). E foi Dani quem mais colocou pilha no público, indo para o meio
“O Calendário do Rock Brasileiro”: Paulo Marchetti lança livro de efemérides musicais
Em 2025 o rock nacional completa 70 anos, e para marcar esses dados, Paulo Marchetti anunciou o lançamento do livro O Calendário Do Rock Brasileiro, que reúne uma coleção de efemérides com mais de 1.800 fatos dos mais diversos, que cobrem os 365 dias do ano, de 1º de janeiro até 31 de dezembro. Em O Calendário do Rock Brasileiro há dados curiosos, dados importantes, há os lançamentos dos grandes clássicos; os problemas entre polícia e artistas desde as confusões da Jovem Guarda, nos anos 1960, até a prisão dos integrantes do Planet Hemp, em 1997; os primeiros artistas de rock do Brasil como Bob Bolão, Betinho e Seu Conjunto, Ronnie Cord, The Snakes, The Clevers; os álbuns, festivais e toda história do progressivo e psicodélico de 1970, e os grandes nomes das gerações 80 e 90. O livro inclui ainda, uma cena alternativa desde os anos 1950. “Fazer sozinho um documento desse tamanho não foi fácil, é uma responsabilidade enorme, inclusive com os detalhes” , revela Marchetti, que lançou o livro de forma independente. “Cada dados traçado a busca de outras fontes precisava e possível encontrar dentro das minhas possibilidades. Não foi apenas pesquisa, foi também investigação. Ir atrás de cada artista, de cada década, de toda discografia de todas as cenas musicais, inclusive que envolve os formatos compactos e EP; pesquisar sobre os membros de todas as bandas desde 1955, isso em um período que a imprensa ainda não tinha arquivo digital, época em que o conteúdo da internet ainda estava sendo construído, e que linda idas a bibliotecas e bancos de dados de jornais; caça de conteúdo em sebos literários e de discos de vinil, enfim, todos os modos confiáveis que possam enriquecer minha coleção de efemérides”. O trabalho de Marchetti, que teve início em 1998 e complexidade, dedicação e muita personalidade, compilado em 358 páginas, a maior parte dos acontecimentos que escrevem a história do rock brasileiro, através do dia a dia, neste calendário, que é o 1º do gênero no Brasil. A pesquisa priorizou o período pré-internet, entre 1955 e 2000, mas há muitos acontecimentos importantes de 2000 a 2024. “Comecei a juntar algumas efemérides de forma curiosa, durante meus trabalhos de direção, pesquisa e texto na MTV Brasil, onde estive entre 1993 e 2000. Foi no arquivo da MTV que conheci livros que abordam unicamente efemérides do rock desde os primeiros ídolos do blues até aquele momento, início dos anos 1990” , conta o autor. Nascido em Piracicaba (SP) em 1970, Paulo Marchetti é diretor artístico e diretor de conteúdo para televisão e projetos especiais. Atualmente na TV Cultura, já passou pela MTV Brasil, SBT, Band, Discovery, History, Multishow, Disney e Record. Morou em Brasília (DF) de 1974 a 1987 e cresceu com a Turma da Colina, assistindo aos primeiros ensaios e shows de Plebe Rude, Capital Inicial e Legião Urbana. Formou os Filhos de Mengele em 1985, banda de punk rock da qual Digão foi baterista, antes de se dedicar aos Raimundos, já como guitarrista. Em 2001, Marchetti lançou seu primeiro livro, O Diário da Turma 1976-1986: A História do Rock de Brasília (Conrad, 2001 e Pedra na Mão, 2013). O livro faz parte do acervo da biblioteca da Universidade de Berkeley, na Califórnia (EUA), um dos poucos em língua portuguesa. De acordo com o autor, O Calendário Do Rock Brasileiro é um livro diferente, mas com farto conteúdo para as mídias que trabalham com música e cultura jovem. “Este não é um livro pra ficar na estante, mas sim em cima da mesa, para consultar diariamente. É um livro atemporal que vai deixar viva a memória do rock brasileiro em seus mínimos detalhes e que, com a distância do tempo, ganhará mais valor”, alerta. Livro: O Calendário do Rock Brasileiro (358 páginas)Autor: Paulo MarchettiEditora: Lançamento independentePreço: R$ 100,00 + R$ 15,00 (envio)Para comprar: calendárioiodorockbr@gmail.com