Deep Purple anuncia novo álbum “Splat!” para julho
Com mais de 120 milhões de álbuns vendidos e um lugar cativo no Hall da Fama do Rock, o Deep Purple provou que não está interessado em apenas viver do passado. A banda anunciou oficialmente o seu novo álbum de estúdio, Splat!, que será lançado em 3 de julho pela earMUSIC. Em uma declaração empolgante, o frontman Ian Gillan afirmou que esta encarnação da banda soa como uma versão atualizada do Deep Purple do início dos anos 70. “Estamos de volta com um material compatível com Highway Star, Smoke on the Water e Lazy. A dinâmica, o equilíbrio e a diversão da música que fizemos entre 69 e 73”, revelou o vocalista. Som mais pesado em décadas em Splat! Para garantir que o espírito clássico fosse capturado, o grupo uniu forças novamente com o lendário produtor Bob Ezrin (KISS, Pink Floyd, Alice Cooper). O diferencial de Splat! é que a banda gravou tocando junta no estúdio, priorizando a pegada orgânica e a improvisação coletiva. Segundo Gillan, o resultado é o disco mais pesado que o Deep Purple lançou em muitos anos. Metamorfose O título e o conceito do álbum foram concebidos por Gillan. Longe de ser um disco apocalíptico comum, Splat! imagina o fim da humanidade não como destruição, mas como uma transformação, uma metamorfose para além da existência física. É uma abordagem filosófica que será revelada em capítulos nas próximas semanas. Turnê mundial O álbum chegará em diversos formatos, incluindo edições limitadas em vinil roxo e amarelo transparente, além de um Box Set de Luxo que inclui discos de 10 polegadas com gravações ao vivo da tour de 2024 e o single exclusivo em 7 polegadas Guinnesis. Para celebrar o lançamento, o Deep Purple seguirá com sua massiva turnê de 2026, com 86 shows programados em 28 países, incluindo uma passagem pelo Brasil em dezembro. Tracklist de “Splat!” (CD/2LP) Lado A Lado B 5. The Only Horse In Town 6. Sacred Land 7. The Beating Of Wings Lado C 8. Guilt Trippin’ 9. Scriblin’ Gib’rish 10. Jessica’s Bra Lado D 11. Third Call 12. My New Movie 13. Splat!
Versalie Waltz lança o visceral álbum de estreia “Whispers”
Direto da Zona Oeste de São Paulo, a banda Versalie Waltz acaba de colocar no mundo seu primeiro álbum completo, Whispers. Lançado pelo selo Red Star Recordings, o disco de dez faixas não é apenas uma coleção de canções, mas uma obra conceitual que mergulha em um arco fictício inspirado nos tumultos da Revolução Francesa. Segundo o guitarrista Mateus Bonini, o álbum questiona se os grandes movimentos sociais são puramente espontâneos ou se existem “influências externas”, inclusive de ordem sobrenatural, manipulando a sociedade. É nessa dualidade entre livre-arbítrio e instinto que a banda constrói sua lírica potente. “Haunted” Para promover o lançamento, o grupo escolheu a faixa Haunted, que chega acompanhada de um videoclipe dirigido por Ivan Shupikov. A estética é um deleite para os fãs de cinema: o vídeo bebe diretamente da fonte do terror oitentista, com referências visuais claras a clássicos como Suspiria e O Iluminado. Musicalmente, Haunted entrega um hard rock vigoroso, explorando desejos reprimidos e uma atmosfera sombria que já se tornou marca registrada da banda, composta por Jhey Rose (vocais e teclados), Victor Bittencourt (baixo), Diego Tetti (guitarra), Guilherme Fioravanti (bateria) e Mateus Bonini (guitarra). Produção orgânica e analógica Gravado na Red Star Studios sob o comando de Henrique Khoury, Whispers foca em uma captação orgânica. A banda optou por priorizar amplificadores reais e uma estética analógica, distanciando-se das produções excessivamente digitais para garantir que o som soasse tão cru e real quanto a narrativa que propõem.
Black Pantera eterniza show histórico no Circo Voador e lança primeiro audiovisual da carreira
O Black Pantera lançou o primeiro registro audiovisual da carreira com Resistência! Ao Vivo no Circo Voador, já disponível nas plataformas digitais. Gravado no dia 19 de novembro do ano passado, véspera do Dia da Consciência Negra, o trabalho documenta uma das apresentações mais simbólicas da trajetória do trio mineiro, que celebrou 11 anos de estrada em uma noite histórica no Circo Voador. Formada em Uberaba, em 2014, a banda se consolidou como um dos principais nomes do rock e do metal brasileiro contemporâneo ao unir punk, hardcore e heavy metal com letras marcadas por posicionamentos antirracistas e sociais. Atualmente composto por Chaene da Gama, Charles Gama e Rodrigo “Pancho” Augusto, o grupo transforma o palco em espaço de resistência, discurso político e catarse coletiva, algo que ganha ainda mais força neste lançamento ao vivo. O repertório de Resistência! Ao Vivo no Circo Voador reúne versões intensas de músicas como Perpétuo, Candeia, Tradução, Padrão É O Caralho e Mosha, além dos singles Fogo nos Racistas e Cola, já apresentados anteriormente. O material também chega acompanhado dos clipes de Intro/Padrão É o Caralho, Candeia/Estandarte e Mosha, enquanto os vídeos das demais faixas serão disponibilizados gradualmente no canal oficial da banda até 15 de junho. Segundo Chaene da Gama, em entrevista ao Blog N’ Roll no dia seguinte à gravação, o lançamento representa o encerramento de um ciclo importante dentro da trajetória do Black Pantera. “Foi uma noite histórica de celebração, de conquista, de vitória. Uma luta que já dura 12 anos, mas que vem antes de nós, antes dos nossos pais. Poder falar sobre questões tão pertinentes com essa seriedade é sempre uma honra”, comentou o músico sobre a apresentação registrada no Circo Voador. O baterista Pancho destacou a conexão criada com o público carioca durante a gravação do audiovisual. “Cara, foi simplesmente surreal, de verdade. Em 11 anos de Black Pantera, aquele público do Rio de Janeiro estava extremamente conectado com a banda”, afirmou. Já Chaene ressaltou a estrutura envolvida na produção do projeto e o impacto emocional daquela noite. “Foram 18 câmeras, uma equipe gigantesca gravando. Vai ficar lindo. Imagina a edição disso. Foi uma hora e vinte de catarse, foi histórico. Vocês vão ver quando sair. Esses foram os melhores shows da nossa vida, de verdade.” Além do lançamento nas plataformas digitais pela Deck, o show completo também ganhou exibição especial no Canal Bis, ampliando o alcance de um projeto que reforça a relevância artística e política do Black Pantera dentro da música brasileira contemporânea. O próximo grande show da banda será no Allianz Parque, no próximo sábado (16) como ato de abertura para o Korn.
Hibizco estreia com disco intenso e mergulhado no rock em português
A Hibizco lança nesta sexta-feira (8) o primeiro álbum da carreira, “De Te Mostrar Intenso”. Com dez faixas inéditas, o trio gaúcho aposta em um trabalho guiado por relações humanas, desejos, frustrações e amadurecimento emocional, tudo atravessado por uma sonoridade que mistura rock, emo, indie e pop rock em português. Produzido por Edo Portugal no Superlua Studio, em Porto Alegre, o disco foi construído a partir de um repertório de quase 60 composições. A banda cita nomes como Fresno, Wolf Alice, Paramore, Pitty e Skank entre as referências que ajudaram a moldar o álbum. O lançamento ao vivo acontece no dia 14 de maio, no Bar Ocidente, espaço que também aparece citado na faixa “Azul Roxo”.
Born to Kill traz um lado mais melancólico e intenso do Social Distortion
Quinze anos depois de Hard Times and Nursery Rhymes, o Social Distortion lança amanhã (8) Born To Kill, um álbum que soa como reencontro com a própria essência. Tivemos acesso ao álbum em primeira mão e trazemos aqui as primeiras impressões deste novo trabalho. Mike Ness não tenta modernizar a fórmula ou correr atrás de tendências. Pelo contrário. O disco abraça sem medo tudo aquilo que transformou a banda em referência do punk rock americano: guitarras melódicas, influência rockabilly, letras confessionais e aquela sensação constante de estrada, bares vazios e cicatrizes acumuladas pelo tempo. A faixa-título já deixa claro o tom do trabalho. Born To Kill chega agressiva, direta e com cara de clássico instantâneo da banda. No Way Out mantém a intensidade elevada, enquanto Partners In Crime reforça a mistura entre melodia e sujeira que o Social Distortion domina como poucos. O álbum inteiro passa uma sensação de honestidade rara, principalmente porque não tenta soar maior do que realmente é. Tudo funciona de maneira orgânica, sem exageros na produção ou tentativas artificiais de atualizar a sonoridade. O grande coração emocional do disco aparece em The Way Things Were. A música carrega o mesmo espírito de faixas clássicas como Story of My Life, trazendo Mike Ness revisitando o passado de maneira madura e melancólica. Existe um peso sentimental muito forte na composição, principalmente pela forma como ele canta sobre juventude, memória e transformação sem soar piegas. A interpretação vocal transmite desgaste e experiência, enquanto as guitarras criam uma atmosfera agridoce que encaixa perfeitamente na proposta do álbum. É uma música sobre olhar para trás entendendo que muita coisa mudou, mas sem perder a conexão com quem você foi um dia. Outro momento que chama atenção é a releitura de Wicked Game, clássico eternizado por Chris Isaak. É um cover comum e, confesso, quando vi que não era uma coincidência apenas de nome e sim uma versão, cheguei a torcer o nariz. Mas essa sensação acabou em segundos, pois em vez de apenas reproduzir a versão original, o Social Distortion transforma a faixa em algo completamente compatível com sua identidade. A banda deixa a música mais crua, mais soturna e carregada de tensão emocional. A voz rouca de Mike Ness funciona perfeitamente dentro dessa abordagem, trazendo um ar ainda mais decadente e melancólico para a composição. É o tipo de cover que faz sentido existir porque adiciona personalidade própria, não apenas reverência. Crazy Dreamer, Walk Away (Don’t Look Back) e Never Goin’ Back Again ajudam a manter a fluidez do álbum até o final, sempre alternando momentos mais explosivos com outros mais introspectivos. O mérito de Born To Kill está justamente nessa naturalidade. O disco não tenta reinventar o Social Distortion, mas também não soa cansado. Depois de tanto tempo longe dos estúdios, Mike Ness e companhia entregam um trabalho honesto, intenso e carregado de identidade. E no meio disso tudo, The Way Things Were e Wicked Game acabam funcionando como os grandes pilares emocionais desse retorno.
Rolling Stones anunciam o álbum “Foreign Tongues” e liberam o single “In The Stars”
Eles não param, e a gente agradece. Menos de três anos após o aclamado Hackney Diamonds, os The Rolling Stones provaram que o motor do rock ‘n’ roll continua em alta rotação. A banda anunciou oficialmente nesta terça-feira o lançamento de seu novo álbum de estúdio, intitulado Foreign Tongues, com data de estreia marcada para o dia 10 de julho via Capitol Records. Para acompanhar o anúncio, Mick Jagger, Keith Richards e Ronnie Wood liberaram o primeiro single oficial, In The Stars. A faixa traz de volta a energia vibrante e as guitarras entrelaçadas que são a marca registrada do grupo, agora sob a batida moderna da produção de Andrew Watt, o produtor “queridinho” dos veteranos que também assinou o disco anterior. Intensidade em Londres O álbum foi gravado em um período curto e explosivo no Metropolis Studios, em Londres. Segundo Mick Jagger, a banda registrou 14 faixas em poucas semanas. “Eu amo gravar na Metropolis. A sala não é muito grande, então você consegue sentir a paixão de todo mundo ali dentro”, revelou o frontman. Keith Richards destacou que o novo trabalho é uma continuidade natural da energia recuperada em 2023. “Foi um mês de soco concentrado. Para mim, é tudo sobre diversão. Sou abençoado por poder fazer isso e espero que dure por muito tempo”, celebrou o guitarrista. Já Ronnie Wood ressaltou o entrosamento do time: “Muitas vezes matamos a música no primeiro take”. Arte e mistério de Foreign Tongues A capa do disco leva a assinatura do artista Nathaniel Mary Quinn. Vale lembrar que, antes do anúncio oficial, os Stones já vinham pregando peças nos fãs: no último Record Store Day, lançaram a faixa Rough And Twisted sob o pseudônimo The Cockroaches, aguçando a curiosidade dos colecionadores.
Kneecap atinge o ápice com o visceral “Fenian”
O motor implacável do trio de Belfast, na Irlanda do Norte, Kneecap ganhou um novo e potente combustível. O grupo lançou seu segundo álbum de estúdio, Fenian (via Heavenly Recordings), consolidando-se não apenas como os provocadores que incendiaram o Glastonbury e o Coachella, mas como artistas operando no auge de sua técnica e sensibilidade. Produzido pelo mestre Dan Carey, o disco equilibra a inteligência mordaz e a energia caótica com uma visão artística mais sombria e confiante. Se nos últimos 12 meses o trio esteve no centro de furacões políticos por defender a liberdade palestina e lotar arenas em Dublin, Fenian prova que eles têm muito mais a dizer sobre a condição humana. “Irish Goodbye” O coração emocional do álbum bate mais forte na faixa Irish Goodbye. Acompanhada por um curta-metragem de 12 minutos dirigido por Thomas James, a música é um relato profundamente pessoal de Móglaí Bap sobre sua falecida mãe, que tirou a própria vida após lutar contra a depressão. A faixa conta com a participação de Kae Tempest, cuja entrega vulnerável adiciona uma camada de urgência poética ao tema. O vídeo não é um grito de raiva, mas um gesto de compaixão. “Não é um problema, eu só quero dizer que senti sua falta”, diz uma das frases centrais, resumindo a saudade das coisas mundanas: as caminhadas no parque e os conselhos do dia a dia. Importância da cura e da terapia em Fenian Em um relato corajoso, Móglaí Bap discute a complexidade do suicídio e a necessidade de quebrar o estigma da vergonha e da culpa. “O suicídio é difícil. Quando alguém morre assim, é difícil lembrar dos bons momentos. Você fica preso nos tempos sombrios”, desabafa o rapper. Para ele, o processo de escrita e a terapia foram fundamentais para “desbloquear” memórias felizes de sua mãe. O Kneecap usa sua plataforma para enviar uma mensagem clara às novas gerações: peça ajuda. “Muitos da geração de nossos pais não acreditam em terapia. Mas nós somos diferentes. Podemos pedir ajuda, devemos pedir ajuda”.
Tori Amos e a mitologia da tesistência em “In Times of Dragons”
Com mais de 35 anos de estrada e uma legião de fãs que a veneram como uma entidade do piano rock, Tori Amos acaba de entregar seu capítulo mais ambicioso. In Times of Dragons não é apenas um álbum, é uma narrativa alegórica que atravessa o coração dos Estados Unidos, transformando a crise política e pessoal em uma fábula de dragões e deuses. O álbum acompanha a fuga de uma mulher de um relacionamento opressor, uma metáfora que se expande para o embate entre a democracia e o que Tori chama de “Demônios Lagarto”, figuras que distorcem o conceito de liberdade para instaurar a tirania. Road trip espiritual de Tori Amos Ao longo das faixas, a protagonista percorre as estradas americanas encontrando aliados improváveis: de clãs de bruxas a gangues de motociclistas. A jornada culmina nos sagrados 23 Peaks, em Montana, onde, sob a proteção do deus celta Lugh, ela descobre que sua transformação não a tornou um monstro, mas sim uma poderosa meio-dragão capaz de enfrentar seus perseguidores. Temas de sangue e identidade Tori Amos mergulha fundo em temas que sempre orbitaram sua obra: a maternidade, a perda de identidade e o sagrado feminino. A sonoridade do disco reflete essa urgência, variando entre baladas etéreas de piano e arranjos mais rústicos e intensos, que emulam a força da natureza e o rugido das feras mitológicas que dão título ao trabalho.
Kacey Musgraves brilha no novo álbum “Middle of Nowhere”
Kacey Musgraves, detentora de oito prêmios Grammy, lançou seu sexto álbum de estúdio, Middle of Nowhere. Com 13 faixas inéditas, o projeto é uma celebração da redescoberta pessoal, embalado por um ritmo que convida à dança: o tradicional two-step texano, repaginado com a elegância moderna de Kacey. Para este trabalho, a artista se reuniu com os produtores Daniel Tashian e Ian Fitchuk, os mesmos nomes por trás do icônico Golden Hour. O resultado é uma coleção de canções que soam familiares, mas trazem um frescor inegável, focando em temas como liberdade, amor e a coragem de recomeçar. Redescoberta e leveza em Middle of Nowhere Middle of Nowhere é descrito como o trabalho mais honesto e bem-humorado da carreira de Musgraves. Após um período de introspecção, a cantora entrega letras que brincam com a própria jornada, mantendo a assinatura lírica que a tornou uma das compositoras mais respeitadas de sua geração. O lançamento foi antecedido por uma aparição surpresa no Coachella 2026, onde Kacey apresentou algumas das novas faixas e anunciou sua próxima turnê pela América do Norte, que deve ser uma das mais disputadas do ano. Edição física e colecionáveis Para os colecionadores de plantão, a UMusic Store já iniciou a pré-venda da versão física do álbum. Com encartes exclusivos e um design que reflete a estética “desértica-chic” do projeto, o disco promete ser um item essencial na estante de qualquer fã de country-pop.