Atração do Popload Festival, Laufey anuncia álbum com o single Tough Luck
Laufey, um dos fenômenos da música contemporânea, anunciou o aguardado álbum A Matter of Time com o intenso single Tough Luck. A artista, que será uma das principais atrações do Popload Festival em São Paulo neste mês, lançará o disco em 22 de agosto. “Cada novo álbum é como um caderno em branco para eu escrever novas histórias”, conta ela. “Tough Luck é uma música intensa sobre um amor que deu errado. Quis mostrar um lado mais raivoso — um lado que esse relacionamento infeliz despertou em mim”. Esse lado pessoal sempre foi um marco de Laufey. Ela fez de Everything I Know About Love (2022) um diário sobre o amadurecimento e o começo da vida adulta. Já no premiado Bewitched (2023), mergulhou profundamente nos amores da juventude. Agora, em A Matter of Time, ela cristaliza ainda mais sua sonoridade única com jazz, tons orquestrais e influência da bossa nova, com espaço para ousar e fugir de regras ou padrões rígidos. “Estou sempre pensando em música clássica e jazz, como preservá-los e prestar homenagem. Mas para este álbum, eu quis apenas deixar meu coração guiar”, diz Laufey. Para isso, ela trabalhou com dois co-produtores: Spencer Stewart, parceiro dos dois primeiros discos, e com o novo colaborador Aaron Dessner (conhecido por seu trabalho com Taylor Swift e The National). Essa liberdade sonora deu espaço para Laufey revelar novos lados de si, explorando temas mais densos. “As pessoas esperam uma fachada bonita, roupas delicadas, histórias fantasiosas e músicas românticas”, diz ela. “Desta vez, quis ver como poderia trazer à tona os lados mais falhos de mim mesma e encará-los de frente.” Incluindo a já lançada Silver Lining, A Matter of Time mostra Laufey em sua fase mais ousada — e também mais divertida — ao retratar amores reais em suas várias formas, e o que significa ser reduzida à sua versão mais vulnerável e ansiosa diante dele.
Counting Crows volta com tudo no álbum Butter Miracle, The Complete Sweets!
Uma das bandas mais queridas do rock alternativo dos anos 90, o Counting Crows lançou o álbum de estúdio Butter Miracle, The Complete Sweets!, que amplia os experimentos do aclamado EP Butter Miracle: Suite One (2021), combinando a narrativa envolvente do trabalho anterior com as composições profundamente pessoais do vocalista Adam Duritz e os arranjos sofisticados que fazem deles um dos grupos mais influentes do rock alternativo. O álbum do Counting Crows passa por reflexões sobre amizades, distância, identidade e reconexão. O single principal, Spaceman in Tulsa, explora a busca por identidade e como a música pode ser um refúgio transformador. Já em With Love, From A-Z, Duritz pinta o que chama de “um retrato do artista na meia-idade”, capturando os desafios de manter o amor e a amizade em uma vida passada na estrada. Canções como Boxcars e Angel of 14th Street abordam questões sociais, traçando paralelos entre as injustiças atuais e perseguições históricas. Já Virginia Through the Rain oferece traz um foco introspectivo, focando nos fracassos pessoais de um narrador imperfeito, enquanto Under The Aurora amplia o olhar para capturar o anseio coletivo por conexão durante a pandemia. Antecipada no EP, Elevator Boots narra a experiência de estar em uma banda — ilustrando de forma melódica as alegrias e dificuldades da vida na estrada. Encerrando o projeto, Bobby & The Rat-Kings é uma carta de amor ao poder formativo do fanatismo musical.
Com primeira turnê por arenas nos EUA à vista, Sleep Token lança Even In Arcadia
O Sleep Token lançou seu aguardado álbum Even In Arcadia, já disponível via RCA Records. Junto ao lançamento, a banda também divulgou um visualizer para a faixa-título, Even In Arcadia, que se apresenta como o ponto central do álbum, mesclando instrumentais arrebatadores e letras comoventes que capturam sua essência de transformação. Em Even In Arcadia, o Sleep Token entrega uma obra poderosa e visceral — que funde o mítico com o moderno, o sagrado com o selvagem. Através de instrumentais grandiosos e letras que exploram eclipses internos, deuses caídos e identidades despedaçadas, o álbum retrata o que é se desintegrar e se reconstruir em um mundo que exige transcendência. Do single final, Damocles, à catarse dolorosa de Gethsemane e Infinite Baths, Even In Arcadia é um testamento assombroso sobre transformação, amor e o preço de se tornar algo novo. Com a expectativa de ultrapassar ainda mais os limites do som e da emoção, dissolvendo-se em algo de outro mundo, o álbum mantém o ímpeto impulsionado por Emergence e Caramel — que atingiram o Hot 100 da Billboard, alcançaram o topo do Hot Hard Rock Songs Chart e ficaram em primeiro lugar no iTunes. Neste novo capítulo, a banda embarca em sua primeira turnê solo esgotada em arenas pelos EUA — a Even In Arcadia Tour — com paradas em 17 cidades. Promovida pela AEG Presents, essa será a única turnê principal do Sleep Token em 2025. A banda também fará uma apresentação no festival Louder Than Life, em 19 de setembro.
Desalmado resgata raízes agressivas no quarto álbum, Monopoly Of Violence
As raízes mais agressivas da experiente banda brasileira Desalmado emergem no novo álbum, Monopoly of Violence, o quarto da carreira, lançado nesta sexta-feira (2). São dez faixas de um death metal brutal e técnico, embaladas em uma produção contemporânea. Monopoly of Violence é o primeiro registro da nova formação, que apresenta João Limeira na bateria e Marcelo Liam como guitarrista principal, junto a Caio Augustus, o vocalista, e Bruno Teixeira, o baixista. O álbum foi gravado no estúdio Family Mob, um dos mais concorridos e bem equipados do Brasil, mixado e masterizado por Hugo Silva. Na parte lírica, o Desalmado faz uma leitura brutal do presente individual de cada integrante, mas, ao mesmo tempo, com uma visão macro da sociedade. Nesse contexto, Monopoly of Violence é um conjunto de músicas extremamente pesadas, que consolida a forma única do Desalmado de expressar seus ideais de luta e propósitos de vida com seu death metal mesclado ao hardcore. A crítica aos efeitos da crise capitalista na sociedade ocidental está mais presente do que nunca neste trabalho. A denúncia contra os grandes monopólios de tecnologia e seus danos sociais aparece em contextos que também abordam os novos modos de violência nas nossas relações. Musicalmente, o quarto álbum cheio do grupo entrega faixas com o groove e a agressividade do hardcore, alternando com a brutalidade do death metal. É um trabalho moderno e equilibrado dentro do estilo, em consonância com o que há de mais atual no universo do metal extremo. Assim como os dois últimos lançamentos (Mass Mental Devolution, de 2021, e Save Us from Ourselves, de 2018), Monopoly of Violence terá distribuição digital pelo selo alemão Blood Blast, braço da gravadora Nuclear Blast, uma das principais e mais bem-sucedidas editoras discográficas de música pesada no cenário global. Blood Thorns, videoclipe novo do Desalmado Como prévia do álbum, o Desalmado lançou no final de abril o videoclipe da música Blood Thorns. Blood Thorns traz blast beats com texturas sombrias dos riffs da escola death e black metal, mais pitadas do breakdown. A faixa representa o fim da história iniciada no clipe de No Peace, Only Death, o primeiro single de Monopoly of Violence. “É uma das mais bonitas e musicais do álbum, tem tudo na medida certa. É a trilha para olharmos para nossa essência, sangrar, sofrer e voltar mais forte”, comenta o vocalista Caio.
Entrevista | Dope Lemon – “Sinto que Golden Wolf parece realmente meio ensolarado e divertido”
O músico australiano Angus Stone está de volta com um novo capítulo de seu alter ego sonoro, o Dope Lemon. Em entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, Stone falou sobre o lançamento do álbum Golden Wolf, uma obra que marca não apenas uma evolução musical, mas também uma nova fase estética e conceitual do projeto. Gravado em seu recém-inaugurado estúdio Sugarcane Mountain Studios, uma mansão dos anos 70 com vista para campos de cana-de-açúcar, o álbum reflete um mergulho ainda mais profundo em atmosferas cinematográficas e existenciais. A faixa-título, Golden Wolf, foi o ponto de partida criativo do disco e, segundo ele, é uma meditação sobre mortalidade, legados e o que levamos, ou deixamos, ao fim da vida. O contraste entre grooves ensolarados e atmosferas mais introspectivas, marca registrada do Dope Lemon, permanece presente, mas agora com uma nova maturidade lírica e sonora. E para os fãs brasileiros, há boas notícias: o Dope Lemon pretende incluir o país na próxima turnê. “Já estive no Rio de Janeiro quando tinha 16 anos e foi mágico. Espero voltar em breve. Me digam pra onde devemos voar, porque queremos estar aí.” Confira entrevista com Dope Lemon na íntegra Como você definiria essa nova fase sonora e estética do projeto? É um trabalho de amor e cada disco é algo que você está constantemente aprendendo e crescendo. E esse disco para mim é isso. Parece apenas o próximo nível em que você está refinando seu conjunto de habilidades e as letras para mim são meu foco principal. Acabei de adquirir um novo estúdio de gravação aqui na Austrália chamado Sugarcane Mountain Studios. É uma mansão grande e linda dos anos 70 com vista para os campos de cana-de-açúcar. Parece que você está entrando em uma cápsula do tempo. E algo sobre isso para mim é ter um espaço onde parece que você está entrando em outro mundo, é como o que a música faz por mim. E imagino o que ela faz por outras pessoas quando você ouve uma música. Espero que ela te leve para longe e este espaço, faz isso por mim. Como foi o processo criativo de Sugarcat? Essa música surgiu antes ou depois do conceito de Golden Wolf? Tudo começou com Golden Wolf. Acho que essa música foi o catalisador para o que esse disco se tornou e se abriu para esse grande e lindo projeto que continuei e me certifiquei de ver até o fim. Seu álbum anterior, Kimosabè, refletia muito sobre sua juventude. Como foi essa transição de olhar para o passado para agora focar no futuro? Golden Wolf é sobre mortalidade e como eventualmente toda a nossa vida chegará ao fim. E acho que a música em si é sobre o que você faz quando chega lá e as coisas que você levará com você para o outro lado, quem é que o levará até lá, o que você deixará para trás. Para mim, é sobre essa transição para tentar fazer o melhor desta vida que podemos. E sim, espero que a próxima também. Seu projeto solo tem uma identidade visual bem definida. Qual é o papel da estética e dos videoclipes na construção do universo do Dope Lemon? Quando era mais jovem, sonoramente, fui inspirado por um certo artista e isso afetou minha música. Mas mais agora, me tornei mais uma pessoa visual de certa forma. Quando escrevo, parece que estou caindo em um filme, sendo o protagonista. É tudo sobre filmes agora. Quando assisto algo, sou inspirado por cair naquele universo do que alguém criou visualmente. Você pensa em fazer um filme? Às vezes fazemos esses videoclipes realmente divertidos e a qualidade deles é realmente muito especial. E às vezes, obviamente, você tem apenas três minutos e meio a quatro minutos para contar uma história e geralmente você apenas se diverte com isso. Mas às vezes penso sobre como seria superdivertido talvez contar uma história que seja um longa-metragem. Ao longo da sua carreira, você trabalhou com nomes como Winston Surfshirt, Will Ferrell e Adam McKay. Existe alguma colaboração dos sonhos que ainda deseja realizar? As colaborações têm sido uma jornada tão divertida. Toquei com Post Malone e Dua Lipa duas noites atrás. Ela me convidou para subir no palco e não sei, sinto que tem sido tão legal, que a música tem essa maneira linda de conectar as pessoas. E quando você é convidado para dividir o palco e colaborar com pessoas assim, isso realmente muda. Parece que o mundo é menor do que você pode imaginar e estamos todos conectados e a música tem uma maneira linda de unir as pessoas. O Dope Lemon sempre transitou entre um som mais ensolarado e grooves noturnos. Como você encontra esse equilíbrio dentro dos álbuns? Acho que cada disco muda de gênero, o clima também. Eles podem mudar bastante dramaticamente e também sutilmente, mas sinto que este parece realmente meio ensolarado e divertido. Isso me dá uma emoção quando o ouço. Seus fãs parecem ter uma conexão forte com o universo que você cria. Como você percebe essa relação e a maneira como sua música impacta as pessoas? É muito legal quando alguém se aproxima de você na rua, um estranho, e ele te conta sobre como a música o afetou. É muito lindo para alguém compartilhar o que passou, seja triste ou cheio de alegria. Acho que é outro daqueles momentos em que você percebe o quão especial é que todos nós podemos nos conectar em uma coisa, que é a música. É uma espécie de linguagem universal que une todo mundo. Há planos para uma turnê internacional com esse novo álbum? O Brasil pode esperar uma visita em breve? Sim, com certeza. Nós voamos ao redor do mundo no mês passado e fizemos alguns shows secretos. Agora estamos marcando datas para todos os lugares restantes. Espero que possamos ir para a América do Sul e outros lugares que já viajamos antes. Julia e eu já viajamos para lá antes e adoraríamos receber um
Lorde confirma Virgin, novo álbum de estúdio, para 27 de junho
Lorde anunciou oficialmente a data de lançamento de seu novo álbum, Virgin: dia 27 de junho. O primeiro projeto completo da artista neozelandesa em quatro anos promete uma evolução ousada no som e na forma como ela conta suas histórias. A pré-venda do álbum já está disponível. A novidade chega logo após o lançamento do single What Was That, coproduzido por Lorde, Jim-E Stack e Dan Nigro. Elogiada por sua energia crua e seu impacto instantâneo, faixa oferece uma prévia poderosa do universo sonoro que será explorado em Virgin. What Was That já causou um grande impacto, atingindo o primeiro lugar no Spotify nos EUA — o primeiro #1 de Lorde na plataforma desde Royals. Também alcançou o terceiro lugar no Reino Unido e o quinto lugar globalmente, solidificando o retorno triunfante da cantora ao topo das paradas. O vídeo de What Was That, filmado em Nova Iorque — incluindo uma apresentação surpresa no Washington Square Park — capta o espírito intimista e espontâneo deste novo capítulo.
Candidato a álbum do ano, Skeletá, do Ghost, já está disponível para audição
Após uma espera que pareceu interminável para os fãs, o tão aguardado álbum do Ghost, Skeletá, finalmente chegou às plataformas digitais via Loma Vista Recordings. O caminho até o lançamento completo de Skeletá foi marcado por uma série de eventos globais que intensificaram ainda mais a recepção fervorosa ao novo trabalho. Só nesta semana, foi revelada a versão de estúdio de Peacefield, o hino monolítico que abre tanto o novo álbum quanto os shows com ingressos esgotados da primeira etapa da Skeletou World Tour 2025. A chegada de Skeletá já havia sido anunciada com os singles Satanized e Lachryma. Os fiéis também se reuniram em trajes cerimoniais para as celebrações da Skeletá-Eve Midnight Sales, marcando a chegada do sexto salmo da banda em cerca de 150 lojas de discos ao redor do mundo. Como a demanda pelos eventos à meia-noite superou o número de locais físicos disponíveis, o Ghost promoveu também a transmissão ao vivo do Skeletá Rockin’ Eve, garantindo que nenhum fã ficasse de fora das festividades. Após uma série de shows esgotados pelo Reino Unido, a turnê segue agora pela Europa, antecipando a campanha norte-americana que terá início em 9 de julho, em Baltimore — e incluirá a estreia histórica da banda como atração principal no lendário Madison Square Garden, em Nova York, no dia 22 de julho.
Entrevista | Mark Morton – “Este álbum reflete o tipo de música que ouço por diversão e por amor”
Conhecido por seu trabalho visceral como guitarrista do Lamb of God, Mark Morton está prestes a mostrar uma nova faceta artística em Without the Pain, seu segundo álbum solo, que chega ao streaming na sexta-feira (11). Muito distante do metal que o consagrou, o novo projeto mergulha fundo no southern rock, com influências marcantes de blues, country e clássicos como Lynyrd Skynyrd e Allman Brothers. Em entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, Mark Morton contou que esse novo caminho é, na verdade, um retorno às suas origens. “Cresci com esse tipo de música. Está em toda parte onde nasci. Sempre foi a base do meu amor pela música”, diz. Se no Lamb of God Mark Morton canaliza peso e agressividade, em Without the Pain, ele se permite explorar emoções mais introspectivas. A faixa Brother, por exemplo, traz uma reflexão delicada sobre rupturas familiares e o sentimento de arrependimento. “É tão comum ver pessoas desconectadas de suas famílias, e isso pesa muito. A música fala sobre isso, sobre essa dor que tantos carregam”, comenta Mark Morton. Diferente de seu primeiro álbum solo, lançado em 2019, esse novo trabalho foi construído com um espírito mais colaborativo. “No primeiro disco eu tinha uma visão mais rígida, já agora entrei nas composições com a cabeça aberta, e isso tornou tudo mais divertido”, revela. Confira a entrevista completa com Mark Morton abaixo. Without the Pain representa uma mudança significativa no seu som, mergulhando no southern rock. O que te motivou a explorar esse caminho agora? O que realmente me motivou foi um amor de longa data por esse tipo de música. Cresci com esse tipo de música ao meu redor, é realmente parte da minha vida. Se você cresce onde cresci, quando cresci, você ouviu isso em todos os lugares. Então, é realmente a base do meu amor pela música. Sempre esteve lá. Todo mundo me conhece pelo Lamb of God, e isso é ótimo. Eu também amo heavy metal. Mas este novo álbum, Without the Pain, realmente reflete o tipo de música que ouço por diversão e por amor pela música. Parece o tipo de violão que acontece quando estou em casa, tocando violão no meu tempo livre. Não digo isso para tirar nada do Lamb of God porque amo heavy metal e amo o Lamb of God. Sou muito grato pelo que podemos fazer. Mas também tenho outros interesses, e este álbum reflete isso com certeza. A faixa Brother é extremamente pessoal e aborda temas como arrependimento e reconciliação familiar. Como foi o processo emocional de escrever essa música? Acho que acabei de observar ao meu redor tantos casos de pessoas que estão desconectadas de certos membros da família ou desconectadas talvez até mesmo de toda a família. E é tão comum e um fardo tão pesado que as pessoas carregam. Acho que todos nós ouvimos e muitos de nós vivenciamos tantos exemplos disso acontecendo. E realmente não entendo porque é tão comum e universal. Mas é sobre isso que realmente estávamos escrevendo, esse fenômeno de famílias se desconectando e nem sempre necessariamente entendendo o porquê. Entre todas as faixas do álbum, existe alguma que você considera a mais representativa da sua jornada pessoal recente? Não, acho que não. Não sei qual é a minha jornada pessoal mais recente, apenas acordo todos os dias e consigo viver mais um dia, fazendo coisas emocionantes. Sou um cara muito sortudo. Acho que realmente mais do que apenas uma música, o álbum em si traz sentimentos, soa muito como um lar para mim. O álbum pareceu muito com voltar para casa. Você incluiu um cover de The Needle and the Spoon, do Lynyrd Skynyrd. Qual é a importância dessa faixa na sua formação musical? É uma das minhas músicas favoritas do Lynyrd Skynyrd. O Lynyrd Skynyrd é a grande referência de southern rock. Essa faixa é uma das minhas favoritas porque é muito guiada pela guitarra. Esse riff é tão bom, a letra é sombria e meio que um aviso. É tudo que amo no southern rock. O quanto das suas raízes musicais sulistas estão presentes em Without the Pain? Você cresceu ouvindo muito blues e country? Lynyrd Skynyrd, Molly Hatchet, Allman Brothers e ZZ Top estavam por toda parte e ainda são muito parte do que soa se você entrar na minha casa. É o que escuto normalmente. Esse é seu segundo trabalho solo. Em que aspectos ele difere do primeiro, tanto musical quanto emocionalmente? O primeiro álbum foi amplamente influenciado pelo heavy metal e diferente do Lamb porque era um pouco mais melódico, mais diverso estilisticamente. E, claro, os diferentes cantores trabalhando nele fizeram as coisas meio que saírem de ângulos diferentes. Musicalmente, isso é diferente porque o meu novo álbum é southern rock com influência de blues. Em termos de processo e meu relacionamento com o disco, acho que é amplamente mais colaborativo. No primeiro disco, tinha uma visão muito mais rígida para cada música porque sentia a responsabilidade de ter a música bem definida. E neste álbum, entrei nas sessões de composição com um conceito muito mais solto para a música e muito mais aberto a outras contribuições. Isso tornou tudo muito divertido. Como você equilibra a criação solo com o trabalho no Lamb of God? Esses dois mundos se influenciam de alguma forma? Não sei se elas influenciam uma à outra. É tudo música para mim. Então, nesse sentido, se ouço algo, é mais sobre decidir se é para Lamb of God ou não. Em termos de equilíbrio, o Lamb of God é sempre a prioridade. É um monstro tão grande, com uma base de fãs tão grande… Ficamos tão ocupados com isso que é real e menos sobre equilíbrio e mais sobre mim, trabalhando entre meus compromissos e responsabilidades com o Lamb of God. Depois do lançamento de Without the Pain, você pretende levar essas músicas para a estrada? Há planos de turnê solo, quem sabe até pelo Brasil? Uau, não seria ótimo? Ótimo! Não temos nenhuma turnê marcada.
The Hives anuncia novo álbum e libera primeiro single; veja vídeo
O novo álbum de The Hives, intitulado The Hives Forever Forever The Hives, será lançado no dia 29 de agosto de 2025, através da Play It Again Sam. Este álbum, composto por três faixas meticulosamente elaboradas com compromisso, intensidade e habilidade na Suécia, foi criado em parceria com os produtores estimados Pelle Gunnerfeldt e Mike D (Beastie Boys). O primeiro single do álbum, Enough Is Enough, chega acompanhado de um videoclipe filmado na grandiosa cidade de Bucareste, onde a banda assume diferentes papéis sob a direção magistral do renomado cineasta Eik Kockum. “Quem, em sã consciência, começaria uma música assim? Ninguém além do The Hives. Eles estão de volta mais cedo do que você esperava e já perdeu a paciência com todo mundo neste ponto. Daí o título. Sacou?”, disse a banda em comunicado enviado à imprensa. Seu último álbum, The Death of Randy Fitzsimmons (2023), marcou um retorno triunfal após uma década de silêncio, rendendo shows no mundo todo, incluindo o Brasil. A criação do mais novo The Hives Forever Forever The Hives ocorreu nos estúdios Yung Lean/YEAR0001 e Riksmixningsverket—este último pertenceu a ninguém menos que Benny Andersson, do lendário ABBA, em Estocolmo. Sob a orientação de seu colaborador de longa data, Pelle Gunnerfeldt (conhecido por seus trabalhos com Viagra Boys, Yung Lean e Elvira), a banda também contou com a participação especial de Mike D, dos icônicos Beastie Boys, que os recebeu em seu estúdio em Malibu. Além disso, Josh Homme, do Queens of the Stone Age, também ofereceu sua valiosa orientação.