Jadsa lança seu segundo disco, big buraco; ouça!
Em sete dias, no estúdio Wolf, Rio de Janeiro, Jadsa se reuniu com o produtor Antonio Neves, apresentou as canções para um time de músicos nas vésperas, e realizou, quase de improviso, a sequência para um dos álbuns mais aclamados dos últimos anos. Big buraco já está disponível nas plataformas de streaming. “Esse modo de fazer foi uma escolha”, explica Jadsa. Em direção particular a um cancioneiro mais popular, a artista amplia os caminhos de sua composição para apresentar sua própria brasilidade moderna: “Eu queria essa cor. O teclado, bateria e baixo na cara, o sonho de ter sopros nas minhas faixas. Elis Regina de 71, as canções populares brasileiras dos anos 2000 e algo dos 90. Scratches”, pontua. Mesmo assim foi cair num buraco sem saber o que tinha lá dentro. As faixas eram ouvidas uma vez, as ideias de arranjo passadas com sons de boca e gestos táteis para serem resolvidas em poucas horas de gravação de cada músico. É o que apresentam os primeiros versos do trabalho, com a introdutória “big bang”. Eles dão o tom de crença da artista, e mais ainda, ilustram uma realidade material do fazer música no país: “As coisas acontecem quando querem / E quando crescem todo mundo vê / Não o caminho traçado a navalha / Mas o tamanho do bicho que é // Eu quero ser o que rolar pra mim / Quero, de querer, de estar a fim / Fazendo o certo independentemente”. big buraco apresenta “um universo que é glorioso e fantasioso, o mar, as frutas todas e o amor de mãe”, em um amontoado de canções que celebram as próprias ideias composicionais de Jadsa com a liberdade e segurança de uma artista com mais de dez anos de carreira. Sem uma estrutura tortuosa de seu trabalho anterior, Jadsa apresenta sua força pela nítida fé de que sua canção bastará.
Twenty One Pilots anuncia álbum Breach; primeiro single sai em junho
O Twenty One Pilots acaba de anunciar seu sétimo álbum de estúdio, intitulado Breach, para setembro de 2025, pela gravadora Fueled By Ramen – uma distribuição nacional Warner Music Brasil. Junto com o anúncio do novo projeto, a dupla também revelou que o primeiro single, The Contract, será lançado no dia 12 de junho. No verdadeiro estilo enigmático do Twenty One Pilots, a banda provocou os fãs com uma série de pistas criptografadas durante a turnê e nas redes sociais, que acabaram sendo reveladas nesta quarta-feira (21), como os nomes do álbum e do single. O anúncio veio acompanhado do início da pré-venda antecipada do vinil e CD de Breach. Breach chega em um momento de auge na carreira da banda, que acaba de encerrar a Clancy World Tour, neste início de mês, tendo se apresentado para mais de 1,1 milhão de fãs ao redor do mundo, incluindo o Brasil.
Kadavar revela ousado álbum I Just Want To Be A Sound
A potência do psych-rock berlinense Kadavar retornou com sua obra mais expansiva e ousada até hoje: I Just Want To Be A Sound, disponível agora via Clouds Hill. O álbum é um manifesto pela liberdade, transformação e presença — uma jornada imersiva onde hinos de rock, canções introspectivas, momentos pop e paisagens sonoras cinematográficas colidem. Reinventando-se a cada faixa, o Kadavar entrega um disco que soa livre, capturando o espírito de uma banda em pleno voo criativo. O lançamento dos singles I Just Want To Be A Sound, Hysteria, Regeneration e Scar On My Guitar marcou um momento decisivo para o Kadavar, oferecendo aos fãs de longa data um vislumbre da nova fase da banda. Cada faixa revelou uma faceta da paleta sonora do álbum — de hinos a texturas cinematográficas — sinalizando uma clara ruptura com o som mais tradicional stoner dos trabalhos anteriores. Esses singles funcionaram não apenas como uma reintrodução ao Kadavar, mas como uma declaração de reinvenção, capturando a energia inquieta e a ambição criativa que definem o disco. As faixas também ganharam destaque em playlists importantes no Spotify, Apple Music, Deezer e Tidal. I Just Want To Be A Sound é mais do que um álbum para nós — é a essência do Kadavar: um anseio incansável por liberdade e o impulso inabalável de viver por meio da música. Colocamos tudo nele — nossas vidas, nosso espírito, nossa verdade”, compartilha a banda em declaração conjunta. Agora como um quarteto liderado pelos fundadores Lupus Lindemann e Tiger Bartelt, acompanhados pelo guitarrista Jascha Kreft e o baixista Simon ‘Dragon’ Bouteloup, o Kadavar encontrou na frase I Just Want To Be A Sound a essência de seu propósito. Inspirada em uma conversa de 2013 — quando Lindemann e Bartelt perguntaram a Bouteloup por que ele não usava redes sociais, ao que ele respondeu: “Eu só quero ser um som” — a expressão se tornou um princípio norteador ao longo dos 15 anos da banda: estar completamente imerso na música, livre de distrações ou concessões. Desde os primeiros dias como expoentes do stoner rock psicodélico — incorporando o frescor contemporâneo da cena de Berlim — até se tornarem exploradores sonoros de alcance global, a evolução do Kadavar tem sido guiada por uma criatividade incessante. Com extensas turnês e performances que desafiam gêneros, sua música tornou-se cada vez mais contemporânea, moldada pela experiência na estrada e pela visão criativa em constante expansão.
Generais de Fralda, novo álbum do Mukeka Di Rato, chega ao streaming
Generais de Fralda é um disco rápido, direto e pesado. Nono registro de estúdio da já clássica banda Mukeka Di Rato, que completa 30 primaveras em 2025, o novo álbum traz uma sonoridade mais suja e agressiva, passando pela vertente crust do hardcore e letras cortantes, “sem meias palavras”, como já é uma marca do grupo. Com discurso político, “sempre na luta antifascista”, as músicas falam sobre corrupção, racismo estrutural, indústria de armas, precarização do trabalho, excesso de remédios e outros temas dos tempos atuais. Fepas (vocal e guitarra), Brek ( bateria), Mozine (baixo e vocal) e Paulista (guitarra e vocal) gravaram as 13 faixas do álbum no Estúdio Tambor, no Rio de Janeiro, com produção de Rafael Ramos. A faixa-título é auto explicativa. A segunda, Predadores Armados, “fala sobre o terrorismo de estado e a barbárie que os policiais promovem, principalmente nas periferias. E tem uma pegada instrumental meio Disrupt”, comenta Fepas. Se Droga Brasil é sobre o excesso de medicação. “Não aguento mais tomar tanto remédio/ Quantidade impressionante de remédio/Não aguento mais tanta Farmácia/ Injeção na veia alma esvaziada/ Droga, droga/ Droga, Brasil!” são os versos iniciais. Certamente muitas pessoas irão se identificar. “Essa letra Fabio Mozine trouxe praticamente pronta e a parte instrumental tem uma influência da banda DFL”. Criança Morta é inspirada no genocídio contra o povo palestino “e outras cenas de atentados contra crianças”, explica ele. Já o segundo single, Engenho de Sangue, “fala das bases da criação do que a gente conhece como Brasil, né? Racismo estrutural, oligarquia, ganância de muitos, exploração e massacre dos menos favorecidos”, aponta Fepas. “Essa música e General de Fralda eu tive a ideia, fiz a base e terminamos juntos no estúdio”. Filho da Rua é inspirada “no soco no estômago que é a gente se deparar todos os dias com um semelhante dormindo na rua, passando necessidade e tanta gente querendo naturalizar uma coisa dessas”. Fascism and Big Business fala da indústria das armas e Somente Moedas Acendem Velas foi inspirada numa igreja onde tem umas lâmpadas em forma de velas, e elas só acendem se você jogar uma moeda. Mozine ficou impactado. “Nos permitimos dar uma zoada, botamos metalofone e tem o Mozine cantando”. Tá Fácil Morrer tá Fácil Matar, escrita por Cristian Paulista, tem uma pegada curtinha tipo Napalm Death, o nome da faixa já fala por si. Globo da Morte “é um salve para os motociclistas e entregadores de aplicativo. Sabemos que muita gente se sacrifica, rala, se arrisca muito num trabalho precarizado. Tem que aguentar esculacho, humilhação e correr risco todos os dias por estar no trânsito lutando contra o tempo. Pegada instrumental com influência de Fugazi e Nirvana, mas o destaque é a participação de FBC, Fabricio, la de BH. O cara esmerilhou”, apontou Fepas. Ferrão é uma faixa polêmica dentro da banda, uns integrantes amam, outros odeiam a letra é uma viagem doida poética, que foi terminada no estúdio mesmo. Último Dia da Guerra é pesadíssima, inspirada num depoimento de um participante da Segunda Guerra Mundial. A música que fecha o álbum é o primeiro single, Desgraça Capixaba, lançado no Natal de 2024, que fala “das ‘maravilhas’ do estado do Espírito Santo. Assuntos pesados, mas tem uma pegada de reggae”, conclui Fepas.
Atração do Popload Festival, Laufey anuncia álbum com o single Tough Luck
Laufey, um dos fenômenos da música contemporânea, anunciou o aguardado álbum A Matter of Time com o intenso single Tough Luck. A artista, que será uma das principais atrações do Popload Festival em São Paulo neste mês, lançará o disco em 22 de agosto. “Cada novo álbum é como um caderno em branco para eu escrever novas histórias”, conta ela. “Tough Luck é uma música intensa sobre um amor que deu errado. Quis mostrar um lado mais raivoso — um lado que esse relacionamento infeliz despertou em mim”. Esse lado pessoal sempre foi um marco de Laufey. Ela fez de Everything I Know About Love (2022) um diário sobre o amadurecimento e o começo da vida adulta. Já no premiado Bewitched (2023), mergulhou profundamente nos amores da juventude. Agora, em A Matter of Time, ela cristaliza ainda mais sua sonoridade única com jazz, tons orquestrais e influência da bossa nova, com espaço para ousar e fugir de regras ou padrões rígidos. “Estou sempre pensando em música clássica e jazz, como preservá-los e prestar homenagem. Mas para este álbum, eu quis apenas deixar meu coração guiar”, diz Laufey. Para isso, ela trabalhou com dois co-produtores: Spencer Stewart, parceiro dos dois primeiros discos, e com o novo colaborador Aaron Dessner (conhecido por seu trabalho com Taylor Swift e The National). Essa liberdade sonora deu espaço para Laufey revelar novos lados de si, explorando temas mais densos. “As pessoas esperam uma fachada bonita, roupas delicadas, histórias fantasiosas e músicas românticas”, diz ela. “Desta vez, quis ver como poderia trazer à tona os lados mais falhos de mim mesma e encará-los de frente.” Incluindo a já lançada Silver Lining, A Matter of Time mostra Laufey em sua fase mais ousada — e também mais divertida — ao retratar amores reais em suas várias formas, e o que significa ser reduzida à sua versão mais vulnerável e ansiosa diante dele.
Counting Crows volta com tudo no álbum Butter Miracle, The Complete Sweets!
Uma das bandas mais queridas do rock alternativo dos anos 90, o Counting Crows lançou o álbum de estúdio Butter Miracle, The Complete Sweets!, que amplia os experimentos do aclamado EP Butter Miracle: Suite One (2021), combinando a narrativa envolvente do trabalho anterior com as composições profundamente pessoais do vocalista Adam Duritz e os arranjos sofisticados que fazem deles um dos grupos mais influentes do rock alternativo. O álbum do Counting Crows passa por reflexões sobre amizades, distância, identidade e reconexão. O single principal, Spaceman in Tulsa, explora a busca por identidade e como a música pode ser um refúgio transformador. Já em With Love, From A-Z, Duritz pinta o que chama de “um retrato do artista na meia-idade”, capturando os desafios de manter o amor e a amizade em uma vida passada na estrada. Canções como Boxcars e Angel of 14th Street abordam questões sociais, traçando paralelos entre as injustiças atuais e perseguições históricas. Já Virginia Through the Rain oferece traz um foco introspectivo, focando nos fracassos pessoais de um narrador imperfeito, enquanto Under The Aurora amplia o olhar para capturar o anseio coletivo por conexão durante a pandemia. Antecipada no EP, Elevator Boots narra a experiência de estar em uma banda — ilustrando de forma melódica as alegrias e dificuldades da vida na estrada. Encerrando o projeto, Bobby & The Rat-Kings é uma carta de amor ao poder formativo do fanatismo musical.
Com primeira turnê por arenas nos EUA à vista, Sleep Token lança Even In Arcadia
O Sleep Token lançou seu aguardado álbum Even In Arcadia, já disponível via RCA Records. Junto ao lançamento, a banda também divulgou um visualizer para a faixa-título, Even In Arcadia, que se apresenta como o ponto central do álbum, mesclando instrumentais arrebatadores e letras comoventes que capturam sua essência de transformação. Em Even In Arcadia, o Sleep Token entrega uma obra poderosa e visceral — que funde o mítico com o moderno, o sagrado com o selvagem. Através de instrumentais grandiosos e letras que exploram eclipses internos, deuses caídos e identidades despedaçadas, o álbum retrata o que é se desintegrar e se reconstruir em um mundo que exige transcendência. Do single final, Damocles, à catarse dolorosa de Gethsemane e Infinite Baths, Even In Arcadia é um testamento assombroso sobre transformação, amor e o preço de se tornar algo novo. Com a expectativa de ultrapassar ainda mais os limites do som e da emoção, dissolvendo-se em algo de outro mundo, o álbum mantém o ímpeto impulsionado por Emergence e Caramel — que atingiram o Hot 100 da Billboard, alcançaram o topo do Hot Hard Rock Songs Chart e ficaram em primeiro lugar no iTunes. Neste novo capítulo, a banda embarca em sua primeira turnê solo esgotada em arenas pelos EUA — a Even In Arcadia Tour — com paradas em 17 cidades. Promovida pela AEG Presents, essa será a única turnê principal do Sleep Token em 2025. A banda também fará uma apresentação no festival Louder Than Life, em 19 de setembro.
Desalmado resgata raízes agressivas no quarto álbum, Monopoly Of Violence
As raízes mais agressivas da experiente banda brasileira Desalmado emergem no novo álbum, Monopoly of Violence, o quarto da carreira, lançado nesta sexta-feira (2). São dez faixas de um death metal brutal e técnico, embaladas em uma produção contemporânea. Monopoly of Violence é o primeiro registro da nova formação, que apresenta João Limeira na bateria e Marcelo Liam como guitarrista principal, junto a Caio Augustus, o vocalista, e Bruno Teixeira, o baixista. O álbum foi gravado no estúdio Family Mob, um dos mais concorridos e bem equipados do Brasil, mixado e masterizado por Hugo Silva. Na parte lírica, o Desalmado faz uma leitura brutal do presente individual de cada integrante, mas, ao mesmo tempo, com uma visão macro da sociedade. Nesse contexto, Monopoly of Violence é um conjunto de músicas extremamente pesadas, que consolida a forma única do Desalmado de expressar seus ideais de luta e propósitos de vida com seu death metal mesclado ao hardcore. A crítica aos efeitos da crise capitalista na sociedade ocidental está mais presente do que nunca neste trabalho. A denúncia contra os grandes monopólios de tecnologia e seus danos sociais aparece em contextos que também abordam os novos modos de violência nas nossas relações. Musicalmente, o quarto álbum cheio do grupo entrega faixas com o groove e a agressividade do hardcore, alternando com a brutalidade do death metal. É um trabalho moderno e equilibrado dentro do estilo, em consonância com o que há de mais atual no universo do metal extremo. Assim como os dois últimos lançamentos (Mass Mental Devolution, de 2021, e Save Us from Ourselves, de 2018), Monopoly of Violence terá distribuição digital pelo selo alemão Blood Blast, braço da gravadora Nuclear Blast, uma das principais e mais bem-sucedidas editoras discográficas de música pesada no cenário global. Blood Thorns, videoclipe novo do Desalmado Como prévia do álbum, o Desalmado lançou no final de abril o videoclipe da música Blood Thorns. Blood Thorns traz blast beats com texturas sombrias dos riffs da escola death e black metal, mais pitadas do breakdown. A faixa representa o fim da história iniciada no clipe de No Peace, Only Death, o primeiro single de Monopoly of Violence. “É uma das mais bonitas e musicais do álbum, tem tudo na medida certa. É a trilha para olharmos para nossa essência, sangrar, sofrer e voltar mais forte”, comenta o vocalista Caio.
Entrevista | Dope Lemon – “Sinto que Golden Wolf parece realmente meio ensolarado e divertido”
O músico australiano Angus Stone está de volta com um novo capítulo de seu alter ego sonoro, o Dope Lemon. Em entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, Stone falou sobre o lançamento do álbum Golden Wolf, uma obra que marca não apenas uma evolução musical, mas também uma nova fase estética e conceitual do projeto. Gravado em seu recém-inaugurado estúdio Sugarcane Mountain Studios, uma mansão dos anos 70 com vista para campos de cana-de-açúcar, o álbum reflete um mergulho ainda mais profundo em atmosferas cinematográficas e existenciais. A faixa-título, Golden Wolf, foi o ponto de partida criativo do disco e, segundo ele, é uma meditação sobre mortalidade, legados e o que levamos, ou deixamos, ao fim da vida. O contraste entre grooves ensolarados e atmosferas mais introspectivas, marca registrada do Dope Lemon, permanece presente, mas agora com uma nova maturidade lírica e sonora. E para os fãs brasileiros, há boas notícias: o Dope Lemon pretende incluir o país na próxima turnê. “Já estive no Rio de Janeiro quando tinha 16 anos e foi mágico. Espero voltar em breve. Me digam pra onde devemos voar, porque queremos estar aí.” Confira entrevista com Dope Lemon na íntegra Como você definiria essa nova fase sonora e estética do projeto? É um trabalho de amor e cada disco é algo que você está constantemente aprendendo e crescendo. E esse disco para mim é isso. Parece apenas o próximo nível em que você está refinando seu conjunto de habilidades e as letras para mim são meu foco principal. Acabei de adquirir um novo estúdio de gravação aqui na Austrália chamado Sugarcane Mountain Studios. É uma mansão grande e linda dos anos 70 com vista para os campos de cana-de-açúcar. Parece que você está entrando em uma cápsula do tempo. E algo sobre isso para mim é ter um espaço onde parece que você está entrando em outro mundo, é como o que a música faz por mim. E imagino o que ela faz por outras pessoas quando você ouve uma música. Espero que ela te leve para longe e este espaço, faz isso por mim. Como foi o processo criativo de Sugarcat? Essa música surgiu antes ou depois do conceito de Golden Wolf? Tudo começou com Golden Wolf. Acho que essa música foi o catalisador para o que esse disco se tornou e se abriu para esse grande e lindo projeto que continuei e me certifiquei de ver até o fim. Seu álbum anterior, Kimosabè, refletia muito sobre sua juventude. Como foi essa transição de olhar para o passado para agora focar no futuro? Golden Wolf é sobre mortalidade e como eventualmente toda a nossa vida chegará ao fim. E acho que a música em si é sobre o que você faz quando chega lá e as coisas que você levará com você para o outro lado, quem é que o levará até lá, o que você deixará para trás. Para mim, é sobre essa transição para tentar fazer o melhor desta vida que podemos. E sim, espero que a próxima também. Seu projeto solo tem uma identidade visual bem definida. Qual é o papel da estética e dos videoclipes na construção do universo do Dope Lemon? Quando era mais jovem, sonoramente, fui inspirado por um certo artista e isso afetou minha música. Mas mais agora, me tornei mais uma pessoa visual de certa forma. Quando escrevo, parece que estou caindo em um filme, sendo o protagonista. É tudo sobre filmes agora. Quando assisto algo, sou inspirado por cair naquele universo do que alguém criou visualmente. Você pensa em fazer um filme? Às vezes fazemos esses videoclipes realmente divertidos e a qualidade deles é realmente muito especial. E às vezes, obviamente, você tem apenas três minutos e meio a quatro minutos para contar uma história e geralmente você apenas se diverte com isso. Mas às vezes penso sobre como seria superdivertido talvez contar uma história que seja um longa-metragem. Ao longo da sua carreira, você trabalhou com nomes como Winston Surfshirt, Will Ferrell e Adam McKay. Existe alguma colaboração dos sonhos que ainda deseja realizar? As colaborações têm sido uma jornada tão divertida. Toquei com Post Malone e Dua Lipa duas noites atrás. Ela me convidou para subir no palco e não sei, sinto que tem sido tão legal, que a música tem essa maneira linda de conectar as pessoas. E quando você é convidado para dividir o palco e colaborar com pessoas assim, isso realmente muda. Parece que o mundo é menor do que você pode imaginar e estamos todos conectados e a música tem uma maneira linda de unir as pessoas. O Dope Lemon sempre transitou entre um som mais ensolarado e grooves noturnos. Como você encontra esse equilíbrio dentro dos álbuns? Acho que cada disco muda de gênero, o clima também. Eles podem mudar bastante dramaticamente e também sutilmente, mas sinto que este parece realmente meio ensolarado e divertido. Isso me dá uma emoção quando o ouço. Seus fãs parecem ter uma conexão forte com o universo que você cria. Como você percebe essa relação e a maneira como sua música impacta as pessoas? É muito legal quando alguém se aproxima de você na rua, um estranho, e ele te conta sobre como a música o afetou. É muito lindo para alguém compartilhar o que passou, seja triste ou cheio de alegria. Acho que é outro daqueles momentos em que você percebe o quão especial é que todos nós podemos nos conectar em uma coisa, que é a música. É uma espécie de linguagem universal que une todo mundo. Há planos para uma turnê internacional com esse novo álbum? O Brasil pode esperar uma visita em breve? Sim, com certeza. Nós voamos ao redor do mundo no mês passado e fizemos alguns shows secretos. Agora estamos marcando datas para todos os lugares restantes. Espero que possamos ir para a América do Sul e outros lugares que já viajamos antes. Julia e eu já viajamos para lá antes e adoraríamos receber um