The All-American Rejects abandona nostalgia e aposta em reinvenção em novo álbum “Sandbox”
Depois de 14 anos sem lançar um álbum de estúdio, o The All-American Rejects retorna com Sandbox, disco que abandona qualquer obrigação de funcionar como uma simples cápsula do tempo dos anos 2000. A banda, atração da primeira edição do I Wanna Be Tour, até poderia ter seguido o caminho mais seguro e recriado a fórmula radiofônica de Move Along ou When the World Comes Down, mas escolheu fazer exatamente o contrário. O quinto álbum de estúdio do grupo nasce como uma tentativa clara de reconstrução artística, refletindo uma banda mais velha, mais introspectiva e consciente de que nostalgia sozinha já não sustenta relevância em 2026. O próprio Tyson Ritter chegou a comentar recentemente que o objetivo não era apenas fazer o público “se sentir jovem novamente”, mas tentar “dizer algo agora” e criar conexão no presente. O que esperar de Sandbox? Essa mudança aparece imediatamente na sonoridade. Sandbox reduz drasticamente o protagonismo do pop punk acelerado e dos refrões explosivos que definiram a identidade comercial da banda. Em vez disso, o álbum mergulha em uma estética mais atmosférica, cheia de texturas lo-fi, sintetizadores discretos, guitarras menos agressivas e estruturas menos previsíveis. O disco soa muito mais próximo de um indie alternativo melancólico do que daquele emo pop radiofônico que dominava MTV e trilhas adolescentes nos anos 2000. Ainda existem melodias familiares e momentos que remetem ao DNA clássico da banda, mas agora tudo parece filtrado por uma abordagem mais madura e menos imediatista. Tyson Ritter acaba sendo o centro emocional do álbum. Se antes suas letras eram marcadas por sarcasmo, relacionamentos turbulentos e refrões feitos para multidões cantarem juntas, aqui o vocalista assume uma postura muito mais vulnerável. Em músicas como For Mama (clipe acima) e Green Isn’t Yellow, ele explora temas ligados à exaustão emocional, amadurecimento e desgaste pessoal sem tentar transformar tudo em um grande hit de arena. Há um tom contemplativo constante no disco, como se a banda estivesse processando os próprios anos de afastamento enquanto tenta entender qual ainda é o seu lugar dentro da música alternativa atual. A faixa-título talvez seja a melhor representação disso tudo. Sandbox usa referências à infância e ao conceito simbólico de uma caixa de areia para discutir relações humanas, isolamento e conflitos emocionais. Existe uma nostalgia evidente, mas ela não aparece romantizada. O álbum inteiro parece tratar o passado como algo inevitável, porém insuficiente para responder às crises do presente. É justamente essa visão que distancia o disco de tantos retornos oportunistas de bandas daquela geração. Álbum equilibra experimentação com identidade própria Musicalmente, Sandbox funciona melhor quando consegue equilibrar experimentação com identidade própria. Faixas como Get This ainda preservam parte da pegada melódica clássica do grupo, trazendo hooks mais acessíveis e uma energia mais próxima do antigo The All-American Rejects. Já músicas como King Kong apontam para um território mais pessoal e introspectivo. Ritter revelou que a faixa nasceu da decisão de deixar Los Angeles e retornar para Oklahoma, usando a composição como reflexão sobre superficialidade, fama e autodestruição. Ao mesmo tempo, o álbum também apresenta algumas irregularidades. Em certos momentos, a tentativa de soar moderno parece excessiva, quase como se a banda estivesse tentando se encaixar dentro da estética indie contemporânea em vez de simplesmente deixar as músicas respirarem naturalmente. Algumas faixas soam mais densas do que realmente precisariam ser, e a produção às vezes prioriza textura e ambientação em detrimento de impacto emocional imediato. Parte dos fãs já demonstra essa divisão, principalmente entre quem esperava um retorno mais explosivo e direto. Mas talvez justamente aí esteja o maior mérito de Sandbox. O disco nunca soa preguiçoso ou automático. Diferente de muitos retornos recentes de bandas do mesmo período, o The All-American Rejects não parece interessado em repetir uma fórmula antiga apenas para sobreviver no circuito nostálgico. Existe um senso genuíno de reconstrução artística aqui. De volta ao jogo A banda passou mais de uma década praticamente distante do centro cultural do rock alternativo, e esse tempo claramente serviu para redefinir prioridades criativas. Tyson Ritter chegou a admitir que o grupo precisava descobrir como evoluir sem continuar “voltando a um poço que já estava seco”. A produção reforça bastante essa sensação de amadurecimento. Em vez da compressão exagerada típica do auge do pop punk comercial, Sandbox aposta em espaço, ambiência e camadas instrumentais mais sutis. As guitarras continuam presentes, mas agora dividem protagonismo com synths, linhas de baixo discretas e momentos quase contemplativos. Isso transforma o álbum em uma experiência menos imediata, porém mais interessante ao longo de múltiplas audições. No fim, Sandbox dificilmente será o disco favorito de quem esperava apenas uma continuação direta de Move Along. E talvez nem queira ser. O álbum existe justamente para romper essa expectativa. Imperfeito, irregular e ocasionalmente excessivo, o trabalho ainda assim consegue entregar algo raro em retornos tardios: propósito artístico real. O The All-American Rejects volta não para repetir o passado, mas para tentar entender quem ainda pode ser no presente.
Air Supply transforma Vibra SP em baile de gala e prova que o amor não envelhece
Graham Russell (75) e Russell Hitchcock (76) estão na estrada há quase 51 anos, celebrando o amor com algumas das mais famosas love songs da história. Na noite de domingo (10), eles retornaram a São Paulo para uma apresentação repleta de sucessos no Vibra SP, com a turnê alusiva aos 50 anos de carreira do Air Supply. Aliás, foi o último show da celebração de meio século, já que o aniversário de 51 anos da banda acontece nesta terça-feira (12). Em uma configuração diferente da apresentada nos últimos dias, como nos shows de Men at Work e Dream Theater, o Vibra transformou-se em um baile de gala, com mesas espalhadas no lugar da pista. Uma escolha acertada, considerando que a média de idade do público era próxima à da dupla. Os dois amigos têm papéis bem definidos no palco. Graham é o mais comunicativo: conta histórias, lê poemas e arrisca palavras em português. Já Hitchcock é a grande estrela. Os primeiros versos de Sweet Dreams, canção que abriu a noite, foram suficientes para impressionar. É notável como ele mantém o vigor vocal após cinco décadas de dedicação aos palcos, potencializado pela excelente acústica da casa. No palco, a dupla é acompanhada por duas violinistas, baterista, baixista e tecladista, músicos técnicos que ganharam momentos de solo para mostrar seu virtuosismo. Even the Nights Are Better, segunda faixa do set, confirmou que a noite seria guiada pela nostalgia. Enquanto a dupla distribuía sorrisos, o telão resgatava videoclipes antigos, uma sacada visual que já havia funcionado bem no recente show de Bryan Adams. Just as I Am (cover de Rob Hegel) manteve o nível elevado, com o público cantando em coro e algumas lágrimas já surgindo nas mesas, cena que se repetiria ao longo de 1h40 de apresentação. Em I Can Wait Forever, Hitchcock testou os limites de seu alcance vocal com sucesso absoluto. Na sequência, Graham Russell assumiu a linha de frente enquanto Hitchcock poupava a voz e tomava um chá, conforme revelado pelo companheiro. Graham leu um poema e exaltou a amizade com o parceiro, reforçando o que já havia dito em entrevista ao Blog n’ Roll: “Nunca tivemos uma briga em 50 anos. Acho que o motivo é que não competimos. O Russell não quer escrever músicas, ele só quer cantar. E eu amo escrever. Não há ego envolvido”. Com o retorno de Hitchcock, o Air Supply trouxe seu primeiro hit mundial, Lost in Love. A música, de estrutura simples (apenas um verso e uma seção B, sem refrão), nasceu de um conselho de Willie Nelson: “Se você pode dizer algo no menor número de linhas possível, faça isso”. A simplicidade, de fato, funcionou. Após apresentações solo das violinistas e do baterista, veio o ápice com Making Love Out of Nothing at All, encerrando a primeira parte. O bis do Air Supply, com Without You (Badfinger) e All Out of Love, garantiu a apoteose: as mesas foram deixadas de lado e os fãs terminaram a noite em pé, colados ao palco. Edit this setlist | More Air Supply setlists
Djavan celebra 50 anos com show grandioso no Allianz Parque
Em 1976, o Brasil era apresentado a A Voz, o Violão, a Música de Djavan. Cinquenta anos depois, o cantor alagoano ocupa o Allianz Parque, em São Paulo, não apenas como um ícone, mas como uma entidade da nossa música. A turnê comemorativa, que se iniciou oficialmente na última sexta (8), trouxe para este sábado (9) uma atmosfera de consagração. “Considero ter uma carreira vitoriosa”, cravou Djavan logo no começo da apresentação, lembrando do início da trajetória em São Paulo, quando ficou em 2º lugar no Festival Abertura de 1975, realizado no Teatro Municipal, com a música Fato Consumado. A sinergia entre o artista e o público rendeu destaques emocionantes, como os coros em Meu Bem Querer e Oceano, que vieram em sequência no momento de voz e violão. Sob a direção artística de Gringo Cardia, o palco reflete a sofisticação das harmonias djavanianas. O trabalho de iluminação de Césio Lima e Mari Pitta cria o cenário perfeito para a banda de elite que o acompanha: Felipe Alves (bateria), Marcelo Mariano (baixo), Torcuato Mariano (guitarra/violão), Paulo Calasans e Renato Fonseca (teclados), além do trio de sopros Jessé Sadoc, Marcelo Martins e Rafael Rocha. Assisti a alguns shows de Djavan nos últimos 30 anos, muitos deles em Santos, do ginásio e teatro do Sesc à Praia do Boqueirão. Mas a grandiosidade que o espetáculo ganhou com a turnê Djavanear é impressionante. O telão é de padrão internacional, daqueles que os fãs costumam reclamar que artistas estrangeiros nem sempre trazem em suas turnês por aqui. A qualidade sonora é impecável. Aos 77 anos, Djavan não dá sinais de cansaço. Mantém a voz presente, com ótimo suporte das backing vocals (que garantem a sustentação necessária enquanto ele dança e interage com os fãs). Com um setlist focado exclusivamente em sucessos, não há espaço para momentos mornos. A estrutura do show traz uma curiosidade marcante: Sina é a escolhida tanto para abrir quanto para encerrar a noite, criando um ciclo perfeito de celebração. Sina, inclusive, carrega o famoso neologismo criado por Djavan: “Caetanear”. O termo, feito para homenagear Caetano Veloso, significa compor ou cantar com a maestria, poesia e leveza características do baiano. Quando a música volta ao palco no bis, serve como uma deixa para o público trocar “Caetanear” por “Djavanear” na letra. O mestre alagoano merece a exaltação que ele mesmo criou para o amigo. Djavan também emociona em canções mais recentes, como Um Brinde. Na época do lançamento dessa faixa, o artista liberou um trecho de um minuto cantado apenas com silabados, convidando os fãs a criarem versões sobre a melodia. Já em O Vento, ele relembrou a saudosa Gal Costa, que gravou a faixa (composta em parceria com Ronaldo Bastos) em 1987. Recentemente, a canção ganhou uma nova roupagem no álbum Improviso. Momentos de destaque: Meu Bem Querer, Oceano, Eu Te Devoro, Linha do Equador, Nem Um Dia, Samurai, Lilás, Flor de Lis e Açaí. A turnê, realizada pela Live Nation e Luanda Promoções, cumpre a promessa de entregar exatamente o que o fã deseja: uma antologia viva com estrutura digna de sua história. Assistir ao show Djavanear é obrigatório para quem deseja ver a história da música brasileira sendo celebrada em tempo real. A turnê agora segue para Salvador, passa por Fortaleza, Curitiba, Brasília, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, Florianópolis, Belém, Recife, Maceió, antes de retornar para o show derradeiro no Pacaembu, em São Paulo, no dia 12 de dezembro.
Born to Kill traz um lado mais melancólico e intenso do Social Distortion
Quinze anos depois de Hard Times and Nursery Rhymes, o Social Distortion lança amanhã (8) Born To Kill, um álbum que soa como reencontro com a própria essência. Tivemos acesso ao álbum em primeira mão e trazemos aqui as primeiras impressões deste novo trabalho. Mike Ness não tenta modernizar a fórmula ou correr atrás de tendências. Pelo contrário. O disco abraça sem medo tudo aquilo que transformou a banda em referência do punk rock americano: guitarras melódicas, influência rockabilly, letras confessionais e aquela sensação constante de estrada, bares vazios e cicatrizes acumuladas pelo tempo. A faixa-título já deixa claro o tom do trabalho. Born To Kill chega agressiva, direta e com cara de clássico instantâneo da banda. No Way Out mantém a intensidade elevada, enquanto Partners In Crime reforça a mistura entre melodia e sujeira que o Social Distortion domina como poucos. O álbum inteiro passa uma sensação de honestidade rara, principalmente porque não tenta soar maior do que realmente é. Tudo funciona de maneira orgânica, sem exageros na produção ou tentativas artificiais de atualizar a sonoridade. O grande coração emocional do disco aparece em The Way Things Were. A música carrega o mesmo espírito de faixas clássicas como Story of My Life, trazendo Mike Ness revisitando o passado de maneira madura e melancólica. Existe um peso sentimental muito forte na composição, principalmente pela forma como ele canta sobre juventude, memória e transformação sem soar piegas. A interpretação vocal transmite desgaste e experiência, enquanto as guitarras criam uma atmosfera agridoce que encaixa perfeitamente na proposta do álbum. É uma música sobre olhar para trás entendendo que muita coisa mudou, mas sem perder a conexão com quem você foi um dia. Outro momento que chama atenção é a releitura de Wicked Game, clássico eternizado por Chris Isaak. É um cover comum e, confesso, quando vi que não era uma coincidência apenas de nome e sim uma versão, cheguei a torcer o nariz. Mas essa sensação acabou em segundos, pois em vez de apenas reproduzir a versão original, o Social Distortion transforma a faixa em algo completamente compatível com sua identidade. A banda deixa a música mais crua, mais soturna e carregada de tensão emocional. A voz rouca de Mike Ness funciona perfeitamente dentro dessa abordagem, trazendo um ar ainda mais decadente e melancólico para a composição. É o tipo de cover que faz sentido existir porque adiciona personalidade própria, não apenas reverência. Crazy Dreamer, Walk Away (Don’t Look Back) e Never Goin’ Back Again ajudam a manter a fluidez do álbum até o final, sempre alternando momentos mais explosivos com outros mais introspectivos. O mérito de Born To Kill está justamente nessa naturalidade. O disco não tenta reinventar o Social Distortion, mas também não soa cansado. Depois de tanto tempo longe dos estúdios, Mike Ness e companhia entregam um trabalho honesto, intenso e carregado de identidade. E no meio disso tudo, The Way Things Were e Wicked Game acabam funcionando como os grandes pilares emocionais desse retorno.
Men At Work entrega noite de nostalgia e conexão em São Paulo
A banda australiana Men At Work é, sem dúvida, um dos nomes mais emblemáticos dos anos 1980, tendo construído um legado inabalável de hits em um curto intervalo de tempo. No entanto, a falta de química e uma guerra de egos fizeram com que o núcleo formado por Colin Hay, Ron Strykert e Greg Ham se dissolvesse com a mesma velocidade com que alcançou o estrelato. Dos três, Colin Hay é o único que segue na ativa, preservando o legado do grupo através de suas composições. Hoje, ele se apresenta acompanhado por uma competente banda multinacional, que inclui músicos peruanos, cubanos e norte-americanos. Greg Ham faleceu em 2012, enquanto Ron Strykert, afastado dos holofotes, chegou a ser brevemente detido em 2009 por supostas ameaças contra Hay. Mesmo com um histórico conturbado, Colin Hay, aos 72 anos, demonstra vigor e felicidade no palco. Na última quarta-feira (6), no Vibra SP, o músico chegou a arriscar passos de samba durante a execução de Down Under, encerrando a noite em clima de celebração. O despertar do público Com a casa cheia, o Men At Work demorou a engrenar. A escolha de abrir com Touching the Untouchables e No Restrictions — faixas menos comerciais dos principais álbuns — resultou em uma recepção fria. O público apenas observava, sem a conexão imediata que se espera de um show repleto de clássicos. O jogo começou a virar em Broken Love, a primeira incursão pela carreira solo de Hay. Cecilia Noël, a carismática backing vocal peruana, assumiu o papel de tradutora e convocou a plateia para o coro do refrão. Foi o estopim necessário para conectar a banda ao público pelo restante da apresentação. Intercalando lados B e faixas solo, Hay ficou visivelmente mais à vontade. Down by The Sea e Into My Life vieram em sequência, criando as primeiras “ilhas” de smartphones erguidos para registrar momentos icônicos. Nota de etiqueta: Não se trata de ser o “chato do celular”, até porque também registro canções para o Blog n’ Roll, mas o bom senso é fundamental. Um espectador de estatura média não precisa esticar os braços ao limite para filmar, muito menos realizar giros de 360 graus que resultam em registros de péssima qualidade e atrapalham a visão alheia. Virtuosismo e hits Voltando ao espetáculo, Colin Hay deu espaço para que seus músicos brilhassem. Os destaques ficaram para a saxofonista norte-americana Rachel Mazer e o baixista cubano Yosmel Montejo, ambos com sólida bagagem no jazz, que elevaram o nível técnico das canções. A reta final foi arrebatadora. O setlist foi estrategicamente montado para guardar os hinos do Men At Work para o desfecho: Dr. Heckyll & Mr. Jive, Overkill, It’s a Mistake, Who Can It Be Now?, Down Under e Be Good Johnny. Nesse momento, as barreiras geracionais sumiram. Pais, filhos e amigos cantaram em uníssono. Eram memórias de uma década memorável, mas também um deleite para os fãs da série Scrubs, que utilizou exaustivamente a trilha da banda e teve em Colin Hay quase um personagem recorrente.
Megadeth inicia adeus com show poderoso em São Paulo
Na história do heavy metal, as “turnês de despedida” tornaram-se um gênero em si. Muitas vezes vistas com ceticismo pelo mercado, para o Megadeth, o anúncio da turnê This Was Our Life carrega um peso de realidade que transcende o marketing. Na noite do último sábado (2), um Espaço Unimed completamente lotado e com ingressos esgotados há meses foi testemunha do show de número 42 da banda em solo brasileiro. Mas este não foi apenas mais um capítulo, foi o início de um adeus que promete durar anos, mas que já carrega a urgência do fim. Superação no palco Aos 64 anos, Dave Mustaine é uma figura de resiliência. Lutando contra a artrite, a paralisia no nervo radial e as sequelas de um câncer na garganta, o líder do Megadeth subiu ao palco para provar que, embora o corpo sinalize limites, a mente e o espírito thrash continuam imbatíveis. Sua voz, compreensivelmente desgastada pelo tempo e pelas batalhas de saúde, funcionou com uma autoridade que apenas os veteranos possuem, uma rouquidão que hoje serve bem à narrativa sombria de suas letras. Nova dinâmica e o “maestro” finlandês A formação atual é, talvez, uma das mais técnicas da história do grupo. James LoMenzo (baixo) e Dirk Verbeuren (bateria) formam uma cozinha implacável. Verbeuren, em particular, reafirmou sua posição como um dos melhores bateristas que já sentou no banco da banda, trazendo uma precisão cirúrgica a clássicos e músicas novas. No entanto, os olhos estavam voltados para Teemu Mäntysaari. Substituir Kiko Loureiro não é tarefa fácil, mas o finlandês entregou uma performance de altíssimo nível. Em faixas como a nova Let There Be Shred, Teemu e Mustaine duelaram com solos que remeteram aos anos 90, celebrando o virtuosismo técnico que é a marca registrada do grupo. Destaques do setlist do Megadeth O show abriu com o “pé na porta” de Tipping Point, faixa do álbum homônimo, lançado em janeiro passado. Uma canção que mistura a fúria rítmica com uma letra reflexiva de quem olha para trás sem arrependimentos. Logo em seguida, a surpresa da noite, The Conjuring. A inclusão desta faixa é significativa. Por anos, Mustaine evitou tocá-la devido à sua conversão ao cristianismo, mas o retorno dela ao setlist em São Paulo foi recebido como um presente histórico pelos fãs. O material mais recente voltou a marcar presença com I Don’t Care, que trouxe uma energia quase punk ao local, mostrando que o Megadeth ainda tem “contas a acertar com o mundo”. Mas, claro, foram os hinos que transformaram o Espaço Unimed em um caldeirão. Da precisão de Hangar 18 ao coro ensurdecedor em Symphony of Destruction, o público paulista mostrou porque o Brasil é parada obrigatória na rota de Mustaine. A execução de Ride the Lightning (cover do Metallica que tem Mustaine como coautor) foi um momento de catarse e uma piscadela nostálgica para os fãs que acompanham a trajetória de Dave desde o início, quando ainda integrava o outro grande nome do Big Four. Por fim, o encerramento com o combo Peace Sells e Holy Wars… The Punishment Due selou a noite com a perfeição técnica habitual. Longo adeus do Megadeth Embora a turnê seja de despedida, Mustaine já sinalizou que o processo pode durar de três a quatro anos, com a promessa de retornar ao Brasil para visitar mais cidades. A ideia é “sair em alta”, preservando o legado intacto antes que as limitações físicas tornem as apresentações inviáveis. Nota: 9.5/10 Setlist:
Bad Religion entrega aula de punk rock para pais e filhos em São Paulo
Já se passaram quase 30 anos desde a primeira vez que assisti ao Bad Religion no Brasil. De lá para cá, houve mudanças na formação (principalmente na bateria), muitos cabelos brancos e diferentes formatos de show (de festivais a casas de diversos tamanhos). O que impressiona, no entanto, é como a banda jamais perde o gás. Seja na primeira ou na décima vez, o show continua sendo parada obrigatória para quem ama punk, hardcore e suas vertentes. Setlist atemporal do Bad Religion O aspecto mais interessante da apresentação é notar como o repertório soa atual. Das 1h20 de show, o arco temporal foi de Recipe For Hate, que abriu a noite, até o hino American Jesus, responsável pelo encerramento. Aula de história (com distorção) Essa atualidade explica a comoção de muitos pais na pista premium do Espaço Unimed. Era visível a presença de crianças e adolescentes acompanhando seus responsáveis para assistir a uma verdadeira aula de história ministrada por um PhD em Zoologia (Greg Graffin). Graffin conduz o espetáculo amparado pelo peso das guitarras de Brian Baker e Mike Dimkich, além dos backing vocals viscerais do baixista Jay Bentley. O baterista Jamie Miller, no grupo desde 2016, completa a cozinha com precisão absoluta. Estatísticas e ausências no set do Bad Religion Dos 17 álbuns de estúdio, a banda visitou 12 deles. The Gray Race foi o grande protagonista da noite, com cinco faixas. American Jesus para fechar o arco Para selar a atemporalidade, American Jesus (1993) fechou o set. A música, que nasceu como resposta à Guerra do Golfo (sob o comando de Bush pai), permanece dolorosamente precisa ao descrever o imperialismo norte-americano, independentemente de quem ocupe a Casa Branca. Como citado na biografia Do What You Want, o Bad Religion vive uma espécie de déjà vu constante. A obra relata que figuras como fundamentalistas e negacionistas climáticos sempre encontram eco no poder, tornando as letras de 30 anos atrás tão urgentes quanto as de hoje. O Bad Religion não suporta a ideia de que uma única nação possa determinar o futuro do mundo. Enquanto os integrantes deixavam o palco, Jay Bentley resumiu o espírito da noite com um discurso direto: “A mudança depende de vocês. Só vocês podem mudar o mundo.”
Arch Enemy encerra o primeiro dia do Bangers com triunfo de Lauren Hart
Se alguém no Memorial da América Latina ainda nutria qualquer dúvida sobre Lauren Hart ser a escolha adequada para liderar o Arch Enemy nesta nova etapa, a cantora precisou de apenas duas músicas para dissipar tal incerteza. Na terceira canção do setlist, a australiana já era ovacionada de forma unânime pelo público, consolidando sua posição à frente de uma das instituições mais respeitadas do metal extremo mundial. A banda, que não é boba nem nada, foi certeira na escolha do repertório inicial para validar a nova integrante. O show começou com a sugestiva Yesterday is Dead and Gone, originalmente gravada na voz de Angela Gossow, seguida por The World is Yours, da fase encabeçada por Alissa White-Gluz. Com essa sequência, a vocalista mostrou, logo de cara, total capacidade técnica e cênica para interpretar o legado das duas eras mais fundamentais da banda sueca, que marcou presença como peça-chave do festival. A rapidez da transição impressiona: quando o Arch Enemy foi anunciado como substituto do Twisted Sister no line-up, a identidade da nova vocalista ainda era um mistério. Desde então, o lançamento do aclamado single To the Last Breath, que se tornou um dos pontos altos da noite, e uma breve turnê por clubes na Ásia serviram de preparação para este momento: a primeira performance como headliner de um grande festival no Bangers Open Air. Enquanto os veteranos Michael Amott e Joey Concepcion (guitarras), Sharlee D’Angelo (baixo) e Daniel Erlandsson (bateria) exibiam a segurança e o entrosamento típicos de quem domina grandes palcos há décadas, o interesse primordial da plateia recaía sobre Lauren. Foi o nome dela o mais gritado durante os intervalos, evidenciando uma aceitação imediata. A apresentação funcionou como um cartão de visitas bilateral: Lauren deixou de lado qualquer sinal de intimidação para entregar empolgação pura, chegando a solicitar lanternas de celulares durante My Apocalypse, canção que, ironicamente, está longe de figurar em qualquer coletânea de baladas. Por outro lado, o público brasileiro retribuiu com tal intensidade que quase levou às lágrimas a vocalista, que confessou nunca ter tocado no país anteriormente com seus projetos passados. O destaque negativo ficou, mais uma vez, pelo som do palco. Não chegou a comprometer tanto quanto no Black Label Society, porém, durante a apresentação dos suecos a bateria chegou a engolir as guitarras na mix durante as passagens mais agitadas (que são a maioria). Edit this setlist | More Arch Enemy setlists
In Flames privilegia o peso em apresentação energética no Bangers
“A gente só tem 75 minutos, não temos tempo para isso”, brincou Anders Fridén, o bem-humorado vocalista do In Flames, interrompendo com ironia os tradicionais coros de “Olê, Olê” que o público entoava em sinal de aprovação. Vinda de “uma cidade pequena de um país pequeno no Norte”, conforme a definição (novamente sueca) dada pelo próprio frontman, a banda fez com que cada minuto no palco valesse a pena, optando por um roteiro de alta intensidade. O setlist no Bangers Open Air deixou de lado composições mais lentas ou atmosféricas em favor da agressividade característica do death metal melódico, subgênero que o grupo ajudou a consolidar mundialmente a partir de Gotemburgo. Anders, que passou boa parte do show incentivando a formação de rodas de mosh e sendo prontamente atendido, contou com o apoio técnico de seu parceiro de longa data, Björn Gelotte, o único outro integrante da formação clássica ainda presente. Ao redor da dupla, o que se viu foi uma “trupe” de alta competência, composta por nomes conhecidos de outras vertentes do metal: Chris Broderick na guitarra (ex-Megadeth), Liam Wilson no baixo (ex-The Dillinger Escape Plan) e Jon Rice na bateria. Visualmente, a In Flames manteve uma postura despojada, sem grandes artifícios cênicos ou figurinos elaborados. Com a aparência de quem escolheu a primeira camiseta disponível no guarda-roupa antes de subir ao palco, os músicos focaram estritamente na entrega sonora, reforçando a ideia de que o som deve ser o protagonista. Foi uma apresentação sem “invencionices”, direta e crua, exatamente como o público fiel da banda esperava encontrar em um ambiente de festival. Ao final, os 75 minutos de show resultaram em um setlist equilibrado, capaz de satisfazer tanto os fãs antigos quanto os novos ouvintes. A performance foi sólida o suficiente para que ninguém saísse com a sensação de ter perdido algo, inclusive aqueles que não puderam comparecer ao side show realizado pela banda dias antes, na Audio, também em São Paulo. Edit this setlist | More In Flames setlists