Lollapalooza Brasil 2027 detalha programação diária e inicia venda do Lolla Day com mais de 70 atrações
A organização do Lollapalooza Brasil 2027 divulgou a divisão completa de suas atrações por dia. O evento acontece nos dias 19, 20 e 21 de março de 2027, no Autódromo de Interlagos, na zona sul de São Paulo. Com o anúncio da escala diária, foram abertas oficialmente as vendas do Lolla Day, modalidade que garante acesso a uma data individual do festival. As entradas estão disponíveis no site da Ticketmaster Brasil (com incidência de taxa de conveniência de 20%) e na bilheteria física oficial no Shopping Ibirapuera, isenta de taxas de serviço. O Lolla Pass, válido para os três dias de programação, segue disponível para compra. Programação detalhada por dia Sexta-feira, 19 de março de 2027 O dia inaugural coloca em primeiro plano a força do rap global, o peso de pistas eletrônicas consagradas e a inventividade do underground nacional: Sábado, 20 de março de 2027 A segunda data celebra o diálogo entre o rock de grandes arenas, projetos solos históricos e novas assinaturas das pistas brasileiras: Domingo, 21 de março de 2027 O fechamento do festival une a vanguarda do pop mundial, o pós-punk contemporâneo e encontros emblemáticos da música popular brasileira: Modalidades de ingressos, condições Bradesco e setores Os ingressos do Lolla Day contemplam os setores Lolla Pista, Lolla Comfort by Bradesco (área com vista privilegiada, áreas de descanso, banheiros e bares dedicados) e Lolla Lounge by Vivo (área premium com serviço de open food, open bar e transporte exclusivo): Serviço | Lollapalooza Brasil 2027
Tosco transforma a hiperconexão em fúria em Conectados Até o Nosso Fim
Questionando a vigilância voluntária, o rastro digital e a superexposição nas redes sociais por meio de riffs cortantes e velocidade sem concessões, a banda santista Tosco lançou nas plataformas de streaming o single Conectados Até o Nosso Fim. A faixa dá título e antecipa os caminhos de seu quarto álbum de estúdio, com lançamento marcado para 30 de outubro de 2026. O lançamento chegou acompanhado de um lyric video internacional veiculado pelo prestigiado canal Hardcore Worldwide, além de trazer no lado B uma homenagem direta às raízes do grupo: uma versão avassaladora de A Lesson in Violence, clássico seminal do Exodus. A faixa pode ser ouvida no Spotify através do link e o lyric video já está disponível no YouTube (confira abaixo). A servidão voluntária aos algoritmos e à inteligência artificial Com quase uma década de estrada, três álbuns cheios, EP e disco ao vivo, o quarteto de Santos finca o pé no thrashcore cantado em português para destrinchar um dos maiores paradoxos contemporâneos: o aprisionamento digital promovido pelo avanço das redes e da inteligência artificial. Para o vocalista e letrista Osvaldo Fernandez, o debate parte de um monitoramento que não precisa mais de coerção externa: “Hoje, a gente não precisa mais ser perseguido para ser monitorado: fazemos isso sozinhos e ainda entregamos tudo de bandeja. Estamos conectados o tempo inteiro, e talvez nem a morte seja capaz de nos desconectar”, provoca o vocalista. Musicalmente, a identidade do Tosco funde o peso arrastado e cru do Black Sabbath à palhetada veloz da Bay Area californiana (Slayer, Testament, Exodus), amarrada com a urgência e a contestação política do hardcore punk. A versão de A Lesson in Violence reforça essa escola oitentista que forjou a bagagem dos integrantes. “O Exodus e todas as bandas de Thrash Metal daquela época fazem parte da nossa formação desde moleques. ‘A Lesson in Violence’ é uma forma de deixar isso explícito: nossas influências não estão apenas nas referências, estão no nosso DNA”, pontua o guitarrista e compositor Ricardo Lima. Quarto álbum chega em 30 de outubro com arte de Jean Michel Agendado para o fim do mês, o álbum Conectados Até o (Nosso) Fim promete ser o capítulo mais virulento e agressivo da discografia da banda. As letras exploram temáticas urgentes como cultura do cancelamento, polarização política, fraudes digitais, relações utilitaristas e a corrosão do tecido social no ambiente hiperconectado. A parte técnica e visual do disco reúne nomes consagrados da cena mundial:
Capital Inicial lança minissérie documental nas redes sociais e prepara grande anúncio
O Capital Inicial iniciou a exibição de uma minissérie documental em suas redes sociais oficiais (Instagram e YouTube). Composta por quatro episódios, a produção resgata marcos fundamentais da trajetória do quarteto de Brasília enquanto conduz o público para o desfecho de uma misteriosa contagem regressiva. O mistério teve início durante a passagem apoteótica da banda pelo Rock in Rio, onde o grupo foi uma das principais atrações como headliner do Palco Sunset. Ao final do espetáculo, os telões do festival exibiram um QR Code que direcionava para a página especial, dando a largada para uma contagem de 66 dias com a promessa de apresentar o acontecimento mais marcante de toda a sua história artística. Ver esse post no Instagram Um post compartilhado por Capital Inicial (@capitalinicial) Dos “Garotos de Brasília” ao clímax em novembro A série audiovisual funciona como uma ponte entre as raízes do pós-punk oitentista da capital federal e os próximos passos da banda. O primeiro capítulo já está disponível e revisita a gênese do grupo, sob o título de “Garotos de Brasília”. O cronograma completo dos lançamentos digitais segue as seguintes datas: O vocalista Dinho Ouro Preto destacou o clima de superação e suspense que cerca esse momento do quarteto: “Quando a gente pensa que em mais de 40 anos de carreira não tem como superar as expectativas, a gente sempre acha uma maneira de se superar. E acho que os fãs vão vibrar com a gente no dia do anúncio”, adianta Dinho. Turnê “Música Urbana” e momento histórico A contagem regressiva acontece em paralelo ao sucesso da turnê Música Urbana, espetáculo que já ultrapassa a marca de 40 apresentações pelo país, lotando arenas, casas de espetáculo e os principais festivais de música do Brasil. O anúncio oficial, marcado para 9 de novembro, encerra semanas de especulação entre fãs e imprensa sobre novos passos discográficos, grandes projetos audiovisuais ou turnês comemorativas de grande porte.
limmbo abraça distorção e encara o medo do fim em “wandering ghost”
O cantor, compositor e multi-instrumentista santista limmbo lançou nas plataformas de streaming o single inédito wandering ghost. Trata-se do segundo lançamento do artista pela Casalago Records, dando sequência aos preparativos para o seu próximo álbum de estúdio, ainda sem data oficial anunciada. Guardada desde meados de 2022, período posterior ao isolamento da pandemia em que o músico enfrentou a sensação constante e angustiante de que poderia morrer a qualquer momento, a composição personifica a figura de um “fantasma andarilho” que vaga carregando frustrações, projetos interrompidos e desejos não concretizados. A faixa já pode ser ouvida nos tocadores digitais via found.ee/wanderingghost, acompanhada de lyric video oficial. O fantasma errante diante da vida adulta A lírica de “wandering ghost” constrói uma narrativa sufocante: noites sem ar, dores de cabeça intermináveis e sonhos de queda refletem a apreensão diante do tempo que escorre. No refrão, o contraste se acentua quando o sol nasce e a voz engasga frente a oportunidades perdidas, culminando em uma reflexão aberta na ponte da faixa (“Eu não deveria dar tudo de mim agora? Todo o meu coração, corpo e alma?”). Guitarras pesadas, synths flutuantes e método 100% DIY Musicalmente, “wandering ghost” marca a faceta mais pesada e enérgica já gravada por limmbo. Em contraste com versos mais intimistas, o arranjo explode em guitarras distorcidas com riffs em primeiro plano, bateria potente, camadas de sintetizadores etéreos e vocais rasgados no refrão, bebendo diretamente nas referências das fases mais pesadas de bandas como Fresno e Paramore. O trabalho foi desenvolvido sob a ótica do “faça você mesmo” (DIY): Do quarto à Casalago Records: a trajetória de limmbo Com apenas 25 anos, o compositor começou sua história na música aos 12, compondo antes mesmo de dominar os acordes no violão. Seu pop punk, indie e rock alternativo dialogam com nomes como The Cure, Fall Out Boy, Beabadoobee, Paramore e Fresno, abordando temas urgentes da juventude contemporânea como identidade, sexualidade, autoimagem e saúde emocional. Antes de assumir a alcunha atual, o artista lançou de forma independente o EP A Few Thoughts in a New Year’s Eve (2019) e os álbuns nineteen (2021) e i care about what you think of me (2025), cujo clipe de dancing with wolves foi selecionado e exibido na Mostra Videoclipe Caiçara do 23º Curta Santos. Rebatizado oficialmente como limmbo em 2026 com sua entrada na Casalago Records, o santista estreou a nova fase em setembro com o single glitter eyes, abrindo caminhos para o disco cheio que consolidará essa nova maturidade rítmica e conceitual.
EXCLUSIVO – Lucia Vulcano explora brutalidade e sentimentalismo no álbum “chucra & sensível”
A musicista e compositora mineira Lucia Vulcano lançou chucra & sensível, segundo álbum de sua carreira solo e sucessor de vim, vi e me fudi, de 2024. Composto entre 2025 e 2026, o disco aprofunda características já presentes no trabalho da artista: guitarras pesadas, riffs marcados, mudanças de compasso e letras sarcásticas, ao mesmo tempo em que coloca no centro a contradição da convivência entre brutalidade e sentimentalismo. É dessa oposição que surge o título do álbum. Para Lucia, os dois polos não são necessariamente incompatíveis. “O conceito é a dicotomia entre ser chucra, porém sensível. As músicas transitam entre essas duas contradições que, ao meu ver, são complementares. Há beleza em ser sentimentalmente chucra e brutalmente sensível”, explica. Entre as referências estão L7, Soundgarden, Black Sabbath e Hole, ao lado de universos aparentemente mais distantes, como Jeff Buckley e Marília Mendonça. Essa última aproximação aparece de forma direta em Eu Sei de Cor, canção composta por Danillo Dávila, Elcio di Carvalho, Lari Ferreira e Junior Pepato e consagrada na voz de Marília Mendonça, que ganha no disco uma releitura concebida por Thiago Machado (Porquinho). Em chucra & sensível, a faixa é deslocada para um universo que Lucia define como “emo BR dos anos 2000”. O resultado preserva a linguagem desenvolvida por Lucia em seu primeiro álbum, mas amplia o espaço dado às melodias e às tensões entre agressividade e vulnerabilidade. Essa dualidade surge de um processo de composição que a artista descreve menos como um ritual de inspiração, e mais como algo parte de sua própria rotina. “Eu penso em compor, sento com minha guitarra e escrevo uma música. Registro porcamente com o pouco equipamento que tenho e vou trabalhando nela a partir daí. É um processo mundano, quase como arrumar a casa, tomar banho e se alimentar. Precisa ser feito e eu faço”, conta. chucra & sensível foi gravado entre junho e julho de 2026 no Acústico Motor, em Belo Horizonte, com produção de Rafael Dutra, parceiro de trabalho de Lucia desde 2018, quando colaboraram na gravação do primeiro disco do power trio pata, em que ela atuava como guitarrista e vocalista. A capa do álbum também nasceu de uma observação cotidiana, embora pouco convencional. Durante quase um ano, Lucia fotografou ratos mortos encontrados pelas ruas de Belo Horizonte, sobretudo no período de chuvas. “Eu ando muito a pé e tenho o péssimo costume de andar olhando para o chão. Comecei a ver que tinha muito rato morto em BH, principalmente no período de chuvas, quando eles morrem afogados no esgoto”, conta. Com o tempo, a busca pela imagem da capa passou até a envolver pessoas da vizinhança. “Tirei tanta foto que o pessoal da minha rua começou a me perguntar o porquê de eu estar fazendo isso. Quando falei que queria fazer uma capa para o disco, começaram a me avisar: ‘ó, ali tem um rato morto, na esquina tem outro’. Não sei por que essa ideia nasceu dentro de mim, mas ela foi se formando e crescendo até eu encontrar a cena ideal e que não causasse tanta repulsa em quem visse – porque tem umas fotos bem gore”, completa. A capa é assinada pela própria Lucia, com lettering de Marcelo Miranda.
Mötley Crüe resgata versão original de “Take Me To The Top” após 45 anos
O Mötley Crüe disponibilizou nas plataformas digitais uma versão remasterizada de “Take Me To The Top”, gravada originalmente em 1981 para a primeira edição de “Too Fast For Love”. A faixa, lançada na época pelo selo independente Leathür Records, chega ao streaming pela primeira vez e antecipa a edição comemorativa de 45 anos do álbum de estreia da banda, prevista para 30 de outubro pela BMG. A gravação recupera um dos primeiros registros do grupo, anterior à reformulação do disco pela Elektra Records em 1982. “Take Me To The Top” também voltou recentemente ao repertório dos shows do Mötley Crüe depois de 42 anos de ausência, durante a turnê norte-americana “The Return Of The Carnival Of Sins”, que passou por 33 cidades e reuniu quase meio milhão de espectadores. Lançado originalmente em 1981, com uma tiragem inicial de apenas 900 cópias, “Too Fast For Love” ajudou a estabelecer as bases da cena hard rock de Los Angeles nos anos 1980. A mistura de energia punk, visual glam e apresentações intensas chamou a atenção da Elektra Records, que assinou com o quarteto poucos meses depois. A nova edição do álbum, lançada em agosto de 1982, ampliou o alcance da banda com músicas como “Live Wire”, impulsionada também pela exposição na então recém-criada MTV. Para celebrar o aniversário, o Mötley Crüe preparou um box comemorativo que reúne as versões remasterizadas de 1981 e 1982, gravações raras e inéditas de um show realizado no Perkins Palace em 1982 e as primeiras demos de estúdio, registradas em março de 1981. O material inclui ainda uma réplica da fita cassete original, compacto de sete polegadas, livro de fotografias com 100 páginas e outros itens de colecionador. O relançamento também coincide com novas marcas comerciais alcançadas pelo catálogo da banda. “Kickstart My Heart” ultrapassou 1 bilhão de reproduções no Spotify, enquanto “Dr. Feelgood” recebeu certificação de nove vezes platina nos Estados Unidos. Outros clássicos, como “Girls, Girls, Girls”, “Home Sweet Home” e “Live Wire”, também conquistaram novas certificações. Com a edição de 45 anos de “Too Fast For Love”, o Mötley Crüe revisita o período anterior ao sucesso mundial, quando Nikki Sixx, Tommy Lee, Mick Mars e Vince Neil ainda construíam sua identidade nos clubes de Los Angeles. O material recupera gravações que documentam o início de uma trajetória que ajudaria a definir o hard rock da década seguinte.
Pet Shop Boys revisita vida e legado de Alan Turing em novo álbum
O Pet Shop Boys lançou “A Man from the Future”, álbum conceitual inspirado na trajetória de Alan Turing, matemático britânico considerado um dos pioneiros da computação moderna. Desenvolvido em parceria com Andrew Hodges, autor da biografia “Alan Turing: The Enigma”, o trabalho reúne oito faixas que combinam música eletrônica, arranjos orquestrais e narração para contar a história de um dos nomes mais importantes da ciência do século XX. O projeto acompanha cronologicamente a vida de Turing, desde a juventude e o interesse pela matemática até sua participação na Segunda Guerra Mundial, quando teve papel fundamental nos esforços britânicos para decifrar mensagens criptografadas pela máquina alemã Enigma. O disco também aborda suas contribuições para o desenvolvimento dos computadores e suas ideias pioneiras sobre inteligência artificial. A narrativa não deixa de lado a perseguição sofrida pelo cientista em razão de sua homossexualidade. Condenado pela Justiça britânica em 1952, Turing morreu por suicídio dois anos depois, aos 41 anos. A última faixa inclui um trecho de um pronunciamento feito em 2009 pelo então primeiro-ministro Gordon Brown, que pediu desculpas oficialmente pelo tratamento recebido pelo matemático. Em 2013, Turing recebeu um perdão real póstumo da rainha Elizabeth II. Musicalmente, “A Man from the Future” apresenta composições de Neil Tennant e Chris Lowe acompanhadas por narrações da atriz Juliet Stevenson, baseadas na biografia escrita por Hodges. Os arranjos orquestrais são assinados por Sven Helbig e executados pelo Manchester Camerata Octet, enquanto integrantes do coro masculino da Manchester Grammar School participam de quatro músicas. A obra, na verdade, não é inteiramente inédita. Sua primeira versão foi desenvolvida entre 2012 e 2013 e apresentada em julho de 2014, durante a série BBC Proms, no Royal Albert Hall, em Londres. Na ocasião, o Pet Shop Boys dividiu o palco com a BBC Concert Orchestra e os BBC Singers. Mais de uma década depois, a dupla decidiu revisitar a composição, ampliando a presença dos elementos eletrônicos e substituindo a formação orquestral original por um conjunto de oito instrumentistas de cordas. Segundo Tennant e Lowe, a intenção sempre foi homenagear um homem que contribuiu decisivamente para a ciência e para seu país, mas acabou perseguido por sua sexualidade. A dupla destaca que Turing não apenas antecipou possibilidades da computação moderna, como também imaginou uma sociedade na qual a homossexualidade seria aceita naturalmente. Lançado pela Parlophone Records, “A Man from the Future” transforma essa trajetória em uma narrativa musical que atravessa ciência, guerra, preconceito e reconhecimento histórico, aproximando o universo eletrônico do Pet Shop Boys de uma das histórias mais marcantes do século passado.
La Dispute anuncia três shows no Brasil em maio de 2027 com Zeta
O La Dispute anunciou sua primeira turnê completa pela América Latina, com três apresentações no Brasil em maio de 2027. A banda norte-americana de post-hardcore tocará em Curitiba, no Belvedere, em 28 de maio; São Paulo, no Carioca Club, em 29 de maio; e Rio de Janeiro, no Agyto, em 30 de maio. Os venezuelanos do Zeta serão os convidados especiais nas três datas, realizadas pela ND Productions e Áldeia Produções. Antes de chegar ao Brasil, a turnê passará por Costa Rica, Colômbia, Peru, Chile e Argentina, ampliando a presença do grupo na região. O retorno acontece 11 anos depois da primeira passagem da banda pelo país, encerrando uma longa espera dos fãs brasileiros. O repertório terá músicas de diferentes fases da carreira, além de composições de “No One Was Driving the Car”, trabalho mais recente do quinteto. Formado em Grand Rapids, Michigan, o La Dispute construiu uma identidade própria ao combinar post-hardcore, emo, spoken word e rock experimental. A interpretação intensa de Jordan Dreyer e as letras narrativas, frequentemente dedicadas a conflitos pessoais, relacionamentos e questões existenciais, ajudaram a consolidar a banda como uma das referências do gênero nas últimas duas décadas. A turnê também marca o encontro com o Zeta, grupo venezuelano que mistura punk, post-rock, psicodelia e ritmos afro-caribenhos. A banda acompanhará o La Dispute não apenas no Brasil, mas também nas apresentações de Colômbia, Peru, Chile e Argentina. Em comunicado, Jordan Dreyer reconheceu a demora para retornar à América Latina. O vocalista lembrou que, desde a primeira visita, a banda prometia voltar para realizar mais shows, mas os planos acabaram sendo adiados repetidamente. “Prometemos voltar à América Latina e demoramos demais para cumprir. Tivemos nossos motivos, mas eles não importam mais. Agora estamos cumprindo essa promessa, por nós mesmos e também por vocês”, afirmou. Os ingressos para as apresentações brasileiras estão à venda pela Fastix. Serviço – La Dispute + Zeta no Brasil Ingressos: Fastix.
Greta Van Fleet lança “Palace For The People”, sua obra mais ambiciosa e sinfônica
O Greta Van Fleet disponibilizou na última sexta-feira (9) o álbum Palace For The People. Apontado como o projeto mais visionário e ousado de sua trajetória, o disco amplia o peso do hard rock setentista ao incorporar arranjos orquestrais e texturas etéreas, consolidando a maturidade do grupo. O trabalho já pode ser conferido em todas as plataformas de streaming através do link. Para o público colecionador de mídia física, edições especiais em CD e vinil já estão disponíveis em pré-venda exclusiva na UMusic Store. Gravado no Tennessee com o produtor Mike Elizondo As sessões de gravação de Palace For The People aconteceram no estado do Tennessee, no sul dos Estados Unidos, durante a primavera de 2026. A coprodução musical foi dividida entre os próprios integrantes da banda e o renomado produtor Mike Elizondo, profissional multifacetado cujo currículo transita por obras aclamadas de nomes como Turnstile, Fiona Apple e Eminem. A parceria no estúdio resultou em uma dinâmica coesa e expansiva, onde a força bruta das guitarras convive em harmonia com orquestrações elegantes e ambientações reflexivas: “No momento em que nós quatro entramos em uma sala com o objetivo de criar, há muito pouco que possa nos impedir”, reflete o baterista Danny Wagner. O baixista e tecladista Sam Kiszka completa, sintetizando o conceito que dá título ao trabalho: “Percebemos que a música é o nosso palácio.” Do fenômeno de Michigan às maiores arenas globais Formado na cidade de Frankenmuth, em Michigan, pelos irmãos Josh Kiszka (voz), Jake Kiszka (guitarra), Sam Kiszka (baixo e teclados) e pelo amigo Danny Wagner (bateria), o Greta Van Fleet estabeleceu-se como uma das maiores forças comerciais do rock moderno: