Damien Rice retorna ao Brasil em 2027 para celebrar 25 anos do álbum “O”
O cantor e compositor irlandês Damien Rice anunciou um show especial em São Paulo para o dia 3 de maio de 2027, na Sala São Paulo. A apresentação faz parte da turnê “25 Years, 25 Cities”, que celebra os 25 anos de “O”, álbum de estreia lançado em 2002. O projeto prevê apresentações em 25 cidades e marca o retorno do músico ao Brasil com um repertório dedicado ao disco que o projetou internacionalmente. Lançado de maneira independente, “O” tornou-se um dos trabalhos mais reconhecidos do folk dos anos 2000, reunindo composições como “The Blower’s Daughter”, “Cannonball” e “Delicate”. A primeira ganhou ainda mais popularidade ao integrar a trilha sonora do filme “Closer – Perto Demais” (2004), ajudando a apresentar a música de Rice a um público mais amplo. A história do álbum também chama a atenção pelas circunstâncias de sua criação. Depois de abandonar um contrato com uma gravadora, Rice passou um período viajando pela Europa e tocando nas ruas antes de retornar à Irlanda. Com recursos emprestados pelo pai e apoio do compositor David Arnold, gravou e produziu o disco em casa, sem grandes expectativas comerciais. O resultado foi um trabalho marcado por arranjos minimalistas, interpretações intensas e letras confessionais, características que se tornariam fundamentais em sua carreira. Ao longo das décadas seguintes, Damien Rice manteve uma relação particular com a indústria musical, alternando lançamentos, turnês e longos períodos de afastamento. Sua discografia inclui ainda “9” (2006) e “My Favourite Faded Fantasy” (2014), mas as composições de “O” permaneceram entre as mais celebradas de seu repertório. A turnê comemorativa propõe justamente um reencontro com essas músicas, agora sob a perspectiva de um artista que acumulou 25 anos de experiências desde a estreia. Conhecido por apresentações intimistas, Rice costuma explorar os contrastes entre silêncio e intensidade, com interpretações que frequentemente ganham novos arranjos ao vivo. A apresentação brasileira será realizada pela Move Concerts. A pré-venda para o fã-clube começa em 21 de outubro, às 10h, enquanto a venda geral terá início em 23 de outubro, também às 10h, pelo site da Sala São Paulo. Serviço – Damien Rice em São Paulo Turnê: 25 Years, 25 CitiesData: 3 de maio de 2027 (segunda-feira)Local: Sala São PauloEndereço: Praça Júlio Prestes, 16, Campos Elíseos, São PauloAbertura: 19h30Show: 20h30Pré-venda para fãs: 21 de outubro de 2026, às 10hVenda geral: 23 de outubro de 2026, às 10hIngressos: Site oficial da Sala São Paulo
Vitor Isensee resgata lado melódico em “Pra Cima Todo Santo Ajuda”, segundo álbum solo
Vitor Isensee, conhecido por sua trajetória no Forfun e no Braza, lançou “Pra Cima Todo Santo Ajuda”, segundo álbum de sua carreira solo. O trabalho reúne composições desenvolvidas ao longo dos últimos dez anos e marca um retorno à canção, privilegiando melodias, letras intimistas e arranjos mais leves. A proposta é transformar experiências cotidianas, reflexões sobre o tempo e pequenos acontecimentos da vida em músicas que transitam entre a cidade e a natureza. Produzido por Júlio Raposo, que já trabalhou com Os Garotin e Tiago Iorc, o disco também conta com coprodução do próprio Vitor e participações de Vovô Bebê na produção de algumas faixas. A sonoridade procura recuperar a espontaneidade das primeiras composições do músico, deixando em segundo plano estruturas mais complexas e priorizando a simplicidade melódica. “Fui buscar uma forma mais ingênua de compor, como fazia lá no começo do Forfun ou nas músicas mais reflexivas do Braza. É menos falado e mais cantado. Menos pensado e mais sentido”, explica Vitor. A declaração ajuda a compreender a proposta do álbum, que procura estabelecer uma conexão direta com o ouvinte sem depender de grandes experimentações ou de uma produção excessivamente elaborada. Confira aqui a entrevista com Vitor Isensee falando sobre o novo álbum Essa escolha também representa um contraste interessante com parte de sua trajetória recente. Enquanto o Braza explora uma mistura de ritmos brasileiros, reggae, rap e música eletrônica, “Pra Cima Todo Santo Ajuda” coloca a composição no centro das atenções. A intenção não é necessariamente abandonar essas influências, mas encontrar um espaço no qual a voz, a melodia e a mensagem conduzam as músicas. O título funciona como uma síntese do conceito. Ao recuperar uma expressão popular, Vitor aborda a necessidade de continuar seguindo em frente mesmo diante das dificuldades. Existe uma tentativa de encontrar beleza nas pequenas experiências e de transformar a passagem do tempo em algo menos angustiante. A leveza, nesse contexto, aparece não como ausência de problemas, mas como uma maneira de enfrentá-los. Fundador do Forfun, banda que esteve em atividade entre 2001 e 2015 e se tornou uma referência do rock alternativo brasileiro, Vitor construiu uma carreira marcada pela combinação de diferentes estilos e por letras que acompanharam o amadurecimento de seu público. Atualmente, segue como integrante do Braza, contribuindo com teclados e composições. Sua estreia solo aconteceu em 2020, com “Vida e Nada Mais”, lançado sob o nome artístico Izenzee e com participações de Duda Beat, Luê, Morcego e Castello Branco. Fora da música, o artista também publicou os livros de poesia “Vivas Veredas” e “A Todo Pano”, ampliando uma relação com a palavra que atravessa diferentes momentos de sua produção artística. Com “Pra Cima Todo Santo Ajuda”, Vitor Isensee apresenta um trabalho que valoriza a canção em sua forma mais direta. Em vez de buscar uma ruptura com o passado, o músico recupera características presentes desde os primeiros anos do Forfun e as observa sob a perspectiva de quem acumula mais de duas décadas de carreira. É um disco sobre continuar caminhando, mesmo quando a subida parece difícil, sem perder a capacidade de encontrar algum encanto pelo caminho.
Pitty volta às guitarras em novo álbum sem abrir mão da experimentação
“Pitty”, sexto álbum de inéditas de Pitty, chegou nesta sexta-feira (16) pela Deck e encerra um intervalo de sete anos desde “Matriz” (2019). São 13 faixas que apresentam uma artista disposta a revisitar suas origens sem transformar o passado em uma fórmula. O rock continua sendo a espinha dorsal do trabalho, mas agora divide espaço com hip-hop, blues, elementos eletrônicos e ritmos que aproximam algumas composições da pista de dança. A cantora descreveu o processo de criação como a sensação de estar fazendo seu primeiro disco. E essa declaração ajuda a compreender o resultado. Depois de um período de pausa e reorganização, Pitty voltou a compor sozinha com o violão, como fazia na adolescência, em Salvador. A diferença é que, desta vez, assumiu também boa parte da construção instrumental, desenvolvendo riffs, batidas, arranjos e estruturas antes de apresentar as músicas ao produtor Rafael Ramos. Essa autonomia aparece como uma das principais características do álbum. Em vez de um trabalho montado a partir de ideias fragmentadas e posteriormente organizadas em estúdio, “Pitty” nasceu de composições praticamente prontas, desenvolvidas em menos de dois meses. O resultado preserva uma identidade bastante reconhecível, mas permite que a artista explore caminhos que nem sempre caberiam nos primeiros discos de sua carreira. A abertura (clipe acima) com “Sobremesa” é uma escolha certeira. O riff de guitarra estabelece imediatamente uma conexão com a Pitty que conquistou o público nos anos 2000, enquanto o refrão demonstra que sua capacidade de construir melodias marcantes continua intacta. Não é uma tentativa de reproduzir “Admirável Chip Novo”, mas existe uma familiaridade que ajuda a estabelecer o ponto de partida para as experiências seguintes. Em “Armadura”, a cantora mostra que peso e ritmo dançante não precisam ocupar espaços opostos. A faixa encontra uma maneira de preservar a presença das guitarras enquanto amplia o movimento da música. Já “DESOBEDIENTE”, produzida também por Nave, incorpora uma batida de hip-hop e demonstra uma disposição maior para brincar com estruturas e referências. São escolhas que reforçam a versatilidade do álbum, embora nem todas as mudanças de direção tenham o mesmo impacto. A aproximação com a pista de dança continua em “Sobriedade Seletiva” e “Pileque de Poeta”, ambas com coprodução de Felipe Vassão. As duas ajudam a estabelecer uma característica importante do disco: Pitty parece menos preocupada em defender uma ideia rígida do que significa fazer rock. As guitarras permanecem, mas não precisam dominar todos os espaços. “Não à Deriva” segue por esse caminho, reforçando a diversidade de ritmos. Essa liberdade, no entanto, também traz algumas irregularidades. A quantidade de caminhos explorados faz com que o álbum nem sempre apresente a mesma coesão de trabalhos anteriores. Há momentos em que a experimentação acrescenta personalidade às composições e outros em que a mudança de linguagem parece mais interessante como proposta do que como resultado. Não chega a comprometer o disco, mas impede que suas 13 faixas mantenham o mesmo nível de impacto. A dimensão lírica também merece atenção. Em “Caminhada”, Pitty aborda parceria e sororidade, valorizando a importância das relações de apoio em momentos de vulnerabilidade. “Amiga” amplia essa abordagem com novas camadas de percussão, enquanto “Álbum de Casamento” encontra espaço para referências ao blues. São exemplos de uma compositora que continua interessada em observar relações humanas, contradições e transformações pessoais, sem depender exclusivamente da indignação que marcou parte de seu repertório inicial. Talvez o aspecto mais interessante de “Pitty” esteja justamente nessa relação com o passado. Seria fácil apostar em um disco inteiramente construído sobre riffs pesados, refrões explosivos e referências ao início dos anos 2000. Existe público para isso, especialmente em um momento no qual a nostalgia daquela década ocupa tanto espaço no mercado musical. Mas a artista prefere não ficar presa à própria história. Também seria injusto tratar essa diversidade como uma novidade absoluta. Ao longo da carreira, Pitty já demonstrou interesse por diferentes linguagens, especialmente em trabalhos como “Chiaroscuro” (2009) e “Setevidas” (2014). O que muda agora é a maneira como essas influências convivem dentro de um mesmo repertório, com uma produção que permite alternar momentos mais crus e passagens de maior elaboração sonora. O álbum não precisa superar “Admirável Chip Novo” ou “Anacrônico” para justificar sua existência. Aqueles discos pertencem a momentos específicos da carreira da cantora e da própria música brasileira. Compará-los exclusivamente pela quantidade de riffs ou de possíveis hits seria ignorar mais de duas décadas de amadurecimento artístico. No balanço final, “Pitty” é um trabalho que ganha pontos pela liberdade criativa, ainda que essa mesma característica provoque algumas oscilações. Seus melhores momentos aparecem quando a experimentação surge naturalmente dentro das canções, sem deixar que a produção se sobreponha à composição. Não é um retorno às origens, tampouco uma reinvenção completa. É o retrato de uma artista que conhece muito bem sua identidade, mas ainda encontra motivos para questioná-la. A nova fase também chega aos palcos imediatamente. A turnê estreia neste sábado (17), em São Paulo, com ingressos esgotados, situação que se repete em Belo Horizonte, Porto Alegre e Vitória. Até dezembro, a cantora também passará por Curitiba, Recife, Ribeirão Preto, Sorocaba, Balneário Camboriú e Leopoldina, com novas apresentações previstas para serem anunciadas. Sete anos depois de “Matriz”, Pitty entrega um álbum que não procura respostas definitivas sobre seu lugar no rock brasileiro. E talvez seja justamente essa inquietação, mais do que qualquer riff ou refrão, o elemento que melhor conecta a artista de hoje àquela que surgiu no começo dos anos 2000.
Após chegar ao topo das rádios de rock nos EUA, A Perfect Circle lança clipe e prepara retorno ao Brasil
A banda A Perfect Circle lançou o videoclipe oficial de “Starless”, single que alcançou o topo das rádios de rock nos Estados Unidos. A música marca uma nova fase do grupo liderado por Billy Howerdel e Maynard James Keenan, mantendo a combinação de atmosferas sombrias e guitarras densas, marca registrada. O lançamento também sucede a chegada de “To Whom It May Concern”, outra composição inédita disponibilizada recentemente. Liricamente, “Starless” apresenta uma crítica ao autoritarismo e às estruturas de poder, abordando discursos que prometem proteção enquanto exigem obediência e desencorajam o pensamento crítico. A imagem de um céu sem estrelas funciona como metáfora para a perda de referências e de esperança diante de um cenário de manipulação e incerteza. O videoclipe acompanha essa proposta com uma estética visual igualmente sombria. A novidade chega pouco antes do retorno do A Perfect Circle ao Brasil. A banda se apresenta em 27 de novembro de 2026, no Suhai Music Hall, em São Paulo, encerrando uma espera de mais de uma década por uma nova apresentação no país. A noite contará ainda com o Puscifer, outro projeto de Maynard James Keenan, como atração de abertura. Formado em 1999, o A Perfect Circle estreou com “Mer de Noms” (2000), álbum que apresentou músicas como “Judith” e “3 Libras” e ajudou a estabelecer o grupo como um dos principais nomes do rock alternativo dos anos 2000. A discografia continuou com “Thirteenth Step” (2003), “eMOTIVe” (2004) e “Eat the Elephant” (2018), trabalho que encerrou um intervalo de 14 anos sem lançamentos de estúdio. Além da passagem pela América Latina, o grupo já anunciou uma turnê norte-americana para 2027, com apresentações ao lado do The Cult e passagens por espaços como Red Rocks Amphitheatre e Hollywood Bowl. “Starless” e “To Whom It May Concern” estão disponíveis nas plataformas digitais pela BMG.
Face to Face celebra 35 anos de carreira na We Are One Tour, com Satanic Surfers, Pulley e Ways Away
O Face to Face, banda californiana que ajudou a moldar o punk melódico dos anos 1990, celebra 35 anos de carreira como principal atração da We Are One Tour 2027, a maior turnê de punk rock da América Latina com realização da Solid Music Ent, ao lado dos suecos do Satanic Surfers, dos californianos do Pulley e do supergrupo de punk/hardcore Ways Away, que desembarca pela primeira vez no continente. A turnê será entre 7 e 19 de abril com datas em Porto Alegre/RS, Florianópolis/SC, Curitiba/PR e São Paulo/SP antes de seguir para Buenos Aires (Argentina), Santiago (Chile), San José (Costa Rica), Cidade do Panamá (Panamá) e Cidade do México (México). Ingressos estão à venda a partir das 17h no site da 101 Tickets. No Brasil, a turnê começa na quarta-feira, 7 de abril, em Porto Alegre (Espaço Marin). No dia 8 segue para Florianópolis (John Bull) e no dia 9 para Curitiba (Tork n’ Roll). A etapa brasileira termina no sábado, 10 de abril, em São Paulo (Audio). Face to Face Formado em 1991 em Victorville, na Califórnia, pelo vocalista e guitarrista Trever Keith, o Face to Face ganhou projeção com “Disconnected”, música que entrou em alta rotação na rádio KROQ, de Los Angeles, e foi parar na trilha do filme “Tank Girl”. Com “Don’t Turn Away” (1992), “Big Choice” (1995) e o disco homônimo de 1996, a banda ajudou a definir o punk melódico californiano dos anos 1990 e dividiu a estrada com Offspring, NOFX e Lagwagon. O Face to Face encerrou as atividades em 2004, com uma turnê de despedida que teve o My Chemical Romance na abertura, mas a banda voltou em 2008 e, desde então, lançou cinco discos de estúdio. Em 2015, o Face to Face retornou à Fat Wreck Chords, selo que havia lançado o single original de “Disconnected”. A formação atual tem Keith, o baixista Scott Shiflett (na banda desde 1995), o guitarrista Dennis Hill e o baterista Danny Thompson. Foi com ela que a banda gravou “No Way Out But Through” (Fat Wreck Chords, 2021), produzido por Siegfried Meier e mixado no Blasting Room, nos Estados Unidos. Keith considera esta a melhor formação da história da banda, e a imprensa especializada recebeu o disco como retrato do Face to Face em sua melhor forma. Satanic Surfers Formado em 1989 em Lund, no sul da Suécia, o Satanic Surfers integrou a geração que levou o skate punk escandinavo ao mundo nos anos 1990, ao lado de Millencolin e No Fun At All. A marca da banda se definiu em 1995, quando o baterista Rodrigo Alfaro assumiu os vocais sem largar as baquetas, arranjo que seria provisório e acabou virando identidade. Pela Burning Heart Records, lançou “Hero of Our Time”, que passou de 60 mil cópias vendidas, “666 Motor Inn” e “Going Nowhere Fast”. No período, excursionou com Millencolin, Lagwagon e Good Riddance pela Europa, pelo Canadá e pela Austrália. Em 2000, depois de voltar à Bad Taste Records, fez 32 shows pela Europa, 25 deles esgotados. A banda encerrou as atividades em 2007. A volta veio em 2015, a convite do festival canadense Amnesia Rockfest. Em 2018 saiu “Back From Hell”, primeiro disco de inéditas em 13 anos, que a revista britânica Mass Movement descreveu como uma versão ainda mais acelerada do que a banda sempre foi. Desde 2019, Alfaro voltou a cantar atrás da bateria, como na fase clássica, ao lado de Magnus Blixtberg, Max Huddén e Andy Dahlström. Pulley O Pulley é uma das bandas que formaram o catálogo de punk melódico da Epitaph Records nos anos 1990. Surgiu em Simi Valley, na Califórnia, com o vocalista Scott Radinsky, ex-Ten Foot Pole, que conciliou a banda com 11 temporadas como arremessador da MLB, a principal liga de beisebol dos Estados Unidos. Na formação original estava o baixista Matt Riddle, ex-Face to Face. Pela Epitaph, a banda lançou cinco discos entre 1996 e 2004, de “Esteem Driven Engine” a “Matters”, com um skate punk rápido e direto, guiado por refrões feitos para cantar junto. O lançamento mais recente é um split de 2025 com o Fire Sale, banda atual de Riddle. Ways Away A banda é um supergrupo que surgiu em Los Angeles em 2019, do encontro entre Jesse Barnett, vocalista do Stick to Your Guns, e Sergie Loobkoff, guitarrista do Samiam e do Knapsack, nomes de gerações diferentes do hardcore e do punk melódico norte-americano. Completam a formação o baterista Jared Shavelson, com passagens por BoySetsFire e Joyce Manor, e o baixista Chad Darby. Com ironia, o Ways Away se apresenta como quatro caras que já fazem bandas há tempos e resolveram fazer mais uma. O som do Ways Away fica entre o punk melódico e o post-hardcore, com guitarras à frente e refrões grandes. Ele alterna faixas rápidas e sujas com outras mais melódicas e introspectivas. A guitarra de Loobkoff carrega a herança do Samiam, e a voz rouca de Barnett, vinda do hardcore, dá peso a ela. A crítica costuma aproximar a banda do indie punk e do emo dos anos 1990, na linha de Samiam, Knapsack e Texas Is the Reason. SERVIÇO We Are One Tour 2027 em Porto Alegre/RSData: 7 de abril de 2027 Local: Espaço Marin (Rua Professora Cecy Cordeiro Thofehrm, 413) Ingressos We Are One Tour 2027 em Florianópolis/SCData: 8 de abril de 2027 Local: John Bull (Avenida das Rendeiras, 1046) Ingressos We Are One Tour 2027 em Curitiba/PRData: 9 de abril de 2027 Local: Tork n’ Roll (Avenida Marechal Floriano Peixoto, 1695) Ingressos We Are One Tour 2027 em São Paulo/SPData: 10 de abril de 2027 Local: Audio (Avenida Francisco Matarazzo, 694) Ingressos
U2 confirma retorno ao Brasil em 2027 com dois shows no MorumBIS e abertura de Beck
Marcando a volta aos estádios após quase oito anos e celebrando 50 anos de história: o U2 anunciou a turnê mundial Carnaval De Luz Presents: The Greatest Show On Earth para 2027. A excursão do U2 traz Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. de volta ao Brasil para duas apresentações exclusivas no MorumBIS, em São Paulo, nos dias 10 de março (quarta-feira) e 12 de março (sexta-feira). O giro latino-americano contará com o cantor e multi-instrumentista norte-americano Beck como convidado especial responsável pelos shows de abertura. Além da capital paulista, a rota no continente contempla apenas passagens pela Cidade do México e Buenos Aires. A realização no Brasil é da Live Nation Global Touring, com apresentação do Santander Brasil e apoio do Metrô de São Paulo. Os ingressos serão comercializados com exclusividade pela plataforma Ticketmaster Brasil. Novo álbum “Carnaval De Luz” e single inédito com Brian Eno A turnê promove Carnaval De Luz, 16º álbum de estúdio do quarteto irlandês e o primeiro com material inteiramente inédito em nove anos, com lançamento mundial marcado para o dia 13 de novembro de 2026 pela Island Records. Produzido por Jacknife Lee, o disco reúne 12 faixas que cruzam a experimentação sonora à maturidade composicional do grupo: Sobre o desafio de batizar a nova turnê como “O Maior Espetáculo da Terra”, o quarteto declarou em comunicado conjunto: “‘The Greatest Show On Earth’? Agora isso é um desafio. É um desafio para nós mesmos, tanto quanto para qualquer um, tentar fazer com que seja a melhor noite da vida de alguém. Um pouco de showman, um pouco de xamã, uma explosão de cores, guitarra insana, baixo e bateria, e melodias às quais você pode se apegar. Porque se as pessoas vão comparecer, nós certamente iremos.” U2 no Brasil marca a volta aos estádios após o marco da Sphere em Las Vegas Reconhecido historicamente por reinventar o entretenimento ao vivo, desde a revolucionária ZOO TV (1991) e a colossal estrutura da 360° Tour até a temporada visionária de 40 noites com ingressos esgotados que inaugurou a Sphere, em Las Vegas, o U2 não se apresentava em estádios abertos desde 15 de dezembro de 2019, data em que encerrou a aclamada The Joshua Tree Tour em Mumbai, na Índia. No espetáculo de 2027, o grupo promete unir monumentalidade visual a uma dinâmica intimista, revisitando cinco décadas de sucessos ao lado das faixas de Carnaval De Luz. Datas da turnê latino-americana do U2 (com Beck), incluindo Brasil Vendas de ingressos, pré-Venda Santander e setores A venda de ingressos para os shows no Brasil será escalonada pela Ticketmaster: Tabela de preços e setores do U2 no Brasil Setor Meia-Entrada Inteira Arquibancada R$ 345,00 R$ 690,00 Pista R$ 395,00 R$ 790,00 Cadeira Superior R$ 660,00 R$ 1.320,00 Cadeira Inferior R$ 695,00 R$ 1.390,00 Pista Premium A R$ 775,00 R$ 1.550,00 Pista Premium B R$ 775,00 R$ 1.550,00 Gold Circle R$ 875,00 R$ 1.750,00 Red Zone (Ingresso + Pacote VIP)* R$ 2.255,00 R$ 3.000,00 *O pacote Red Zone inclui área VIP exclusiva em pé delimitada na lateral do palco com capacidade limitada, sorteio para visita aos bastidores antes do show e destinação de parte da arrecadação ao Fundo Global da iniciativa (RED) no combate à AIDS. Serviço | U2 em São Paulo (março de 2027)
Entrevista | Thera – “Há muito mais confiança e segurança pessoal de que sei o que estou fazendo”
Aos 19 anos e recém-formada no ensino médio, a cantora e compositora tcheca Thera vive a transição mais decisiva de sua carreira. Revelada na internet ainda no início da adolescência diretamente de seu quarto em Praga, a artista agora consolida passos mais ambiciosos no cenário pop internacional com o lançamento de Heartless Romance, faixa que dita o tom estético e temático de uma fase mais confiante e provocativa. Produzida em parceria com nomes tarimbados do pop global como Jake Erickson e Toru, a nova faixa de Thera combina batidas encorpadas com influências de hip-hop e uma atmosfera dançante, servindo de cartão de visitas para o segundo álbum de estúdio da artista. Em conversa exclusiva com o Blog n’ Roll, Thera conta que teve certeza imediata da escolha assim que deixou a sala de gravação, guiada por uma intuição forte e pelo desejo de transformar sentimentos conflitantes em música de pista. Na entrevista, a artista reflete com franqueza sobre a dinâmica por trás da letra, que aborda a vulnerabilidade de relações modernas presas entre a amizade e o compromisso real. Sem filtros, Thera explica como tem usado a composição como diário aberto para falar de experiências reais, conectando-se diretamente a uma geração de ouvintes que cresce junto com ela. Além dos bastidores criativos e do desafio inusitado de batizar o novo disco, que já conta com 11 das 13 faixas finalizadas, Thera relembra a trajetória improvável de furar a bolha da cena musical de seu país cantando em inglês. A nova fase também marca sua estreia com coreografias e performances de dança, ampliando o repertório visual e de palco. Confira entrevista abaixo. Heartless Romance marca o início de um capítulo totalmente novo na sua carreira. O que te deu a certeza imediata de que essa faixa precisava ser o cartão de visitas dessa nova era, Thera? Essa é uma das melhores perguntas, porque eu sei que já disse várias vezes que, quando saí do estúdio, sabia que Heartless Romance seria a primeira. Foi uma intuição muito forte. Ao longo dos anos, aprendi a confiar nisso, porque componho todas as minhas músicas e elas vêm genuinamente do coração. Foi simplesmente algo que senti que era o certo; eu conseguia visualizar os elementos de dança, conseguia imaginar tudo. Então pensei: “Essa parece ser a primeira prévia de tudo o que está por vir”, porque escrevemos Heartless Romance enquanto estávamos compondo o álbum inteiro. Estava convicta: “É essa, e ninguém vai me fazer mudar de ideia”. Eu estava determinada de que era essa e que iríamos com ela. A faixa carrega uma atmosfera mais sombria, temas marcantes e batidas pesadas com influência de hip-hop. Como você descreveria a evolução do seu som desde os seus trabalhos de estreia até onde você está agora? Acho que diria simplesmente que está mais maduro e confiante. Escrevi algumas das minhas primeiras músicas quando tinha 12 ou 13 anos. Aquela garota não sabia que iria lançar músicas e compartilhá-las com o mundo todo. Então acho que agora não sou necessariamente mais cautelosa, mas simplesmente tenho mais noção do que estou fazendo. Eu componho muito, e boa parte não é lançada, porque meu processo atual é: escrevo bastante e depois vejo o que realmente quero lançar. Mas acredito que com todas as faixas que estão por vir, não só Heartless, mas todas as próximas, há muito mais confiança e segurança pessoal de que sei o que estou fazendo. Provavelmente não sei tudo, mas estou bem mais segura disso agora. Thera, na letra você mergulha naquela zona cinzenta de ser mais do que amigos, mas menos do que namorados. Essa dinâmica emocional veio de uma experiência pessoal ou de observar como os relacionamentos modernos funcionam? Veio de uma experiência pessoal. Quase todas as minhas músicas nascem de coisas pelas quais passei ou estou passando. Eu realmente queria muito escrever Heartless. É sobre uma situação pessoal que, de certa forma, ainda estou vivenciando. Mas realmente não queria que a música soasse pesada ou negativa, e é por isso que ela é mais dançante e pop. Justamente porque acho que, por mais complicada que a situação possa ser, também acaba sendo meio divertida. Então pensei: “Quer saber? Vamos escrever uma música chamada Heartless Romance“, e fomos em frente. Há uma vulnerabilidade crua em cantar sobre alguém que te deseja muito, mas hesita em se comprometer de verdade. Como é transformar sentimentos tão conflitantes, atração e frustração, em uma faixa pop tão dançante e contagiante? Sinceramente, eu adoro. Acho que a parte mais divertida para mim ao compor é, claro, ter uma história para contar, mas principalmente ver a faixa ganhar vida por si só. Sinto que a música retrata muito bem os altos e baixos e o que passa pela sua cabeça quando você está vivendo essa situação. É sempre muito legal ver de onde eu talvez comece com a música e onde conseguimos chegar com ela. Acho que ela traduz essa situação perfeitamente, então estou muito feliz com o resultado. Para essa faixa você colaborou com Jake Erickson, que tem um histórico impressionante no pop internacional. Como foi a química de vocês no estúdio e o que ele trouxe para o projeto que expandiu a sua visão artística? No primeiro dia com o Jake, fiquei muito, muito intimidada, porque a reputação dele o precede e ele trabalhou em faixas inacreditáveis. Então, só de estar na mesma sala com ele e dizer “beleza, vamos criar uma música juntos pela primeira vez” já foi incrível. Na verdade, fizemos nossa primeira faixa em novembro passado, então faz quase um ano. Mas, desde então, adorei trabalhar com ele. O Jake me desafia muito como artista, especialmente na parte vocal, até de maneiras que eu mesma não percebia. Ele vive me pedindo harmonias mais agudas e coisas do tipo, e eu sempre digo: “Não vai sair mais nada, não consigo ir mais alto!”. Mas no fim sempre sai. É maravilhoso ter alguém que sabe como te incentivar e como fazer você evoluir, gravando melhor mesmo
Fuzz Fest reúne gerações do HC e punk em Santos com Garage Fuzz, Zander, The Bombers e Seaport
A banda santista Garage Fuzz confirmou a edição de 2026 do tradicional Fuzz Fest. Conhecido como a grande “festa da firma” do hardcore, o evento acontece no dia 18 de dezembro de 2026 (sexta-feira), a partir das 20h, no Rusbé. O cartaz desta edição coloca no mesmo palco duas instituições históricas do circuito independente nacional, o peso veterano da capital fluminense e a força da novíssima safra do rock santista. O line-up oficial reúne o anfitrião Garage Fuzz, os cariocas do Zander, os conterrâneos do The Bombers e a estreia da banda Seaport no festival. Os ingressos do lote promocional já foram liberados e podem ser garantidos através da plataforma Sympla. Garage Fuzz e The Bombers celebram mais de três décadas de estrada O Fuzz Fest promove um reencontro emblemático para a história do hardcore caiçara. Tanto o Garage Fuzz quanto o The Bombers surgiram na efervescente primeira metade dos anos 1990 em Santos, ajudando a colocar a cidade na rota definitiva da música alternativa do continente. O Garage Fuzz chega após a repercussão de seus lançamentos mais recentes de estúdio e a recepção fervorosa de trabalhos como o elogiado EP Powerplant, reafirmando por que segue como um dos pilares mais respeitados e influentes da cena autoral brasileira. Já o The Bombers, que celebrou recentemente três décadas de atividades ininterruptas dedicadas ao punk rock, vem embalado por um dos momentos mais marcantes de sua trajetória: a conclusão de sua primeira turnê internacional. A circulação histórica passou por palcos da Argentina e do Uruguai, além de rodar com datas consagradas pela Região Sul do Brasil, cruzando cidades do Paraná, Santa Catarina e Rio Grande do Sul antes do desembarque apoteótico em casa. Zander em solo caiçara e o peso de “Em Carne Viva” Outro grande destaque do line-up é o Zander. Liderado por Gabriel Zander, o quarteto carioca construiu uma sólida relação de amizade e cumplicidade com os palcos santistas e traz na bagagem a potência de suas composições confessionais e viscerais. O público santista poderá conferir de perto as faixas do catálogo recente do grupo, que teve como marco de inéditas o contundente álbum Em Carne Viva, trabalho aclamado pela crítica que traduziu cicatrizes, desabafos e a densidade instrumental característica do post-hardcore nacional, além de hinos consagrados que marcaram a formação de uma legião de fãs pelo país. Seaport representa a nova geração do underground Completando o quarteto de atrações e debutando no Fuzz Fest, a banda santista Seaport chega representando o frescor e a maturidade da nova geração. Formada em Santos, a banda transita com personalidade por post-punk, art punk, indie e shoegaze. O grupo construiu uma discografia sólida em curto intervalo, com três álbuns, incluindo o mais recente, Folded in Four (2026), lançado pelo selo Baratos Afins. Serviço | Fuzz Fest 2026 em Santos
Gang of Four retorna ao Brasil em março de 2027 com shows em São Paulo e Curitiba
O Gang of Four, um dos nomes fundamentais do pós-punk britânico, anunciou dois shows no Brasil em março de 2027. A banda se apresenta no Cine Joia, em São Paulo, no dia 13, e no Cine Lido, em Curitiba, no dia 14. As apresentações, realizadas pela Maraty e Powerline Music & Books, abrem uma turnê sul-americana que também passará por Buenos Aires, na Argentina, e Santiago, no Chile. A confirmação acontece pouco mais de um ano depois de o grupo anunciar a turnê de despedida “The Long Goodbye”, realizada em 2025. Na ocasião, os fundadores Jon King e Hugo Burnham indicaram que aquela seria a última grande excursão da banda. Posteriormente, King esclareceu que a despedida dizia respeito às turnês extensas, e não ao encerramento definitivo das atividades do Gang of Four. A formação que desembarca no Brasil reúne Jon King nos vocais e Hugo Burnham na bateria, acompanhados por Gail Greenwood, conhecida pelos trabalhos com Belly e L7, no baixo, e Ted Leo, do Ted Leo & The Pharmacists, na guitarra. Em abril de 2026, o quarteto lançou “NO KINGS HERE!”, primeira música inédita dessa configuração, produzida por Nick Launay. Formado em Leeds, na Inglaterra, em 1976, o Gang of Four ajudou a estabelecer as bases do pós-punk ao combinar a urgência do punk rock com elementos de funk e dub. Seu álbum de estreia, “Entertainment!” (1979), tornou-se uma das principais referências do gênero e aparece na lista dos 500 maiores discos de todos os tempos da Rolling Stone. O trabalho abriu caminho para lançamentos como “Solid Gold” (1981) e “Songs of the Free” (1982). A influência do grupo atravessou gerações e chegou a artistas como R.E.M., Red Hot Chili Peppers, Nirvana e Rage Against the Machine. No Brasil, a banda também deixou marcas importantes: Dado Villa-Lobos, da Legião Urbana, já reconheceu a influência do guitarrista Andy Gill na construção de “Ainda é Cedo”. Gill, que morreu em 2020, chegou a participar de um tributo aos 30 anos da Legião Urbana, realizado em São Paulo em 2012. Durante a turnê de 2025, o Gang of Four apresentou “Entertainment!” na íntegra, seguido por um segundo bloco de músicas de diferentes fases da carreira. O retorno ao Brasil oferece uma nova oportunidade de acompanhar o repertório de uma banda cuja mistura de guitarras angulares, ritmos dançantes e letras de crítica social permanece influente quase cinco décadas depois de sua formação. Serviço – Gang of Four no Brasil São Paulo Curitiba