Tigers Jaw anuncia turnê brasileira do álbum “Lost On You”
A banda Tigers Jaw confirmou o retorno ao Brasil para uma série de três shows em outubro de 2026. A turnê latino-americana do novo álbum “Lost On You” passa por São Paulo no dia 10 de outubro, no Cine Joia, segue para o Rio de Janeiro no dia 11, com local ainda a ser anunciado, e termina em Curitiba no dia 12, no Belvedere. A realização é da New Direction Productions em parceria com a Powerline Music & Books. Formado há duas décadas em Scranton, na Pensilvânia, o Tigers Jaw se consolidou como um dos nomes mais influentes da geração emo surgida nos anos 2000. A banda construiu uma trajetória marcada por melodias confessionais, guitarras melancólicas e pela combinação vocal entre Ben Walsh e Brianna Collins, que transformaram experiências íntimas da juventude em canções capazes de acompanhar o amadurecimento do próprio público. Ao longo da carreira, o grupo lançou discos cultuados como “Tigers Jaw”, “Charmer”, “Spin” e “I Won’t Care How You Remember Me”. A nova passagem pelo Brasil marca a divulgação de “Lost On You”, sétimo álbum de estúdio da banda e primeiro trabalho inédito em cinco anos. Gravado novamente com o produtor Will Yip no Studio 4, na Pensilvânia, o disco retoma elementos clássicos da identidade do Tigers Jaw, equilibrando peso e delicadeza em guitarras melódicas e vocais entrelaçados. O álbum também reforça uma abordagem mais madura nas letras, explorando memória, ansiedade, afeto e as incertezas que permanecem mesmo na vida adulta. Antes de desembarcar no Brasil, a banda passa por Cidade do México, Guatemala City, San José, Bogotá, Santiago e Buenos Aires. A última visita do Tigers Jaw ao país aconteceu em 2017, durante a turnê do álbum “Spin”, com apresentações em São Paulo, Curitiba, Porto Alegre e Belo Horizonte. Faixas como “The Sun”, “Plane vs. Tank vs. Submarine”, “Guardian”, “June” e “Escape Plan” seguem entre as mais celebradas pelos fãs. “Lost On You” também recebeu destaque na imprensa internacional. A revista Kerrang! descreveu o álbum como um trabalho “cheio de esperança, dor, desejo e aprendizado”, enquanto a New Noise apontou o disco como “um dos mais poderosos da carreira da banda”. Já a When The Horn Blows classificou o lançamento como “renovador e familiar”, e a PopMatters definiu o Tigers Jaw como “confiavelmente ótimo” em mais uma coleção de músicas que reforçam a identidade construída ao longo de duas décadas. Serviço Tigers Jaw em São PauloData: 10 de outubro de 2026Local: Cine Joia Tigers Jaw no Rio de JaneiroData: 11 de outubro de 2026Local: a ser anunciado Tigers Jaw em CuritibaData: 12 de outubro de 2026Local: Belvedere
Zakk Wylde volta ao Brasil para turnê com Black Label Society e Zakk Sabbath
Após ser uma das atrações do Bangers Open Air, o Black Label Society anunciou uma nova turnê pelo Brasil para outubro deste ano. Liderada por Zakk Wylde, guitarrista histórico da carreira solo de Ozzy Osbourne e integrante da atual formação do Pantera, a banda fará seis apresentações pelo país, além de um show especial do projeto Zakk Sabbath, que revisita clássicos do Black Sabbath em homenagem ao legado de Ozzy. A turnê brasileira começa no dia 10 de outubro, em Curitiba, no Tork n’ Roll. Na sequência, o Zakk Sabbath sobe ao palco do Carioca Club, em São Paulo, no dia 11 de outubro, em uma apresentação única no país. O Black Label Society retorna à estrada no dia 13, em Belo Horizonte, no Mister Rock, segue para Brasília no dia 15, no Toinha Brasil Show, passa pelo Rio de Janeiro no dia 17, no Sacadura 154, volta à capital paulista no dia 18, no Terra SP, e encerra a passagem pelo Brasil em Limeira, no interior de São Paulo, no dia 20 de outubro, no Mirage Eventos. Os ingressos para todas as datas começam a ser vendidos às 13h desta quarta-feira, 20 de maio. As entradas para São Paulo, Belo Horizonte, Rio de Janeiro e Brasília estarão disponíveis pelo Clube do Ingresso, enquanto Curitiba e Limeira terão vendas pela Fastix. A nova passagem pelo Brasil também marca a divulgação de “Engines of Demolition”, álbum lançado mundialmente em março. O disco encerrou um intervalo de cinco anos sem trabalhos completos inéditos do Black Label Society e recolocou a banda em uma intensa agenda internacional. Entre as faixas do álbum estão “Name in Blood”, “Broken and Blind”, “The Gallows”, “Lord Humungus” e “Ozzy’s Song”, composição criada por Zakk Wylde em homenagem a Ozzy Osbourne após a morte do cantor, em julho de 2025. Formado em 1998, o Black Label Society construiu uma trajetória marcada por riffs pesados, influência de blues e baladas carregadas de dramaticidade. Ao longo de mais de duas décadas, a banda lançou trabalhos como “Sonic Brew”, “1919 Eternal”, “The Blessed Hellride”, “Mafia”, “Order of the Black” e “Doom Crew Inc.”, consolidando uma identidade própria dentro do heavy metal contemporâneo. A relação entre Zakk Wylde e Ozzy Osbourne atravessou quase quatro décadas e se tornou uma das parcerias mais duradouras do metal. Wylde entrou para a banda de Ozzy no fim dos anos 1980 e estreou em estúdio no álbum “No Rest for the Wicked”. Desde então, participou de diferentes fases da carreira solo do cantor e esteve presente em momentos importantes, incluindo o show de despedida “Back to the Beginning”, realizado em Birmingham. Serviço Black Label Society em CuritibaData: 10 de outubro de 2026Local: Tork n’ Roll Zakk Sabbath em São PauloData: 11 de outubro de 2026Local: Carioca Club Black Label Society em Belo HorizonteData: 13 de outubro de 2026Local: Mister Rock Black Label Society em BrasíliaData: 15 de outubro de 2026Local: Toinha Brasil Show Black Label Society no Rio de JaneiroData: 17 de outubro de 2026Local: Sacadura 154 Black Label Society em São PauloData: 18 de outubro de 2026Local: Terra SP Black Label Society em LimeiraData: 20 de outubro de 2026Local: Mirage Eventos
Sob dilúvio, Korn encerra jejum de 9 anos em SP e prova tamanho de seu legado
Pais do nu metal e responsáveis por quebrar os moldes tradicionais do rock e do metal dos anos 1990, acelerando o fim do hair metal e preenchendo o vácuo deixado pelo declínio do grunge, a banda norte-americana Korn, enfim, teve sua estreia como headliner em um estádio brasileiro. Na noite de sábado (16), diante de 50 mil pessoas que esgotaram os ingressos do Allianz Parque, em São Paulo, Jonathan Davis e companhia entregaram tudo o que se esperava deles, encerrando um doloroso jejum de nove anos longe dos palcos do país. Esse status novo do Korn para o porte de estádio no Brasil reflete um fenômeno global: o forte revival do nu metal e o interesse renovado em grandes experiências ao vivo. Mas estar ali, comandando uma arena desse tamanho, faz justiça histórica a um grupo que revolucionou a música sem fazer concessões. Visualmente, eles chocaram os puristas ao trocar o couro e o visual do metal clássico pela estética das ruas, com dreadlocks, agasalhos da Adidas e tênis brancos. Sonoramente, rejeitaram clichês como longos solos de guitarra para fundir o peso do metal ao groove do hip-hop, o baixo funkeado e melodias sombrias do new wave. Com guitarras de sete cordas afinadas lá embaixo e a inusitada gaita de foles de Jonathan Davis, o Korn construiu uma ponte definitiva entre gêneros outrora distantes. O show começou exatamente às 21h33 com Blind, faixa de abertura do disco de estreia de 1994. A introdução com a queda das cortinas foi o suficiente para mudar o clima na pista. A partir dali, o que se viu foi um desfile econômico em pirotecnia, mas monstruoso em som, grave e cristalino. Faixas como a pesada Here to Stay (embalada por sinalizadores na pista) e a dançante Got the Life mantiveram o Allianz em ebulição, mesmo quando uma forte chuva desabou sobre o estádio. No comando de tudo estava Jonathan Davis, a personificação do “anti-herói danificado”. Enquanto o metal tradicional focava em fantasia ou hedonismo, Davis trouxe para o topo das paradas uma vulnerabilidade brutal sobre traumas, depressão e o severo bullying de sua juventude. Ouvir 50 mil vozes ecoando o interlúdio bizarro de Twist ou berrando os versos de Shoots and Ladders (com direito ao trecho final de One, do Metallica) evidencia o nível de conexão emocional fanática que a banda gerou com uma geração de jovens suburbanos alienados. Essa fórmula crua e barulhenta, vale lembrar, chegou a desbancar astros do pop como Britney Spears e NSYNC na MTV no fim dos anos 90 e deu origem à icônica Family Values Tour. Por volta da nona música, após engatar a sequência com Coming Undone, o Korn fez sua primeira pausa totalmente sem som, quebrando o clima de ruídos industriais que unia as faixas. Foi o momento em que Jonathan Davis, visivelmente incrédulo com o mar de gente sob o dilúvio, conversou com o público e pediu sinceras desculpas pela demora de quase uma década. Ele prometeu um retorno mais rápido e justificou que o grupo esteve imerso em estúdio nos últimos anos. Na sequência, introduziram a inédita Reward the Scars, faixa lançada para o game Diablo IV e que deve integrar o próximo álbum. Na segunda metade do set, canções mais recentes como Cold dividiram espaço com petardos cheios de groove como Twisted Transistor e a contestadora Y’All Want a Single. Musicalmente, o grupo soa impecável e idêntico às gravações de estúdio. Os guitarristas Brian “Head” Welch e James “Munky” Shaffer emulam as timbragens com perfeição. O baterista Ray Luzier exibe uma habilidade técnica assustadora, enquanto o baixista convidado Ra Díaz substitui Fieldy mantendo o peso necessário, ainda que com uma pegada ligeiramente menos percussiva. Davis, aos 55 anos, administra o fôlego em alguns refrões, mas compensa com uma entrega visceral. O bis foi um presente nostálgico milimetricamente calculado: a curta 4U abriu caminho para a apoteose com Falling Away from Me, a divertida A.D.I.D.A.S. e o hit máximo Freak on a Leash, que transformou a pista encharcada do Allianz Parque em um mosh pit generalizado sob chuva de serpentinas. Edit this setlist | More Korn setlists
Spiritbox equilibra setlist em SP, mas esbarra em público frio e ausência de telões gringos
Ano passado, meses após a estreia deles no Brasil no fim de 2024, avisei que o grupo canadense Spiritbox estava com uma projeção gigantesca no hemisfério norte, amparado por um show incrivelmente bonito e telões de última geração, como pude constatar de perto no Hammerstein Ballroom, em Nova York. Infelizmente, a apresentação que veio para São Paulo no último sábado (16), como abertura para o Korn no Allianz Parque, não trouxe toda essa parafernália tecnológica. No entanto, com ou sem os supertelões, Courtney LaPlante e companhia conseguem entregar um show excelente, extremamente técnico e com uma presença de palco marcante. Em turnê mundial para divulgar seu segundo álbum de estúdio, Tsunami Sea, o Spiritbox mudou a lógica do setlist no Brasil. Se no ano passado metade do repertório era focado no disco mais recente, no sábado a divisão ficou mais equilibrada: foram quatro canções do álbum de estreia (Eternal Blue), quatro de Tsunami Sea, três do EP The Fear of Fear e uma do EP Rotoscope. A recepção do público, por outro lado, deixou um pouco a desejar. Mesmo que algumas pessoas tentassem imitar os guturais de Courtney na pista, no geral a plateia se mostrou fria com a banda. Nada que estragasse a noite, já que a vocalista demonstrou muita alegria no palco, dançou bastante e conversou brevemente com a galera. O ápice da reta final ficou por conta de um encontro de peso: Courtney chamou Taylor Barber, do Seven Hours After Violet, para dividir os vocais na avassaladora Holy Roller. Sigo com o meu hiperfoco em assistir a um show solo do Spiritbox no Brasil. Essa será a verdadeira validação da banda com um público estratégico do showbiz mundial e, acima de tudo, a experiência rica que os fãs merecem, de preferência, com toda a tecnologia visual a que têm direito. Edit this setlist | More Spiritbox setlists
Com direito a gravação de clipe, Shavo Odadjian comanda show do Seven Hours After Violet em SP
A programação do show do Korn em São Paulo trouxe duas excelentes novidades que já haviam se destacado no Allianz Parque nos últimos anos: Seven Hours After Violet e Spiritbox, bandas que lançaram seus primeiros álbuns em 2024 e 2021, respectivamente. A primeira foi escalada no Knotfest 2024, enquanto a segunda abriu para o Bring Me The Horizon no mesmo ano. No sábado (16), o Seven Hours After Violet (Shav) se apresentou logo após o show incendiário do Black Pantera, hoje, uma das melhores bandas do cenário nacional. Liderado por Shavo Odadjian, baixista do System of a Down, o projeto traz no palco a companhia de Taylor Barber (vocal), Michael “Morgoth” Montoya (guitarra), Alejandro Aranda (guitarra) e Josh Johnson (bateria). Juntos, eles transitam entre o metalcore e o metal alternativo, com Taylor no comando dos guturais e Alejandro, vice-campeão do American Idol 17 (2019), entregando as vozes mais melódicas. Impressionado com a resposta do público, que atendeu a todos os pedidos de mosh pit, cantou junto e vibrou intensamente, Shavo arriscou o agradecimento em bom português: “Vocês são foda”. O repertório foi baseado inteiramente no álbum homônimo de estreia, de 2024, com nove das 11 faixas executadas. Mas ainda houve espaço para uma novidade no set: a inédita Graves, que deve integrar o próximo disco do grupo. Durante a execução, os fãs foram convidados a escanear um QR Code no telão para enviar vídeos dançando e curtindo a música ali na hora. O material fará parte do próximo videoclipe do Shav. É contagiante ver a empolgação do baixista no palco. Ele leva muito a sério o conceito que aprendeu com o Bad Brains, conforme revelou no livro Barulho – A História Oral do Heavy Metal (Louder Than Hell), de Jon Wiederhorn. Na obra, o músico destaca o impacto fundamental da lendária banda de hardcore, ilustrando bem sua própria mentalidade artística independente: “Provavelmente não haveria um System of a Down se não fosse pelo Bad Brains. Eles foram muito influentes, e não apenas musicalmente. Eles abriram o caminho para os artistas não darem a mínima e fazerem o que querem fazer”. A mesma lógica é aplicada no Seven Hours After Violet, que foi abraçada principalmente pela figura de Shavo, mas que saiu do Allianz Parques com muitos fãs novos também.
Estreia do Balance and Composure em São Paulo prova que algumas esperas valem cada segundo
Tinha algo diferente no ar desde cedo. Às 15h em ponto de sábado (16), o Cine Joia, em São Paulo, já pulsava por tanta expectativa acumulada. Anos de pedidos, comentários e “come to Brazil” espalhados pela internet finalmente ganhavam forma com o Balance and Composure. Antes da tão aguardada estreia do Balance and Composure em São Paulo, quem abriu os trabalhos foi a Bullet Bane, entregando um show intenso e presenteando o público com duas músicas inéditas do novo álbum, que chega no dia 29. Energia alta, público cantando junto e aquela sensação de que algo especial estava se formando. Na sequência, Pedro Lanches surpreendeu muita gente: uma verdadeira descoberta para boa parte da plateia, que rapidamente comprou a proposta e entrou no clima. Mas era quando as luzes baixavam de novo que o Cine Joia realmente prendia a respiração. Quando o Balance and Composure subiu ao palco, ficou claro: a espera tinha sido longa demais para ser morna. Desde os primeiros acordes de Restless, a recepção foi de arrepiar. Ovacionados antes mesmo de começarem e celebrados a cada pausa, os músicos pareciam sentir o peso e o carinho daquele momento. Jon Simmons foi sincero logo de início: disse que estava doente e pediu desculpas. Mas se aquilo era um vocalista “debilitado”, fica difícil imaginar o seu 100%, já que a entrega no palco foi total. >> LEIA ENTREVISTA COM BALANCE AND COMPOSURE Reflection, Parachutes e Back of Your Head vieram em uma sequência que deixou nítido que aquela não seria uma noite contida. Quake transformou a pista em movimento constante. Em Any Means e Cut Me Open, o público já não estava apenas assistindo, os gritos mostravam a intensidade de quem vivia cada verso. E aí veio o que já é marca registrada dos shows com a assinatura da New Direction Productions: a ausência de grades. O espaço entre palco e público vira território livre. Stage divings aconteciam o tempo todo, com corpos sendo erguidos, devolvidos e sustentados. Mosh pits abriam e fechavam como ondas. Gente pulando, se abraçando e cantando olho no olho. Tiny Raindrop e Notice Me fecharam a noite com aquele sentimento agridoce de quem esperou demais e, de repente, se vê no fim. Mas ninguém saiu frustrado, pelo contrário, a sensação coletiva era de que cada segundo valeu a pena. Depois de anos de silêncio, o Balance and Composure não apenas tocou em São Paulo: eles foram abraçados como se nunca tivessem ido embora, deixando o palco sob pedidos de “come back soon”. E talvez seja isso que torna algumas esperas tão especiais. Quando finalmente acontecem, você entende que não era apenas hype, mas sim destino, e uma comunidade fiel de fãs que soube aguardar o momento certo. Setlist 1. Restless 2. Reflection 3. Parachutes 4. Back of Your Head 5. Void 6. Quake 7. Any Means 8. Cut Me Open 9. Body Language 10. Cross to Bear 11. Postcard 12. Stonehands 13. I’m Swimming 14. Tiny Raindrop 15. Notice Me
Rodox encerra jejum de 22 anos em Santos com Arena Club lotado e bênção do Charlie Brown Jr.
Foram mais de 22 anos de separação entre o Rodox e Santos, mas, com o retorno recente da banda liderada por Rodolfo Abrantes, o público caiçara enfim pôde assistir a uma apresentação do grupo. Na noite de sexta-feira (15), o Rodox se apresentou no Arena Club lotado. A noite teve direito a dois integrantes da formação clássica do Charlie Brown Jr. na plateia: Marcão e Pelado, que foram celebrados por Rodolfo no palco como “a maior banda de rock do Brasil”. O momento foi emblemático e fechou um ciclo: foi em Santos, afinal, no M2000 Summer Concerts de 1994, que um jovem Chorão ficou na grade do show de Rodolfo e o entregou a primeira fita da banda santista. Confesso que a primeira fase do Rodox não me atraía quando lançaram os dois primeiros álbuns, no início dos anos 2000. Muito provavelmente por infantilidade da minha parte, eu era adolescente, e por não entender o real motivo do fim do Raimundos da forma que conhecíamos. >> LEIA ENTREVISTA COM RODOLFO ABRANTES (RODOX) O documentário Andar na Pedra, dirigido e roteirizado por Daniel Ferro (disponível no Globoplay), ajudou muito a quebrar essa resistência com o Rodox, pois humanizou o “vilão” do fim dos Raimundos. Rodolfo realmente precisava romper com aquele momento, foi necessário ir para outro extremo e viver uma nova vida até encontrar o atual equilíbrio. Santos, inclusive, testemunhou suas dores mais profundas, como a tragédia de 1997 no lançamento de Lapadas do Povo, ferida que quase o fez abandonar a música e que só começou a cicatrizar após o abraço acolhedor dos familiares das vítimas na cidade. Ver o Rodox ali, décadas depois, é a prova de que o tempo cura. E quem ganha com isso são os fãs. Afinal, quem aqui não gostaria de ver um grande ídolo, que muitos perderam para a overdose, vivo até hoje, fazendo shows e sendo feliz? Ver essa foto no Instagram Um post compartilhado por Blog n' Roll (@blognroll) No palco, o Rodox ao vivo entrega uma energia absurda, reflexo de um reencontro que começou despretensioso para 2026, mas que virou um renascimento criativo com promessa de disco de inéditas. Rodolfo segue com muita atitude, cantando bem e acompanhado por um timaço: Fernando Schaefer (baterista de uma cacetada de bandas), Patrick Laplan (baixista original do Los Hermanos) e Pedro Nogueira (guitarrista do Wacky Kids, uma das melhores bandas de hardcore melódico do Brasil). O guitarrista Victor Pradella, que foi sideman na fase musical de Rodolfo após o término do Rodox, também compõe o time na tour. O time que acompanha Rodolfo, inclusive, também é muito festejado pelo vocalista. Após pedir palmas para Chorão, Champignon, DJ Bob e Canisso, todos com muitos elogios, o frontman disse que é importante homenagear os amigos em vida também. O setlist, idêntico ao de todas as apresentações da atual turnê e sem espaço para novidades, passeia pelos dois álbuns da banda, deixando de fora apenas faixas muito datadas: foram nove canções do disco homônimo e sete de Estreito, além de dois covers (Exodus, de Bob Marley, cujo álbum Kaya é uma das grandes influências da vida de Rodolfo, e Alive, do P.O.D.). Para quem ainda tem resistência ao grupo, recomendo dar uma chance às ótimas faixas apresentadas nessa tour, como De Costas Para o Mar, Beach Punx, Foi Bom Esperar, De Uma Só Vez, Dia Quente e Olhos Abertos. Diferente de boa parte dos shows da banda, Rodolfo não pulou nos braços do público durante Alive. Mas a faixa contou com a participação especial de Wander Ruas, vocalista da banda Alva, responsável pela abertura do show, que já havia cantado também Olhos Abertos. O líder do Rodox preferiu terminar a apresentação no palco, deixando claro que o que era para ser apenas uma turnê curta de reencontro já virou um plano para o ano inteiro, para a alegria dos fãs que não o abandonaram mesmo após tantos anos. Setlist Segue a linha De costas para o mar Cego de Jericó Mais e mais Incinerador Beach Punx Horário nobre Foi bom esperar De uma só vez Iluminado Dia quente Inflexível 1000 megatons Olhos abertos BIS Quem tem coragem não finge Três reis Exodus (Bob Marley cover) Alive (P.O.D. cover)
The All-American Rejects abandona nostalgia e aposta em reinvenção em novo álbum “Sandbox”
Depois de 14 anos sem lançar um álbum de estúdio, o The All-American Rejects retorna com Sandbox, disco que abandona qualquer obrigação de funcionar como uma simples cápsula do tempo dos anos 2000. A banda, atração da primeira edição do I Wanna Be Tour, até poderia ter seguido o caminho mais seguro e recriado a fórmula radiofônica de Move Along ou When the World Comes Down, mas escolheu fazer exatamente o contrário. O quinto álbum de estúdio do grupo nasce como uma tentativa clara de reconstrução artística, refletindo uma banda mais velha, mais introspectiva e consciente de que nostalgia sozinha já não sustenta relevância em 2026. O próprio Tyson Ritter chegou a comentar recentemente que o objetivo não era apenas fazer o público “se sentir jovem novamente”, mas tentar “dizer algo agora” e criar conexão no presente. O que esperar de Sandbox? Essa mudança aparece imediatamente na sonoridade. Sandbox reduz drasticamente o protagonismo do pop punk acelerado e dos refrões explosivos que definiram a identidade comercial da banda. Em vez disso, o álbum mergulha em uma estética mais atmosférica, cheia de texturas lo-fi, sintetizadores discretos, guitarras menos agressivas e estruturas menos previsíveis. O disco soa muito mais próximo de um indie alternativo melancólico do que daquele emo pop radiofônico que dominava MTV e trilhas adolescentes nos anos 2000. Ainda existem melodias familiares e momentos que remetem ao DNA clássico da banda, mas agora tudo parece filtrado por uma abordagem mais madura e menos imediatista. Tyson Ritter acaba sendo o centro emocional do álbum. Se antes suas letras eram marcadas por sarcasmo, relacionamentos turbulentos e refrões feitos para multidões cantarem juntas, aqui o vocalista assume uma postura muito mais vulnerável. Em músicas como For Mama (clipe acima) e Green Isn’t Yellow, ele explora temas ligados à exaustão emocional, amadurecimento e desgaste pessoal sem tentar transformar tudo em um grande hit de arena. Há um tom contemplativo constante no disco, como se a banda estivesse processando os próprios anos de afastamento enquanto tenta entender qual ainda é o seu lugar dentro da música alternativa atual. A faixa-título talvez seja a melhor representação disso tudo. Sandbox usa referências à infância e ao conceito simbólico de uma caixa de areia para discutir relações humanas, isolamento e conflitos emocionais. Existe uma nostalgia evidente, mas ela não aparece romantizada. O álbum inteiro parece tratar o passado como algo inevitável, porém insuficiente para responder às crises do presente. É justamente essa visão que distancia o disco de tantos retornos oportunistas de bandas daquela geração. Álbum equilibra experimentação com identidade própria Musicalmente, Sandbox funciona melhor quando consegue equilibrar experimentação com identidade própria. Faixas como Get This ainda preservam parte da pegada melódica clássica do grupo, trazendo hooks mais acessíveis e uma energia mais próxima do antigo The All-American Rejects. Já músicas como King Kong apontam para um território mais pessoal e introspectivo. Ritter revelou que a faixa nasceu da decisão de deixar Los Angeles e retornar para Oklahoma, usando a composição como reflexão sobre superficialidade, fama e autodestruição. Ao mesmo tempo, o álbum também apresenta algumas irregularidades. Em certos momentos, a tentativa de soar moderno parece excessiva, quase como se a banda estivesse tentando se encaixar dentro da estética indie contemporânea em vez de simplesmente deixar as músicas respirarem naturalmente. Algumas faixas soam mais densas do que realmente precisariam ser, e a produção às vezes prioriza textura e ambientação em detrimento de impacto emocional imediato. Parte dos fãs já demonstra essa divisão, principalmente entre quem esperava um retorno mais explosivo e direto. Mas talvez justamente aí esteja o maior mérito de Sandbox. O disco nunca soa preguiçoso ou automático. Diferente de muitos retornos recentes de bandas do mesmo período, o The All-American Rejects não parece interessado em repetir uma fórmula antiga apenas para sobreviver no circuito nostálgico. Existe um senso genuíno de reconstrução artística aqui. De volta ao jogo A banda passou mais de uma década praticamente distante do centro cultural do rock alternativo, e esse tempo claramente serviu para redefinir prioridades criativas. Tyson Ritter chegou a admitir que o grupo precisava descobrir como evoluir sem continuar “voltando a um poço que já estava seco”. A produção reforça bastante essa sensação de amadurecimento. Em vez da compressão exagerada típica do auge do pop punk comercial, Sandbox aposta em espaço, ambiência e camadas instrumentais mais sutis. As guitarras continuam presentes, mas agora dividem protagonismo com synths, linhas de baixo discretas e momentos quase contemplativos. Isso transforma o álbum em uma experiência menos imediata, porém mais interessante ao longo de múltiplas audições. No fim, Sandbox dificilmente será o disco favorito de quem esperava apenas uma continuação direta de Move Along. E talvez nem queira ser. O álbum existe justamente para romper essa expectativa. Imperfeito, irregular e ocasionalmente excessivo, o trabalho ainda assim consegue entregar algo raro em retornos tardios: propósito artístico real. O The All-American Rejects volta não para repetir o passado, mas para tentar entender quem ainda pode ser no presente.
Anônimos Anônimos estreia álbum “Acabou Sorrire” misturando indie e emo
A banda Anônimos Anônimos acaba de lançar o primeiro álbum cheio da carreira. Intitulado Acabou Sorrire, o disco chegou às plataformas pelo selo Forever Vacation Records reunindo nove faixas que consolidam a fase mais madura e coesa do quarteto paulistano. Depois de dois EPs marcados por experimentações dentro do rock alternativo, o grupo agora aposta em uma identidade mais definida, aproximando indie rock, emo, pop punk e dream pop de letras confessionais em português e referências nacionais. O trabalho também representa um novo momento para a banda dentro da cena independente. Antes do álbum, a Anônimos Anônimos passou pela Repetente Records, selo criado por Badauí e Phil Fargnoli, além de receber indicação de Clemente como revelação no programa KZG News. Agora, o grupo apresenta um repertório mais alinhado, focado em melodias diretas e letras sobre crescimento, relações pessoais, tempo e inquietações cotidianas. O título do álbum nasceu inicialmente como uma brincadeira com Acabou Chorare, clássico dos Novos Baianos, mas acabou ganhando significado próprio dentro da proposta do disco. Segundo o vocalista Flávio, o trabalho carrega uma atmosfera mais introspectiva e reflexiva, sem abandonar o lado melódico da banda. A ideia, segundo ele, é transmitir acolhimento e proximidade, funcionando mais como “um abraço” do que como um convite para a festa. A produção ficou nas mãos de Alexandre Capilé, que teve papel importante na construção da identidade final do álbum. Já a mixagem e masterização foram realizadas em parceria com Gabriel Zander. O resultado é um disco que preserva a energia dos primeiros lançamentos, mas entrega uma sonoridade mais sólida, clara e direta, reforçando o momento de afirmação da Anônimos Anônimos dentro da nova geração do rock alternativo brasileiro.