Entrevista | A Flock of Seagulls – “Sem a MTV provavelmente teríamos levado dez anos para sermos notados”
Depois de mais de quatro décadas de carreira, o A Flock of Seagulls finalmente fará sua estreia no Brasil. A banda britânica sobe ao palco do Cine Joia, em São Paulo, no dia 7 de outubro, em apresentação única promovida pela Maraty. Liderado por Mike Score, o grupo traz ao país um repertório que ajudou a definir a sonoridade da new wave e do synthpop nos anos 1980, reunindo clássicos como I Ran (So Far Away), Space Age Love Song, Wishing (If I Had a Photograph of You) e The More You Live, the More You Love, além de músicas do recente álbum Some Dreams, lançado em 2024. Formado em Liverpool na transição entre os anos 1970 e 1980, o A Flock of Seagulls se tornou um dos principais nomes da chamada Segunda Invasão Britânica nos Estados Unidos. A combinação de sintetizadores, guitarras atmosféricas e uma identidade visual marcante ganhou projeção mundial com a chegada da MTV, enquanto o instrumental D.N.A. rendeu ao grupo o Grammy de Melhor Performance Instrumental de Rock em 1983. Ao longo dos anos, a banda passou por mudanças de formação, mas Mike Score manteve o projeto em atividade, investindo em releituras sinfônicas, projetos especiais e, recentemente, no primeiro álbum de inéditas em quase três décadas. A apresentação em São Paulo também marca um momento especial para os fãs brasileiros, já que diversas tentativas anteriores de trazer a banda ao país acabaram não se concretizando. Agora, a formação composta por Mike Score, Pando, Kevin Rankin e Gord Deppe promete um set que mistura sucessos da fase clássica com composições recentes. Em entrevista ao Blog N’ Roll, o vocalista Mike Score falou sobre a influência da banda em diferentes gerações, o impacto da MTV na carreira e a aguardada estreia do A Flock of Seagulls no Brasil. Depois de mais de 40 anos de carreira, vocês conseguem enxergar hoje a verdadeira dimensão da influência que vocês tiveram sobre bandas como U2, The Cure, The Smiths e até grupos mais recentes, como The Killers? Consigo perceber isso um pouco. Mas acho que essas bandas também nos influenciaram tanto quanto nós as influenciamos. A música funciona de forma circular. Eu escrevo uma música, alguém é influenciado por ela, essa pessoa escreve outra música e, depois, ela acaba me influenciando de volta. É assim que a música evolui. Eu, por exemplo, não sou um grande fã de heavy metal, mas gosto de alguns guitarristas e bateristas do gênero. Então você absorve essa influência e coloca isso dentro de uma música pop. De repente, ela ganha uma característica diferente. Depois, uma banda de metal pode ouvir isso e pensar: “Gostei da forma como eles usaram aquela guitarra e aquele ritmo”. É um processo contínuo de evolução. Quando vocês começaram a banda, imaginavam que músicas como I Ran e Space Age Love Song seriam descobertas por novas gerações por meio de videogames, séries e filmes? Antes de conseguirmos um contrato, costumávamos brincar dizendo que dependeria de nós criar uma grande banda, porque não gostávamos muito do que estava sendo lançado naquela época. Depois assinamos um grande contrato e, de repente, realmente dependia de nós. Jamais imaginamos que isso duraria mais de 40 anos. Pensávamos que seria incrível viver essa experiência por dois ou três anos, gravar um álbum, talvez ter um sucesso e, com sorte, fazer uma turnê mundial. Mas continuar vendo as pessoas indo aos shows, conhecendo profundamente a banda e mantendo essa conexão tantos anos depois é algo muito além do que esperávamos. Nunca vimos isso acontecer dessa forma. Hoje o álbum de estreia é considerado um clássico da new wave, mas vocês surgiram em um Reino Unido dominado pelo punk de Sex Pistols e The Clash. Como esse cenário influenciou a banda? Primeiro é preciso entender que ninguém na banda sabia tocar direito. Eu tocava um pouco de baixo, meu irmão nunca havia tocado bateria e simplesmente decidiu que seria baterista. Compramos uma bateria e começamos. Paul Reynolds tinha apenas 17 anos e pouca experiência. Nós apenas nos reuníamos para tocar, eu levava algumas ideias e tudo era muito divertido. Só quando começamos a escrever músicas como Space Age Love Song, I Ran e Wishing percebemos que estávamos criando um som diferente. Foi nesse momento que pensamos: “Ninguém soa como nós”. Depois veio o contrato e o resto é história. Você já ouviu a versão brasileira de I Ran, gravada pelo Supla? Não, nunca ouvi. Vou procurar quando estiver aí. Normalmente escuto músicas que já conheço. Ouço bastante o começo da carreira do Roxy Music e Pink Floyd. Às vezes alguém me mostra alguma banda nova e fico impressionado ao perceber como a música evoluiu a partir do que fizemos. Também fico orgulhoso de saber que ainda conseguimos influenciar artistas atuais. NOTA DA REDAÇÃO: A música “Cena de Ciúmes” é creditada como uma versão do A Flock of Seagulls e está presente no álbum Menina Mulher (2004). O trabalho reúne covers de artistas nacionais que influenciaram Supla. O clipe (acima) conta com participação de Luciana Gimenez. Qual foi o papel da MTV na história do A Flock of Seagulls e na chamada Segunda Invasão Britânica dos anos 1980? Sem a MTV provavelmente teríamos levado cinco ou dez anos para sermos notados. Antes dela, as bandas precisavam fazer turnês, conquistar espaço nas rádios e crescer lentamente. Quando a MTV surgiu, estávamos na sala de estar das pessoas. Elas podiam nos ver e ouvir ao mesmo tempo. Se gostassem do que viam, viravam fãs rapidamente. Para nós, sinceramente, acho que não teríamos chegado tão longe sem a MTV. Seu penteado virou um dos maiores símbolos dos anos 1980 e até foi homenageado em Friends. Como você vê isso hoje? Acho engraçado. Nunca levei meu cabelo tão a sério. Ele combinava com a estética da banda e chamava atenção, que era exatamente o que queríamos. Naquela época era importante ter uma imagem forte. David Bowie tinha a dele, Alice Cooper também. Quando surgiu aquele penteado, ele acabou se tornando parte da
End It estreia no Brasil com show único no Festival Hardcore São Paulo 2026
Uma das principais revelações do hardcore norte-americano na atualidade, o End It fará sua primeira apresentação no Brasil no dia 17 de outubro, em São Paulo. O quarteto de Baltimore será a principal atração do Festival Hardcore São Paulo 2026, que acontece na Rua Riachuelo, no centro da capital paulista. Conhecida por unir o peso do hardcore da Costa Leste dos Estados Unidos com letras que abordam desigualdade social, colonialismo e violência institucional, a banda chega ao país impulsionada pelo sucesso do álbum Wrong Side of Heaven. Formado em 2017, o End It reúne Akil Godsey (vocal), Ray Lee (guitarra), Patrick Martin (baixo) e Chris Gonzalez (bateria). O grupo construiu uma identidade própria ao misturar o hardcore beatdown com influências do thrash e da tradição de Baltimore, tendo como grande diferencial a interpretação vocal de Godsey, moldada por experiências em corais, igrejas batistas e teatro musical. Essa combinação chamou atenção da crítica especializada e consolidou a banda como um dos nomes mais relevantes da nova geração do gênero. Lançado em 2025, Wrong Side of Heaven ampliou ainda mais a projeção do End It. O disco foi escolhido como Álbum da Semana pelo Stereogum, recebeu nota 9 da revista Clash e figurou entre os 50 melhores lançamentos do ano segundo a Alternative Press. Antes disso, o EP Unpleasant Living já havia colocado a banda em evidência com faixas como “New Wage Slavery”, incluída na trilha sonora do game Tony Hawk’s Pro Skater 3 + 4. No mesmo período, o quarteto também excursionou pelos Estados Unidos abrindo apresentações de Blink-182 e Alkaline Trio. A apresentação integra a programação do Festival Hardcore São Paulo 2026, que será realizado entre os dias 16 e 19 de outubro. Criado dentro do circuito do Coletivo Verdurada e retomado em 2024 pela BLC Crew, o evento cresceu e chega à próxima edição reunindo mais de 20 bandas do Brasil, Argentina, Chile, Colômbia, Portugal e Estados Unidos. O End It sobe ao palco no sábado, 17 de outubro, marcando sua aguardada estreia na América Latina. Serviço End it no Festival Hardcore São Paulo 2026 Data: sábado, 17 de outubro de 2026 Horário: 19h Local: R. Riachuelo, 194, Sé, São Paulo, SP Ingressos: fastix.com.br/events/festival-hardcore-sao-paulo-2026 Realização: New Direction Productions e DTG
Hoobastank retorna ao Brasil com seis shows como protagonista do “Rock Anos 2000”
O Hoobastank está de volta ao Brasil após quase 11 anos para uma turnê de seis apresentações em novembro. A série de shows começa no Somos Rock Festival, em Vila Velha (ES), passa por Belo Horizonte, Curitiba e Campinas, chega ao aguardado retorno da banda a São Paulo, no Terra SP, em 7 de novembro, ao lado de Di Ferrero e Dead Fish, e termina no Rock Festival, em Nova Iguaçu (RJ). A excursão marca a volta do grupo norte-americano em uma fase renovada, impulsionada pelo lançamento de “How Do You Sleep?”, primeiro single inédito desde 2018. Formado em 1994, na Califórnia, o Hoobastank se consolidou como um dos principais nomes do rock alternativo dos anos 2000. O sucesso mundial veio com o álbum The Reason (2003), cuja faixa-título se tornou um fenômeno global, ultrapassando 1,5 bilhão de reproduções no Spotify e 1 bilhão de visualizações no YouTube. Além do clássico, o repertório da turnê deve reunir sucessos como “Crawling in the Dark”, “Running Away”, “Out of Control” e músicas da nova fase da banda. As cinco primeiras datas da turnê brasileira contarão ainda com a abertura da cantora Aléxia, que apresenta o álbum Garra, um dos destaques recentes do rock nacional. Com passagem em 2026 por festivais como o Rock in Rio Lisboa e o Vans Warped Tour, o Hoobastank chega ao país celebrando mais de três décadas de carreira e reforçando a força de um catálogo que segue conquistando novas gerações de fãs. SERVIÇOHoobastank em Vila Velha/ESData: 1/11, domingoCidade: Vila Velha/ESEvento: Somos Rock FestivalMais informações em BreveArtista convidada: AléxiaIngresso: ticketbolt.com/event/somos-rock Hoobastank em Belo Horizonte/MGData: 2/11, segunda-feiraCidade: Belo Horizonte/MGLocal: Mister RockEndereço: Avenida Tereza Cristina, 295, Prado, Belo Horizonte/MGArtista convidada: AléxiaIngresso: ingressomaster.com/evento/190/hoobastank Hoobastank em Curitiba/PRData: 4/11, quarta-feiraCidade: Curitiba/PRLocal: Tork n’ RollEndereço: Avenida Marechal Floriano Peixoto, 1695, Rebouças, Curitiba/PRArtista convidada: AléxiaIngresso: ingressomaster.com/comprar/191/hoobastank-brasil-tour-2026 Hoobastank em Campinas/SPData: 6/11, sexta-feiraCidade: Campinas/SPLocal: MultiArenaArtistas: Di Ferrero e AléxiaEndereço: Avenida Dr. Antônio Carlos Couto de Barros, 2156, Jardim Conceição, Sousas, Campinas/SPIngresso: ticketbolt.com/event/hoobastank-di-ferrero-alexia-0611 Hoobastank em São Paulo/SPData: 7/11, sábadoCidade: São Paulo/SPLocal: Terra SPEndereço: Avenida Salim Antônio Curiati, 160, Campo Grande, São Paulo/SPArtistas convidados: Aléxia + Di Ferrero + Dead FishIngresso: ticketbolt.com/event/hoobastank-di-ferrero-alexia-0711 Hoobastank em Nova Iguaçu/RJData: 8/11, domingoCidade: Nova Iguaçu/RJEvento: Rock FestivalLocal e endereço: ainda não divulgados oficialmente para a edição de 2026Ingresso: em breve
Sonora Fantasma transforma despedida ao pai em emocionante novo single “Até Amanhã”
Cinco anos após o álbum de estreia Adeus Mundo Véio, a Sonora Fantasma inicia um novo capítulo com o lançamento de “Até Amanhã”, primeiro single do disco Sonora Fantasma te ama, previsto para setembro. A canção nasceu da última despedida entre o vocalista e compositor Diego da Costa e seu pai, transformando um momento íntimo de luto em uma reflexão sobre as despedidas cotidianas que, sem aviso, acabam sendo definitivas. A música ainda ganhou influências da bossa nova, do samba e do indie rock, reforçando a proposta de unir a delicadeza da música brasileira à intensidade emocional da letra. A faixa também marca uma evolução na sonoridade da banda. Produzida por Rafael Sartori, “Até Amanhã” combina guitarras, sintetizadores, arranjos vocais e elementos acústicos para criar uma atmosfera sensível e acolhedora. A composição contou ainda com a colaboração de Vinícius Cabral, das bandas Godofredo e The Innernettes, enquanto Lu Toller e o coletivo Vozeiral assinam os arranjos vocais. O resultado é uma das músicas mais confessionais já lançadas pela Sonora Fantasma. O novo álbum representa uma mudança de perspectiva em relação ao elogiado Adeus Mundo Véio, lançado em 2021. Se o primeiro trabalho refletia inquietações sobre política, tecnologia e os impactos da pandemia, Sonora Fantasma te ama volta o olhar para experiências pessoais, abordando temas como luto, relacionamentos, pertencimento e memória. Diretor do longa Selvagem, que esteve entre os 15 filmes pré-selecionados para representar o Brasil no Oscar de 2022, Diego da Costa também leva para a música sua sensibilidade narrativa, conduzindo um disco que promete aprofundar ainda mais a identidade da Sonora Fantasma ao unir referências do indie rock com a riqueza da música brasileira dos anos 1970.
Abissal aposta em sonoridade mais leve e contemplativa no single “Floresta”
A Abissal apresenta um novo capítulo de sua trajetória com o lançamento de “Floresta”, segundo single do EP Flashes, previsto para os próximos meses pela Casalago Records. Produzida por Gui Godoy, a faixa mostra uma banda mais concisa e acessível, sem abrir mão da identidade construída entre o rock alternativo, o post-rock e o grunge. Inspirada na atmosfera de In Rainbows, do Radiohead, a música aposta em guitarras limpas, texturas delicadas e uma base rítmica envolvente para criar um dos momentos mais luminosos da carreira do quarteto de Jundiaí. A letra de “Floresta” parte da prática do banho de floresta para falar sobre renovação, cura e transformação. Em vez de buscar grandes explosões instrumentais, a composição encontra força na fluidez, no groove e nas mudanças sutis de dinâmica, refletindo também o atual momento da banda, que passou por um processo de amadurecimento artístico e vem explorando novas possibilidades de arranjo e composição. Formada por Murilo Ferragut (voz e guitarra), Bruno Cavalcanti (baixo), Dan (guitarra) e Uncas (bateria), a Abissal vem expandindo sua sonoridade nos últimos lançamentos. Em março, o grupo apresentou o EP Sutra, marcado por atmosferas contemplativas e temas ligados à espiritualidade e ao autoconhecimento. Já em junho, lançou “Ametista”, primeiro single de Flashes, trabalho que passa a explorar a fragmentação das memórias e das experiências. Agora, “Floresta” amplia esse conceito ao mostrar que profundidade também pode surgir em canções mais diretas, melódicas e cheias de movimento.
Horney estreia em português com EP que questiona a superficialidade da era digital
A Horney dá um passo importante na carreira com o lançamento de Anti-Raso, primeiro EP totalmente em português da banda. Formado por quatro faixas, o trabalho marca a consolidação da identidade artística do grupo, que nasceu em Joinville (SC) e hoje está radicado em São Paulo. Com distribuição da Algohits, o EP usa o rock alternativo como ponto de partida para discutir temas como hiperconectividade, saúde mental, relacionamentos e a superficialidade das relações na sociedade contemporânea. A proposta do disco parte da ideia de que a pressa e a busca constante por satisfação imediata diminuem a capacidade de reflexão e tornam as pessoas mais suscetíveis à manipulação. “Ser anti-raso é ser profundo ao ponto de não ser tão fácil de controlar”, resume a vocalista, guitarrista e compositora Duda Maiolini. Musicalmente, Anti-Raso combina guitarras pesadas, bateria explosiva e mudanças bruscas de intensidade com elementos do pop eletrônico, criando uma sonoridade que a própria banda define como um encontro entre “água e eletricidade”. Cada faixa explora um aspecto desse conceito. “Off!” aborda o impacto da hiperconectividade e da cultura da produtividade sobre a saúde mental, enquanto “Quebra-Cabeça”, com participação de Dani Buarque, da The Mönic, reflete sobre identidade, padrões estéticos e autoconhecimento. Já “Mergulhar” leva a discussão para o campo afetivo, falando sobre a coragem de viver relações profundas, enquanto “Romântica” encerra o EP ironizando a lógica dos aplicativos de relacionamento e a cultura do descarte, defendendo vínculos mais genuínos. Produzido por Fernando Sanches, no Estúdio El Rocha, em São Paulo, Anti-Raso também guarda uma lembrança especial das gravações. Durante uma das sessões, Criolo entrou no estúdio, ouviu a faixa “Quebra-Cabeça” e elogiou a identidade da banda, incentivando os músicos a preservarem aquela essência. Agora, com o EP lançado, a Horney já trabalha no primeiro álbum completo da carreira, que promete expandir os temas apresentados neste novo trabalho e aprofundar sua combinação entre peso, vulnerabilidade e melodias marcantes.
Entrevista | The Bombers – “Consigo me ver fazendo isso aos 56 anos. Por que não?”
Trinta anos depois de surgir na efervescente cena punk e hardcore de Santos, o The Bombers vive um dos momentos mais marcantes da carreira. Embalada pelo lançamento do álbum ao vivo Noite Alucinante: 30 Anos Ao Vivo, a banda inicia sua primeira turnê internacional, com apresentações no Sul do Brasil, Uruguai e Argentina, consolidando uma trajetória construída de forma independente e sem abrir mão da experimentação musical. Em entrevista ao Blog n’ Roll, o vocalista e guitarrista Matheus Krempel falou sobre as três décadas da banda, a transformação da cena punk santista, a importância da autenticidade nas composições e o desejo de fortalecer o intercâmbio entre grupos sul-americanos. Para ele, o segredo da longevidade está em continuar olhando para frente. “Nem nos meus sonhos mais loucos eu poderia imaginar estar tocando com o Bombers depois de 30 anos. Se eu pudesse voltar no tempo e dar esse spoiler, o Matheus de 16 anos ia achar que eu estava de sacanagem com a cara dele”, brinca. Apesar da longa trajetória, Krempel afirma que a motivação continua sendo a mesma de quando a banda, que na formação atual tem Gustavo Trivela (guitarra e vocais de apoio), Fernando Hago (baixo e vocais de apoio) e Junior Drummer (bateria), começou. “O que nós temos em comum hoje é a paixão por criar músicas novas, experimentar os limites musicais, passar nossa mensagem e subir no palco para entregar um show que faça as pessoas dançarem e se divertirem. Quando sentimos essa conexão, entendemos o que realmente nos motiva a seguir fazendo isso”. Um álbum que olha para frente Embora o novo trabalho revisite toda a discografia do grupo, Krempel diz que a proposta nunca foi apenas celebrar o passado. “Nesse disco, a ideia era mostrar que o Bombers está sempre olhando para frente. Somos uma banda que não consegue se acomodar e repetir fórmulas e discursos”. Mesmo sendo um álbum ao vivo, o quarteto decidiu reinventar parte do repertório com novos arranjos e participações especiais de músicos convidados, incluindo metais, rap e influências do surf rock. “Nunca foi sobre simplesmente fazer o mesmo de sempre. Sempre foi e sempre será sobre trazer novidades para quem escutar o disco”. Da efervescência dos anos 1990 à mudança da cena santista Formado em 1995, o The Bombers nasceu em um período de intensa movimentação cultural em Santos. Segundo o vocalista, a cidade respirava punk e hardcore. “Nos anos 90 tínhamos muitas bandas por metro quadrado. Existiam fanzines, fotógrafos, poetas, artistas e pessoas engajadas em construir um cenário. Santos era rota obrigatória de praticamente todo show de punk hardcore que vinha para o Brasil”. Na avaliação dele, esse cenário perdeu força ao longo dos anos. “A cidade expulsou os jovens da orla e os empurrou para outras regiões. Os shows que aconteciam durante a tarde, perto da praia, passaram a acontecer tarde da noite no Centro. Antes as pessoas iam a pé, de bicicleta ou de ônibus. Hoje isso ficou muito mais difícil”. Por isso, bandas como o The Bombers e o Bayside Kings passaram a concentrar boa parte da agenda em São Paulo e em outras cidades. Aliás, a trajetória contabiliza mais de mil shows e encontros de palco com CJ Ramone, MxPx, Satanic Surfers, The Casualties, Toy Dolls, U.S. Bombs, Boom Boom Kid, CPM 22, Dead Fish, Garage Fuzz, Carbona, Blind Pigs, Gritando HC, Hateen e Mukeka di Rato. Questionado sobre o que faz uma música atravessar décadas sem perder relevância, Krempel acredita que a resposta está na autenticidade. “Talvez o segredo seja ser sincero, buscar ser autêntico e se conectar com as pessoas, sem querer simplesmente copiar tudo o que outra banda já fez”. Ele cita até uma fala do filme Pulp Fiction para resumir sua filosofia. “‘Um cão tem personalidade. A personalidade leva a um longo caminho.’ Acho que é exatamente por aí”. Punk como ferramenta de reflexão Mesmo em um cenário de forte polarização política, o vocalista acredita que o punk continua tendo um papel importante na sociedade. “Racismo, homofobia, xenofobia, intolerância religiosa e tantas outras atrocidades precisam ser combatidas”. No campo político, ele defende que a música deve provocar reflexão, e não ampliar divisões. “O segredo não é se manter calado e também não é reforçar a polarização. A ideia principal é fazer as pessoas pensarem. Uma população dividida é mais fácil de ser controlada. Independentemente de direita ou esquerda, os governantes precisam ser cobrados e forçados a trabalhar para a população que os elegeu”. Do projeto independente do The Bombers à televisão O lançamento de Noite Alucinante: 30 Anos Ao Vivo ganhou uma dimensão inesperada quando a produção foi adquirida pela Music Box Brazil. Segundo Krempel, a surpresa veio quando o diretor Nacho Martin avisou que o canal havia comprado os direitos de exibição. O show também está disponível no Youtube. “Pensamos: ‘Acho que fizemos um bom trabalho. Se um canal de televisão vai passar nossa produção para o Brasil inteiro assistir, é porque o negócio ficou bom mesmo’”. O músico define a gravação de show como a apresentação mais marcante da carreira. Segundo Krempel, a reação foi a mesma entre todos os integrantes da banda. Ele, Fernando Hago, Gustavo Trivela e Junior Drummer ficaram impressionados com a atmosfera criada naquela noite e demoraram a acreditar no que viam diante do palco do RedStar, em São Paulo. Mesmo sob forte chuva, a apresentação reuniu 200 pessoas e atingiu a capacidade máxima do espaço. “Aquele show foi surreal. Quando entrei no palco, eu não acreditava na quantidade de gente que a gente conseguiu reunir. Fiquei meio em choque. E não só eu. A gente não acreditava no que estava acontecendo ali. Foi um show muito especial”. Misturas que abriram portas para o Bombers Ao longo de três décadas, o The Bombers incorporou influências de hardcore, ska, rap, baião, rock alternativo, surf rock e até viola caipira. Para Krempel, essa liberdade artística nunca afastou o público. Já teve disco com baião e até balada acústica com viola caipira. Aliás, a abertura da turnê
Gabriel Elias transforma casa em estúdio e lança EP dedicado aos filhos
O cantor e compositor Gabriel Elias apresentou seu projeto mais pessoal e afetivo: Canções Para Chico e Malu, EP que reúne cinco faixas acompanhadas de produções audiovisuais. Totalmente concebido como uma herança emocional para seus dois filhos pequenos, Francisco (Chico) e Malu, o trabalho foi gravado integralmente no ambiente familiar. A proposta de intimidade guiou todo o processo criativo. A produção musical foi realizada no home studio do artista, enquanto os clipes transformaram a sala de sua casa no cenário principal. O repertório transita por diferentes nuances da paternidade, desde o cotidiano e a descoberta de uma nova vida até a consciência da rápida passagem do tempo. Sonoridade e referências orgânicas de Gabriel Elias Entre os destaques está a faixa Enquanto Você Cria Asas, que transforma a rotina e os brinquedos espalhados pela casa em reflexões sobre a saudade e o crescimento. Na construção sonora, Gabriel buscou inspiração na atmosfera intimista de discos clássicos como Come Away with Me, de Norah Jones, e In Between Dreams, de Jack Johnson, priorizando a naturalidade e a sensação de proximidade com o ouvinte. O projeto conta com produção musical assinada por Gabriel Elias em parceria com Samuel Gomes, acompanhados por Davi Horta no piano, Diego Andrade na percussão e Dani Mariano na mixagem. Os registros audiovisuais foram dirigidos por Paulo Victor Gonçalves, com fotografia de Deborah Beaumord.
Lianzz lança projeto autoral sobre autoconhecimento e independência no Litoral Norte
O cantor Lianzz, nome artístico de Willians Carvalho, segue consolidando sua trajetória na cena independente com um trabalho que une música urbana, identidade e experiências pessoais. Produzido de forma independente, VRTE – Você Realmente Entende Isso? reforça a proposta de Lianzz de utilizar a música como ferramenta de expressão e conexão. Natural do Litoral Norte de São Paulo, o artista aposta em composições autorais para transformar vivências em reflexões sobre amadurecimento, autoestima e liberdade. Após estrear com a faixa Mete Mete, em parceria com DJ Alexia, o cantor inicia uma nova fase com VRTE – Você Realmente Entende Isso?. A mixtape representa um momento de amadurecimento pessoal e artístico, abordando temas como autoconhecimento, independência emocional e amor-próprio. A relação com a música começou ainda na juventude, quando encontrou nas composições uma forma de expressar sentimentos e contar histórias. Com o tempo, o que era apenas um interesse se transformou em propósito, levando o artista a investir profissionalmente na carreira. O nome Lianzz surgiu de uma adaptação do próprio nome, reforçando a proposta de construir uma identidade artística alinhada à essência que busca transmitir em suas canções. Segundo o artista, o projeto nasceu a partir de um processo de transformação pessoal, quando compreendeu que não precisava mais da aprovação ou validação de outras pessoas para seguir seus sonhos. A proposta de VRTE é justamente provocar essa reflexão no público, mostrando que a verdadeira mudança acontece quando cada pessoa reconhece sua própria força e passa a confiar em si mesma. Lianzz explica que o título do trabalho faz referência à importância de entender que ninguém precisa depender de outra pessoa para se tornar quem deseja ser. Para ele, a mixtape retrata um período de crescimento, em que aprendeu a lidar com as dúvidas, superar feridas e fortalecer o amor-próprio. Cada faixa representa uma etapa desse processo, transformando experiências pessoais em mensagens capazes de dialogar com quem também busca encontrar sua própria identidade. “Você Realmente Entende Isso? é um dos projetos mais importantes da minha trajetória até agora. Ele nasceu a partir do momento em que eu entendi que não precisava da opinião, da validação ou da aprovação de ninguém para seguir meus sonhos e fazer aquilo em que acredito. Espero que as pessoas se identifiquem com essa mensagem e encontrem força para fazer o mesmo em suas próprias vidas”, disse o artista. Ao transformar experiências pessoais em letras e melodias, o artista busca criar identificação com quem enfrenta desafios relacionados ao autoconhecimento e à construção da própria identidade, consolidando mais um passo em sua trajetória na música autoral.