U2 confirma quarto e último show no MorumBIS em março de 2027 com abertura de Beck
A banda irlandesa U2 anunciou a abertura de uma quarta e última data no Brasil para a turnê mundial The Greatest Show On Earth. A apresentação extra do U2 acontece no dia 16 de março de 2027 (terça-feira), no Estádio MorumBIS, em São Paulo. O giro promove Carnaval De Luz, 16º álbum de estúdio do quarteto formado por Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr., marcando o retorno oficial do baterista à formação de estrada em arenas e estádios pelo mundo. Todas as apresentações da etapa sul-americana contam com show de abertura do cantor e compositor norte-americano Beck. A venda dos ingressos para o novo concerto acontece pela plataforma Ticketmaster Brasil, com janelas de pré-venda iniciando nesta quarta-feira, 28. Rota latino-americana exclusiva: México, Brasil e Argentina A etapa na América Latina visitará apenas três cidades antes de seguir para a Europa e América do Norte (com expectativa iminente de confirmação de datas na Irlanda): Cronograma de vendas A comercialização das entradas para a apresentação de 16 de março segue o seguinte calendário oficial: A turnê mundial é uma realização da Live Nation Global Touring, com apresentação nacional do Santander Brasil e apoio do Metrô de São Paulo. Serviço | U2 no MorumBis (4ª data confirmada)
Simple Plan retorna ao Brasil para shows com All Time Low, Fresno, Set It Off, Di Ferrero e Supercombo
O quarteto canadense Simple Plan confirmou seu retorno ao Brasil em maio de 2027 com a The Bigger Than You Think! South America Tour. Realizada pela 30e e apresentada pela plataforma Itaú Live, a excursão passará por três capitais: A pré-venda exclusiva para clientes do Itaú Unibanco (com 15% de desconto no valor de inteira no cartão de crédito e parcelamento em até 3x sem juros) começa no dia 28 de outubro de 2026, às 10h. Já a venda geral para o público tem início em 30 de outubro de 2026, ao meio-dia, no site da Eventim. Celebração de 25 anos, fenômeno no TikTok e livro infantil Desde a explosão do disco de estreia No Pads, No Helmets… Just Balls (2002), o Simple Plan construiu hinos que atravessaram gerações. Faixas seminais como I’m Just a Kid ganharam uma segunda vida viral recente no TikTok, somando quase 500 milhões de reproduções no Spotify, servindo de inspiração para o documentário Simple Plan: The Kids in the Crowd (Amazon Prime Video, 2025) e para o primeiro livro infantil da banda, I’m Just a Kid: The Story of Simple Plan, com lançamento global programado para março de 2027. O carinho dos canadenses pelo Brasil é histórico desde a primeira visita em 2005. Em 2024, como um dos headliners da edição de estreia da I Wanna Be Tour, a banda viralizou ao lançar a bem-humorada paródia “Welcome to Brasil” e assinar mensagens como “Pedro, Carlos, Jefferson e Sebastião”. Atualmente, o grupo acumula 10,8 milhões de ouvintes mensais no Spotify, tendo São Paulo como a segunda cidade que mais consome a banda em todo o planeta. Encontros no palco O line-up estruturado pela 30e dialoga diretamente com as intersecções de estúdio e estrada do quarteto de Montreal: Setores e preços da turnê do Simple Plan no Brasil Cidade / Local Setor Meia-Entrada Desconto Itaú (15%) Inteira Rio de Janeiro (Qualistage) Poltronas Poltrona A Pista Pista Premium Itaú Personnalité Camarote C Camarote B Camarote A R$ 97,50 R$ 132,50 R$ 162,50 R$ 272,50 R$ 357,50 R$ 377,50 R$ 397,50 R$ 165,75 R$ 225,25 R$ 276,25 R$ 463,25 R$ 607,75 R$ 641,75 R$ 675,75 R$ 195,00 R$ 265,00 R$ 325,00 R$ 545,00 R$ 715,00 R$ 755,00 R$ 795,00 Curitiba (Arena da Baixada) Cadeira Superior Pista Cadeira Inferior Lounge Premium Pista Premium Itaú Personnalité R$ 107,50 R$ 187,50 R$ 237,50 R$ 237,50 R$ 287,50 R$ 182,75 R$ 318,75 R$ 403,75 R$ 403,75 R$ 488,75 R$ 215,00 R$ 375,00 R$ 475,00 R$ 475,00 R$ 575,00 São Paulo (Nubank Parque) Cadeira Superior Pista Cadeira Inferior Pista Premium Itaú Personnalité R$ 107,50 R$ 187,50 R$ 237,50 R$ 287,50 R$ 182,75 R$ 318,75 R$ 403,75 R$ 488,75 R$ 215,00 R$ 375,00 R$ 475,00 R$ 575,00 Serviço | Simple Plan no Brasil (2027) 13 de maio de 2027 (quinta-feira) – Rio de Janeiro (RJ) 15 de maio de 2027 (sábado) – Curitiba (PR) 16 de maio de 2027 (domingo) – São Paulo (SP)
Tarja anuncia show no Rio de Janeiro em maio de 2027. Confira todas as datas da turnê
A cantora finlandesa Tarja Turunen confirmou uma apresentação no Rio de Janeiro para o dia 27 de maio de 2027, no Vivo Rio. O show faz parte da turnê Frisson Live 2027, que também passará por São Paulo, Belém, Porto Alegre, Curitiba e Brasília. A nova série de apresentações será dedicada ao álbum Frisson Noir, lançado em junho de 2026, além de reunir clássicos de diferentes fases da carreira da ex-vocalista do Nightwish. Considerado o trabalho mais pesado de sua trajetória solo, Frisson Noir foi lançado pela earMUSIC e aprofunda a combinação entre heavy metal, música clássica e arranjos orquestrais que caracteriza a sonoridade de Tarja. O álbum apresenta dez faixas e conta com participações de Marko Hietala, Dani Filth, do Cradle of Filth, Apocalyptica e Chad Smith, baterista do Red Hot Chili Peppers. A proposta do novo disco também está diretamente relacionada às apresentações ao vivo. Em entrevistas, Tarja explicou que buscou transportar para o estúdio a intensidade de sua banda nos palcos. O resultado é um trabalho que aposta em guitarras mais pesadas, atmosferas cinematográficas e elementos sinfônicos, explorando temas como identidade, independência e transformação. A turnê brasileira terá repertório que combina as novas composições com músicas de diferentes momentos da carreira da artista. Reconhecida mundialmente por sua formação lírica e pela passagem pelo Nightwish, Tarja construiu uma trajetória solo que transita entre o metal sinfônico, o rock e a música clássica, mantendo uma relação próxima com o público brasileiro. Antes da Frisson Live 2027, a cantora ainda retorna ao Brasil em dezembro de 2026 com o espetáculo The Spirit of Christmas, dedicado ao repertório natalino. As apresentações acontecem em 5 de dezembro, no Terra SP, em São Paulo, e no dia 6, no Espaço Patrick Ribeiro, em Vitória. Confira as datas da turnê de Tarja no Brasil em 2027 Ingressos para Tarja no Rio de Janeiro A pré-venda para o show no Vivo Rio começa nesta terça-feira, 27 de outubro, às 12h, enquanto a venda geral será aberta na quinta-feira, 29 de outubro, também às 12h, pela Ticket360. Clientes Vivo terão direito a 25% de desconto, enquanto o benefício para o MAM será de 15%. Também estarão disponíveis as modalidades de meia-entrada e demais descontos previstos em lei.
Motionless In White anuncia show único em São Paulo em março de 2027
O Motionless In White confirmou seu retorno ao Brasil para o dia 5 de março de 2027, no Espaço Unimed, em São Paulo. A apresentação faz parte da The Come To Latin America Tour e marca uma nova passagem da banda norte-americana pelo país após sua participação como atração de abertura do Bring Me the Horizon, em novembro de 2024, no Allianz Parque. O show será realizado pela CultMix Live, com pré-venda de ingressos a partir de 30 de outubro. Formado em Scranton, na Pensilvânia, o Motionless In White se consolidou como um dos principais nomes do metalcore contemporâneo. Liderado pelo vocalista Chris Motionless, o grupo combina guitarras pesadas, elementos industriais, atmosferas góticas e uma estética inspirada em filmes de terror. A banda completa duas décadas de trajetória em um período de crescimento internacional, impulsionado pelo sucesso de seus lançamentos mais recentes. O principal destaque da atual fase é Decades, sétimo álbum de estúdio, lançado em 17 de julho de 2026 pela Roadrunner Records. O trabalho estreou na 15ª posição da Billboard 200 e alcançou o primeiro lugar na parada de álbuns de hard rock da revista norte-americana. Entre as faixas estão “Afraid of the Dark”, “Playing God”, com participação de Corey Taylor, do Slipknot, e “R.I.P.”, gravada com Skylar Grey. O desempenho comercial reforça os resultados conquistados com Scoring the End of the World (2022), disco que chegou à 12ª posição da Billboard 200 e também liderou a parada de hard rock. O álbum apresentou “Masterpiece”, primeiro single do Motionless In White a alcançar o topo da Mainstream Rock Airplay. Segundo a biografia oficial, o grupo acumula mais de um bilhão de reproduções e visualizações, enquanto músicas como “Voices” e “Another Life” receberam certificação de ouro nos Estados Unidos. A popularidade da banda também ultrapassou o universo do metal. A música “Demon in Your Dreams”, utilizada como tema de entrada da lutadora Rhea Ripley, da WWE, ajudou a apresentar o Motionless In White a novos públicos. Paralelamente, o grupo ampliou sua presença em grandes festivais e turnês internacionais. Antes de desembarcar no Brasil, o Motionless In White realiza uma nova etapa da Sweat and Blood Tour pelos Estados Unidos, entre outubro e novembro de 2026, acompanhado por Dayseeker, The Devil Wears Prada e Dark Divine. Para 2027, a banda também anunciou apresentações em países como Suíça, Hungria, Itália, França, Grécia e Portugal. Ingressos para Motionless In White em São Paulo A pré-venda para o show brasileiro começa na sexta-feira, 30 de outubro, às 10h, e permanece disponível até 31 de outubro, às 23h59. Para participar, os fãs deverão utilizar o código CM2LATAM. A venda geral será aberta em 6 de novembro, às 10h, pela Ticket360. Os ingressos custam entre R$ 180, na modalidade meia-entrada, e R$ 820, na modalidade inteira, dependendo do setor e do lote. Os valores não incluem a taxa de serviço. Serviço – Motionless In White em São Paulo Turnê: The Come To Latin America TourData: 5 de março de 2027 (sexta-feira)Local: Espaço UnimedEndereço: Rua Tagipuru, 795 – Barra Funda, São Paulo (SP)Pré-venda: 30 de outubro, às 10h, até 31 de outubro, às 23h59Código da pré-venda: CM2LATAMVenda geral: 6 de novembro, às 10hIngressos: R$ 180 a R$ 820, sem taxasPlataforma: Ticket360Classificação: 18 anosRealização: CultMix Live
Entrevista | Kneecap – “Vimos em primeira mão como o lobby sionista pode tentar retirar uma banda de festivais e grandes apresentações”
O trio norte-irlandês Kneecap fez sua estreia no Brasil na última sexta-feira (23), no Cine Joia, em São Paulo, encerrando sua turnê pela América Latina. A apresentação reuniu hip-hop, música eletrônica, atitude punk e manifestações políticas, características que transformaram o grupo em um dos nomes mais provocativos da música contemporânea. Com uma performance intensa e mensagens de apoio à Palestina, o Kneecap protagonizou uma noite marcada pela interação com o público e pela combinação de música e ativismo. Formado em Belfast por Mo Chara, Móglaí Bap e DJ Próvaí, o Kneecap ganhou projeção internacional ao misturar rap, batidas eletrônicas e letras interpretadas principalmente em irlandês, idioma cuja preservação ocupa um lugar central na identidade do grupo. Suas músicas abordam questões sociais, políticas e culturais da Irlanda do Norte, frequentemente utilizando humor ácido e sátira para questionar autoridades e instituições. Embora sua sonoridade esteja associada ao hip-hop, a energia dos shows aproxima o trio do punk e de bandas como Rage Against the Machine. A repercussão internacional levou o Kneecap a grandes festivais e abriu espaço para colaborações com artistas como Tom Morello, guitarrista do Rage Against the Machine. Ao mesmo tempo, as manifestações políticas do grupo provocaram controvérsias e pressões sobre suas apresentações. Em entrevista ao Blog n’ Roll, os músicos falaram sobre a passagem pela América Latina, a relação com o rock, a colaboração com Morello, os limites da liberdade artística e a importância de manter suas convicções mesmo diante do crescimento comercial. Vocês ouviram muitos comentários sobre o público brasileiro antes de vir para cá? Como tem sido tocar na América do Sul e o que sentiram em relação ao público durante esta turnê? Mo Chara: Está sendo ótimo, porque ouvimos muitas histórias sobre o público da América do Sul e da América Latina. Diziam que as pessoas eram completamente malucas e agitadas, e elas corresponderam às nossas expectativas. Passamos por México, Colômbia, Argentina e Chile, e agora terminamos no Brasil. O Brasil tem um padrão muito alto para alcançar, porque o Chile, onde tocamos anteontem, foi incrível. A Argentina foi inacreditável, assim como a Colômbia e o México. Todo mundo foi sensacional. Este é nosso último show na América Latina, então a pressão está sobre vocês, Brasil! Móglaí Bap: Também sinto que existe um espírito indígena na América Latina com o qual realmente nos identificamos em todos esses países. Acho que é por isso que estamos nos divertindo tanto aqui. Conseguimos conhecer e aprender muito mais sobre as culturas indígenas desses países. Sei que existem povos indígenas no Brasil, no México, na Colômbia e em outros lugares. Isso nos conecta muito, porque a cultura e a língua indígenas são aspectos extremamente importantes para o Kneecap. Vocês são definidos como um grupo de hip-hop e música eletrônica, mas a atitude de vocês é muito punk e hardcore, principalmente no palco. Vocês se identificam com essa comparação? Quais bandas de rock influenciaram vocês? DJ Próvaí: Já nos compararam ao Rage Against the Machine, e acho que foi por isso que Tom Morello entrou em contato conosco e perguntou se gostaríamos de gravar uma música com ele. Lançamos essa faixa, “Unconquered”, algumas semanas atrás, em setembro. Foi um elogio enorme, porque, como você mencionou, a energia que eles têm no palco é algo que queremos alcançar. Quanto às bandas de rock, não tenho tanta certeza. Quando éramos mais novos, costumávamos ouvir um grupo irlandês chamado Rubberbandits. Nem sei exatamente em qual gênero musical eles se encaixam. Fomos a um show deles e a apresentação tinha uma energia absurda. Pensamos: como podemos capturar isso? Acho que é um pouco dessa energia que vocês vão encontrar no nosso show. Stiff Little Fingers é uma banda punk da Irlanda do Norte. Eles tinham uma música chamada “Alternative Ulster”, que falava sobre um período de muitas divisões sectárias e assassinatos dos dois lados do conflito. A ideia deles era tentar unir as pessoas por meio da música. Acho que é isso que também esperamos fazer: aproximar as pessoas em vez de dividi-las. Na semana passada, vimos alguns músicos dizendo que política e música deveriam ser coisas separadas. Mas é muito fácil dizer isso quando você trata seus fãs como mercadorias, apenas para ganhar dinheiro com eles. A política faz parte da vida cotidiana. Quando alguém tenta censurar uma pessoa por dizer “Palestina livre”, já escolheu um lado. Quando está acontecendo um genocídio no mundo, permanecer em silêncio também significa tomar partido. Todo mundo deveria usar sua voz para se manifestar contra uma das piores coisas que aconteceram durante nossas vidas. Vocês mencionaram o Rage Against the Machine e Tom Morello. Como foi a experiência de gravar uma música com ele? Mo Chara: Bom, estamos na era moderna, então nunca estivemos na mesma sala. Ele nos enviou a música, nós gravamos nossa parte e mandamos de volta. Depois, ele fez o videoclipe e todo o restante. Infelizmente, ainda não tivemos o prazer de conhecer Tom Morello pessoalmente. Como você pode imaginar, ele é um homem muito ocupado, assim como nós. Esperamos encontrá-lo no futuro. Quando alguém que é um ícone musical como Tom Morello convida você para gravar uma música, é praticamente impossível não aceitar. Vocês já enfrentaram controvérsias por causa de suas posições políticas. Isso alguma vez fez vocês mudarem a maneira de escrever músicas? Existe algum limite para as composições ou letras por medo de cancelamento? Mo Chara: Não, definitivamente. Vocês combinam essas mensagens com um humor ácido, de uma maneira muito particular. Esse humor e a reação do público influenciam a forma como vocês escrevem as músicas e pensam nas apresentações ao vivo? Mo Chara: Com certeza. Pensamos bastante nisso. Dan Carey foi ao nosso show na Wembley Arena e acho que foi a primeira vez que ele realmente conseguiu assistir à nossa apresentação ao vivo. Como temos a sorte de tocar em arenas em algumas partes do mundo, ele queria produzir um álbum que tivesse capacidade de preencher esses espaços. Um disco com sonoridade suficientemente grande para funcionar não apenas
Iron Maiden celebra 50 anos e une fãs de metal em São Paulo durante apuração presidencial
O Iron Maiden entrou em campo com o jogo praticamente ganho após a abertura do Alter Bridge. Bastaram os primeiros acordes de “Doctor Doctor”, clássico do UFO que tradicionalmente antecede suas apresentações, para o público do Nubank Parque ir à loucura. Antes mesmo de os músicos aparecerem, o clima já era de celebração. Afinal, não era uma noite qualquer: a banda britânica comemorava cinco décadas de uma trajetória que ajudou a definir os rumos do heavy metal. E o Iron Maiden conseguiu uma façanha que parecia improvável diante do cenário político brasileiro: unir milhares de pessoas enquanto acontecia a apuração das eleições presidenciais. Mesmo com a confirmação da reeleição de Luiz Inácio Lula da Silva durante a apresentação, não houve manifestações políticas perceptíveis ou discussões entre os presentes. Pelo menos na região da pista premium, acompanhada pela reportagem, a música falou mais alto que qualquer divergência. Ponto positivo para a banda e para o público. Paul Di’Anno Presente A celebração dos 50 anos começou com uma homenagem à era Paul Di’Anno. A sequência de “Murder in the Rue Morgue”, “Wrathchild” e “Killers”, todas do álbum Killers (1981), transportou o público diretamente aos primeiros anos do grupo. A última ainda contou com a primeira aparição de Eddie, mascote que se tornou tão importante para a identidade do Maiden quanto seus próprios integrantes. Bruce Dickinson também aproveitou os primeiros momentos para declarar seu carinho pelo Brasil. Na sequência, “Phantom of the Opera”, do disco de estreia, manteve o espetáculo mergulhado na fase inicial da banda. Apesar da recepção calorosa, foi com “The Number of the Beast” que o show pareceu atingir outra dimensão. Bruce Dickinson e o público cresceram juntos, como se as quatro primeiras músicas tivessem servido apenas como um aquecimento de luxo. Logo depois, “Infinite Dreams” foi recebida como uma verdadeira raridade. Ausente dos repertórios das turnês por quase quatro décadas, a faixa ganhou uma celebração à altura de sua importância para os fãs mais antigos. A passagem pela era Powerslave começou com a faixa-título, acompanhada de uma máscara curiosa utilizada por Dickinson. A produção visual também chamou atenção. No lugar dos tradicionais cenários pintados que marcaram tantas turnês do Iron Maiden, um enorme telão assumiu protagonismo, criando ambientes que dialogavam diretamente com as músicas. Em “2 Minutes to Midnight”, as projeções ganharam contornos quase cinematográficos, ampliando a dimensão do espetáculo. Mas Bruce Dickinson não depende apenas de efeitos visuais para entreter uma multidão. Depois de “2 Minutes to Midnight”, o vocalista apareceu com um cantil e anunciou que havia chegado a hora da cachaça. Em uma encenação com aparência de improviso, começou a “demitir” integrantes da produção, acusando-os de substituir a bebida brasileira por água. A brincadeira terminou com um aviso: exagerar na cachaça poderia fazer alguém enxergar um albatroz voando pelo céu. Era a deixa perfeita para “Rime of the Ancient Mariner”, uma das composições mais ambiciosas do catálogo da banda. Inspirada no poema de Samuel Taylor Coleridge, a música narra a história de um marinheiro que mata um albatroz sem motivo aparente e desencadeia uma maldição em alto-mar. A execução reforçou a capacidade do Iron Maiden de transformar narrativas literárias em verdadeiras epopeias musicais, mesmo diante de um público de estádio. A partir de “Run to the Hills”, o Iron Maiden passou a jogar no estádio como um time que, mesmo com a vitória garantida, ainda buscava uma goleada. O clássico abriu uma sequência que incluiu “Seventh Son of a Seventh Son” e “The Trooper”, deixando pouco espaço para o público recuperar o fôlego. Nesta última, Eddie fez sua segunda aparição, enquanto Dickinson reproduziu um dos momentos mais tradicionais dos shows da banda, vestindo a farda militar vermelha do século XIX e empunhando a bandeira do Reino Unido. O roteiro, entretanto, ganhou um elemento brasileiro quando o vocalista também ergueu a nossa bandeira nacional. Naquele momento, a reeleição de Lula já estava confirmada, mas novamente não foram percebidas manifestações políticas ou discussões entre os espectadores. A bandeira foi recebida como parte do espetáculo, sem desviar a atenção do que acontecia no palco. Em “Hallowed Be Thy Name”, Dickinson surgiu preso dentro de uma jaula, reforçando a atmosfera dramática de uma das músicas mais emblemáticas do grupo. O encerramento do repertório principal veio com “Iron Maiden”, retomando a homenagem à fase Paul Di’Anno e fechando um ciclo que havia começado justamente com as primeiras composições da banda. O bis trouxe mais três momentos de forte apelo popular. “Aces High” abriu a sequência com Dickinson caracterizado como piloto de caça, em mais uma de suas rápidas trocas de figurino. “Fear of the Dark” transformou o estádio em um mar de lanternas de celulares, contrariando a recomendação exibida anteriormente no telão para que os aparelhos permanecessem nos bolsos. Por fim, “Wasted Years” encerrou a apresentação com um tom quase simbólico para uma banda que celebra meio século de estrada. Bruce Dickinson desafia o tempo Se o repertório e a produção visual impressionaram, Bruce Dickinson foi novamente o grande protagonista da noite. Aos 68 anos, o vocalista percorreu o palco praticamente sem descanso, alternando corridas, interações com o público e rápidas mudanças de figurino nos bastidores. Mais impressionante, porém, foi sua condição vocal. Dickinson demonstrou segurança nas notas mais exigentes e manteve o controle da voz ao longo de toda a apresentação. Diferentemente de outros vocalistas veteranos que frequentemente transferem trechos inteiros das músicas para o público como forma de preservar o fôlego, o britânico assumiu suas responsabilidades do início ao fim. A plateia cantou muito, evidentemente, mas por entusiasmo, não por necessidade do artista. Estreia de Simon Dawson Na bateria, Simon Dawson, escolhido para substituir Nicko McBrain com a bênção do próprio músico, apresentou uma performance mais discreta. Embora tenha cumprido sua função, algumas passagens pareceram simplificadas em comparação às versões originais, enquanto determinadas músicas, principalmente da era mais punk de Paul Di’Anno, soaram ligeiramente mais lentas. Não foram diferenças capazes de comprometer a apresentação, mas perceptíveis para quem acompanha de perto a trajetória da banda. Outro ponto que
Alter Bridge entrega show tecnicamente impecável, porém tímido, antes do Iron Maiden
O Alter Bridge subiu ao palco pontualmente às 19h10, com a missão de aquecer o público para o Iron Maiden. Com apenas 50 minutos disponíveis, a banda norte-americana precisou condensar seu repertório em oito músicas, seis a menos do que havia apresentado três dias antes na Argentina, onde realizou um show solo. A escolhida para abrir a apresentação foi “Silent Divide”, faixa do mais recente álbum de estúdio, autointitulado. O repertório privilegiou diferentes momentos da carreira, mas reservou um espaço especial para Fortress (2013). Três das oito músicas executadas vieram do disco: “Cry of Achilles”, “Addicted to Pain” e a faixa-título, ausente nas últimas turnês. Outra diferença em relação à apresentação argentina ficou para o encerramento. Em vez de repetir a escolha do show anterior, o grupo apostou em “Isolation” para fechar sua participação. Musicalmente, o Alter Bridge mostrou por que é considerado um dos nomes mais respeitados do hard rock contemporâneo. A execução foi praticamente irrepreensível, com instrumentos bem definidos e uma precisão que impressiona mesmo nas passagens mais complexas. Entretanto, toda essa qualidade técnica contrastou com uma presença de palco discreta para as dimensões de um estádio. Myles Kennedy, reconhecido como um dos grandes vocalistas de sua geração, manteve uma postura bastante contida durante a apresentação. Mesmo nos momentos em que deixou a guitarra de lado para se dedicar exclusivamente aos vocais, pouco explorou o espaço do palco ou buscou uma interação mais intensa com a plateia. Nada disso, porém, comprometeu seu desempenho musical. Kennedy alcançou as notas mais altas com segurança e demonstrou a mesma precisão quando dividiu as funções de cantor e guitarrista. Brian Marshall (baixo) e Mark Tremonti (guitarra), por outro lado, pareceram mais à vontade diante de um público numeroso. O guitarrista apresentou uma postura mais desenvolta, transmitindo uma energia que, em determinados momentos, fez falta ao restante da apresentação. Sua performance ajudou a dar mais peso a um show que, apesar da qualidade musical, raramente conseguiu transmitir a grandiosidade esperada de uma apresentação em estádio. No fim das contas, o Alter Bridge cumpriu sua missão sem grandes sobressaltos. Entregou um repertório consistente, execução técnica impecável e demonstrou a qualidade de músicos que dispensam apresentações. Faltou, entretanto, aquela dose de ousadia e presença de palco capaz de transformar uma abertura em um acontecimento à parte. Para um público que aguardava ansiosamente as grandes estrelas da noite, ficou a impressão de um show musicalmente excelente, mas tímido demais para o tamanho da ocasião. Setlist Foto destaque: Stephan Solon
Catarse política e sonora marca estreia do Kneecap no Cine Joia
Poucas bandas no cenário contemporâneo provocam reações tão impactantes quanto o trio norte-irlandês Kneecap. Conhecidos por rimar primariamente em irlandês (Gaeilge) e por adotar uma postura anti-imperialista inflexível, Mo Chara, Móglaí Bap e DJ Próvaí transformaram o hip-hop em trincheira de resistência republicana, anticolonialista e pró-Palestina. Essa postura combativa cobra seu preço: o grupo já enfrentou censura governamental e tentativas judiciais de veto a repasses de fomento cultural no Reino Unido, além de episódios mais drásticos, como a detenção de Mo Chara sob a draconiana Lei de Terrorismo britânica após uma polêmica sobre a exibição de uma bandeira do Hezbollah durante uma apresentação em Londres, no final de 2024. Reduzir o Kneecap ao ativismo panfletário, contudo, seria um erro grosseiro. Musicalmente, a performance do trio no Cine Joia, em São Paulo, provou que a força do projeto reside na confluência rítmica implacável: há a malícia e a dinâmica coletiva dos Beastie Boys, o peso urgente e rebelde do Rage Against the Machine e as batidas aceleradas de techno, big beat e rave que remetem ao ápice do The Prodigy e do Underworld. O punk, o rap e a música eletrônica colidem com precisão milimétrica. Encerrando a perna sul-americana da turnê, que passou por México, Colômbia, Argentina e Chile, a estreia no Brasil, na noite da última sexta-feira (23), caiu em momento emblemático: a antevéspera da votação das eleições. No Cine Joia, a atmosfera carregada transformou a pista em uma grande assembleia de catarse coletiva. Kneecap fez show bem político e intenso Enquanto DJ Próvaí comandava as bases escondido atrás de sua icônica balaclava tricolor (nas cores verde, branco e laranja da bandeira irlandesa), o telão disparava ataques visuais diretos a figuras históricas e atuais da direita e do conservadorismo internacional, como Margaret Thatcher, Benjamin Netanyahu e Donald Trump. O contraponto veio com a projeção de “Bora Lula” e os integrantes fazendo o “L”, gesto recebido por um coro ensurdecedor de “Olê, olê, olê, olá, Lula, Lula”. Camisetas, bonés e bandeiras pró-governo arremessados ao palco foram empunhados pelo trio com muito entusiasmo. Em 1h20 de intensidade contínua, o grupo desfilou 22 faixas. A espinha dorsal do repertório se apoiou no aclamado álbum Fine Art (2024), que consagrou o grupo globalmente com produção refinada de Toddla T, e em canções do trabalho seguinte, Fenian (2026), que reforça a identidade republicana histórica da banda. Houve espaço ainda para resgates pontuais do debut 3cag (2018), com a debochada Your Sniffer Dogs Are Shite, e para hinos de pista como H.O.O.D, recebida sob moshpits frenéticos. O aquecimento, com a gravação de Favourite dos conterrâneos do Fontaines D.C. cantada em coro pelo público, e o encerramento ao som da clássica gravação antifascista Bella Ciao emolduraram perfeitamente a noite. O cartão de visitas do Kneecap no Brasil foi impecável: som alto, discurso afiado, zero concessões comerciais e conexão genuína com o público local. Uma banda pronta tanto para incendiar palcos de grandes festivais quanto para transformar clubes fechados em verdadeiros caldeirões. Setlist — Cine Joia, São Paulo (23/10) Intro (PA): Favourite (Fontaines D.C.) Outro (PA): Bella Ciao
Entrevista | Opeth – “Estar no palco e vivenciar isso traz uma sensação indescritível”
Consagrado como um dos nomes mais vitais e imprevisíveis do metal progressivo global, o Opeth está de volta ao Brasil no início de novembro para encerrar o ciclo do The Last Will & Testament. Desta vez como atração principal, o quinteto sueco sobe ao palco da Ópera de Arame, em Curitiba (5/11), e do Espaço Unimed, em São Paulo (6/11), trazendo uma produção visual completa e um repertório que ultrapassa as duas horas de duração. Lançado com enorme impacto crítico e vencedor do prestigiado Grammis sueco de Melhor Álbum de Hard Rock/Metal, The Last Will & Testament é o 14º trabalho de estúdio do grupo e o primeiro totalmente conceitual de sua trajetória de mais de três décadas. Ambientada nos anos 1920 como um thriller psicológico sobre ganância familiar e herança, a obra marcou época tanto pela atmosfera claustrofóbica e participações estelares (como Ian Anderson, do Jethro Tull) quanto pelo aguardado retorno dos vocais guturais de Mikael Åkerfeldt. Para dissecar essa fase criativa, os bastidores de gravação e os detalhes da reta final da turnê sul-americana, o Blog n’ Roll conversou com com o guitarrista Fredrik Åkesson. Do seu estúdio particular na Suécia, onde aproveita os intervalos de turnê para finalizar seu primeiro disco solo, o músico detalhou a construção dos solos e riffs do novo trabalho, a química de palco com a cozinha rítmica, resgates de pérolas antigas no repertório e a relação apaixonada que mantém com o público brasileiro. Confira a entrevista completa com o guitarrista da Opeth abaixo: Fredrik, como funciona a divisão dos solos de guitarra entre você e o Mikael no The Last Will & Testament? Ele já traz as ideias totalmente prontas ou você tem liberdade total para compor suas partes? Eu diria que tenho praticamente liberdade total para criar minhas partes. Geralmente ele delega para mim os solos mais técnicos, mais rápidos (shreddy), e prefere tocar os solos mais calmos, com uma pegada mais relaxada. No meu primeiro álbum com a banda, o Watershed, nós fazíamos mais aquelas trocas de licks, duelo de guitarras, o que eu adoro. Sou um grande fã da velha guarda do Iron Maiden, Judas Priest e coisas do tipo, e acho o Mikael um guitarrista solo extraordinário também. Mas diria que tenho total liberdade quando o assunto são os solos. Às vezes ele tem algum pedido específico, tipo: “Pensei nisso aqui, você conseguiria começar nessa nota específica e sustentá-la?”, ou algo assim. O que é muito divertido. Eu gosto de ser criativo, alguns solos são mais improvisados e outros são mais planejados. Depende muito da música e da seção. No The Last Will & Testament, os solos são curtos. Se eu apenas sustentar uma nota, o solo já acabou! Então precisei pensar em algo cheio de ação, porque queria colocar muitos ingredientes ali dentro. Gosto de enxergar o solo como uma pequena composição em si. Pode soar um pouco pomposo, talvez, mas acho solos fundamentais e é instigante tentar evoluir e trazer novidades a cada disco novo. Esse é meu objetivo, pelo menos. E como o retorno dos vocais guturais do Mikael impactou a sua dinâmica com os backing vocals nos shows da Opeth? Sim! Ao vivo, tendo a fazer os backing vocals de forma mais agressiva, especialmente nas músicas novas. No álbum, nas partes em que canto, você está perguntando sobre os vocais de apoio, certo?, tenho tentado fazer algo mais rasgado. Quando tocamos a §1 (Paragraph 1), por exemplo, tento colocar uma voz mais distorcida e potente, em vez de reproduzir exatamente aqueles vocais limpos, quase em falsete, que estão no disco. Em algumas faixas reproduzo como está lá, mas nessas músicas mais agressivas acho que funciona muito bem ao vivo. E é divertido testar o que consigo fazer vocalmente. Não pretendo ser vocalista principal nem nada disso, mas se traz uma energia legal no palco, por que não? Com certeza! E o que significou para a banda faturar o Grammis sueco de Melhor Álbum de Hard Rock/Metal com esse disco? Já tínhamos sido indicados algumas vezes antes e não levamos o prêmio. O Opeth só havia vencido uma vez, com o Ghost Reveries, que foi o trabalho anterior à minha entrada. Então a gente sempre ficava com aquela postura de: “Nem vamos perder tempo indo a essa premiação boba”. Mas, desta vez, nós ganhamos. Foi muito divertido, teve uma festa ótima e foi bacana ver que quem nos entregou o troféu em mãos foi o Tobias Forge, do Ghost, com quem trabalhei um pouco, como você deve saber. Somos amigos, então foi especial. E, claro, na Suécia isso tem um peso grande; as pessoas comentam bastante. É um prêmio com um apelo mais comercial aqui, bem focado no pop, mas eles têm a categoria de metal e hard rock. Ficamos contentes, sem dúvida, embora isso não seja tudo na vida. É apenas uma conquista legal. E o que é mais importante para você na Opeth, musicalmente falando? No que diz respeito ao Opeth, o mais importante é darmos o melhor de nós e, se possível, ir além. Seja gravando um álbum ou tocando ao vivo, nossa intenção é sempre elevar o nível, ser extremamente perfeccionista com os detalhes e entregar a melhor performance possível. Temos essa obrigação moral com quem gosta do nosso trabalho; precisamos fazer o ingresso do fã valer a pena. Por exemplo: nós nunca bebemos antes dos shows. Jamais valeria a pena cometer um erro no palco por causa de álcool, isso não seria correto com o público. Depois do show, aí sim podemos tomar umas cervejas. Uma postura muito profissional e atenciosa. É que são muitas partes para lembrar e muito do material do Opeth é delicado. Você salta de um riff pesadíssimo direto para uma passagem acústica dedilhada, e muitas vezes precisa cantar ao mesmo tempo. No fim das contas, trata-se de fixar tudo na memória muscular. Com frequência, no palco, a gente se pega conversando: “Como é que eu consigo lembrar de tudo isso?”, porque as músicas têm