Entrevista | The White Buffalo – “Acabamos de gravar um novo álbum, talvez eu toque uma música nova nos shows”
O cantor, compositor e guitarrista norte-americano Jake Smith, conhecido artisticamente como The White Buffalo, retorna ao Brasil em novembro de 2026 para uma turnê de oito apresentações. Após a estreia surpreendente no país, em 2024, quando shows esgotaram e precisaram ser transferidos para espaços maiores, o músico amplia o roteiro e inclui novas cidades. Desta vez, a turnê passa por Belo Horizonte (6/11, Befly Hall), São Paulo (7/11, Audio), Porto Alegre (9/11, Opinião), Florianópolis (11/11, Life Club), Curitiba (14/11, Tork n’ Roll), Brasília (18/11, Toinha), Fortaleza (20/11, Dragão Hall) e Recife (21/11, Armazém 14). A realização é da Sellout e Powerline, com ingressos disponíveis pela plataforma Fastix. Com uma carreira construída ao longo de mais de duas décadas, The White Buffalo conquistou reconhecimento internacional por suas composições cinematográficas, que transitam entre folk, blues, country e rock. Dono de uma voz grave e marcante, Smith teve músicas incluídas em séries como Sons of Anarchy, Californication, The Punisher, Longmire e This Is Us. Seu trabalho de estúdio mais recente, Year of the Dark Horse (2022), apresentou uma abordagem conceitual e experimental, enquanto o álbum ao vivo A Freight Train Through the Night (2024) destacou a intensidade de suas apresentações ao lado do baixista Christopher Hoffee e do baterista Matt Lynott. Às vésperas do retorno ao país, Jake Smith conversou com o Blog n’ Roll e revelou que já gravou um novo álbum, previsto para 2027, e que pretende apresentar uma das músicas inéditas durante a turnê brasileira. Na entrevista, o artista relembrou a recepção surpreendente dos fãs em sua primeira visita, contou experiências gastronômicas e culturais pelo país, falou sobre suas influências no punk rock, revelou uma curiosa ligação com o ABBA e refletiu sobre o processo criativo, a relação entre suas músicas e o cinema e as inseguranças que ainda enfrenta depois de mais de 20 anos de carreira. Antes da sua primeira visita ao Brasil, li algumas entrevistas em que você dizia não saber exatamente quem era seu público por aqui. No fim, os shows esgotaram e alguns precisaram ser transferidos para casas maiores. Como foi essa experiência e o que mais surpreendeu você no público brasileiro? Inicialmente, eu realmente não sabia o que esperar. Nas redes sociais, sempre apareciam comentários pedindo “venha ao Brasil, venha ao Brasil”. Era praticamente um a cada dois comentários. Então, decidimos arriscar. Os shows foram planejados inicialmente para casas pequenas, e pensei: “Provavelmente vou perder dinheiro indo até lá, mas tudo bem. Vamos testar”. Só que os ingressos começaram a esgotar, um show depois do outro, e fomos passando para lugares cada vez maiores. Foi algo avassalador. A paixão, a energia dos brasileiros, dos fãs e do público foram incríveis. O fato de as pessoas aparecerem no aeroporto e no hotel foi algo que eu nunca tinha experimentado em nenhum outro lugar do mundo. Descobrir essa parte do planeta, já sendo um homem de meia-idade e com quase 25 anos de carreira, e encontrar o que provavelmente é a melhor base de fãs que já tive na vida foi extraordinário. Lembro que, no primeiro show em São Paulo, entrei sozinho para tocar a primeira música. Mal consegui terminar. Foi muito emocionante. A sensação era incrível. Foi uma descoberta maravilhosa de um país e de pessoas tão especiais. Somos realmente muito apaixonados e costumamos tratar nossos ídolos como deuses por aqui. Sim, embora eu não me sinta muito confortável com isso (risos). Houve alguma apresentação ou momento especial daquela primeira turnê que ficou particularmente marcado na sua memória? Foram muitas lembranças e shows incríveis. Mas aquele primeiro momento em São Paulo, quando subi ao palco e ouvi o rugido da plateia, foi inesquecível. Eu estava completamente emocionado, assim como o público. Nunca vou esquecer aquela sensação. Outra coisa que me marcou foi chegar ao local do show e encontrar seis ou sete vendedores de camisetas piratas na rua. Fiquei impressionado. Pensei: “Isso é incrível!”. Claro que provavelmente não era muito bom para as vendas do nosso merchandising oficial lá dentro, mas nunca tinha visto algo parecido. Achei fantástico. A agenda da turnê era bastante apertada, praticamente um show por dia. Você conseguiu conhecer um pouco do Brasil além dos palcos? Visitou algum lugar interessante ou experimentou a culinária brasileira? Conseguimos aproveitar um pouco, embora tenha sido uma viagem com muitos deslocamentos. Nunca tinha feito uma turnê daquele jeito, às vezes pegando um avião no próprio dia do show. Era tocar, voar, tocar, voar. Acordávamos muito cedo e íamos dormir tarde. Mas conseguimos experimentar algumas coisas. Comemos feijoada! Eu estava tentando lembrar o nome. Era aquele prato brasileiro com feijão e partes do porco, como orelhas. A textura era um pouco mais borrachuda do que eu esperava (risos). Também tivemos um dia de folga no Rio de Janeiro. Passamos um tempo na praia e experimentamos aquela bebida brasileira… Caipirinha! Tomamos algumas naquela tarde. Talvez até demais. Na verdade, não demais, mas na quantidade certa (risos). Só que elas podem surpreender você. Conseguimos passear um pouco, o que foi ótimo. Outra coisa interessante é que me senti muito mais seguro do que imaginava. Antes de viajar, recebi vários alertas dizendo que o Brasil era extremamente perigoso. É claro que passamos boa parte do tempo acompanhados pelos produtores locais, que são pessoas incríveis. Isso ajudou bastante. Você precisa estar atento ao que acontece ao redor, mas, no geral, me senti muito tranquilo e confortável. Muitos fãs que estiveram nos shows de 2024 certamente vão retornar agora. O que eles podem esperar dessa nova turnê? Teremos mudanças ou surpresas no repertório? Preciso olhar novamente o que tocamos naquela ocasião. Sei que existem algumas músicas praticamente obrigatórias, que não podemos deixar de fora, mas vamos tentar variar o repertório. Também precisamos fazer isso por nós mesmos, para manter as apresentações interessantes e renovadas. E existe uma possibilidade especial: acabamos de gravar um novo álbum. Talvez apresentemos algumas músicas dele. Provavelmente uma canção inédita durante os shows. A expectativa é lançar esse disco no final da primavera ou começo do
Na programação do Circuito, Supervão lança “Canção de Aniversário”
Parte da oitava edição e pela segunda vez no line do Circuito – Nova Música, Novos Caminhos, a banda gaúcha Supervão apresenta Canção de Aniversário, faixa inédita gravada ao vivo direto do palco do Circuito, no Festival Bananada, em Goiânia. A música é uma composição de Leonardo Serafini, Mario Arruda e do músico e produtor musical Jojô (Johnny Hooker, Catto, Papisa e Tagua Tagua) e estará no próximo álbum da banda, previsto para ser lançado no primeiro semestre de 2027. “Tocar Canção de Aniversário no Bananada foi o nascimento oficial dessa música, que já vinha em gestação. Foi ali que entendemos as dinâmicas e os sentimentos que vínhamos buscando. Quando começamos a imaginar o novo disco, sempre tivemos como proposta tocar as músicas primeiro nos shows pra depois então gravá-las no estúdio. E essa é a primeira das novidades que estão por vir no ano que vem”, pontua Mario Arruda, compositor, vocalista e guitarrista da Supervão. O Circuito – Nova Música, Novos Caminhos já percorreu cerca de 3 mil quilômetros pelas estradas de São Paulo em oito edições, desde 2025. A itinerância começou a partir de conversas de Gustavo Sartori Barba e José Guilherme Padovani, da produtora Vegas Cultural, com o jornalista Lúcio Ribeiro, da Popload, que hoje também é responsável por liderar a curadoria da iniciativa. A ideia partiu da identificação dos desafios enfrentados pelos profissionais da nova cena musical brasileira. A nona edição do projeto acontece de 5 a 7 de novembro, passando por São Paulo, Taubaté e Americana, com apresentações de Gab Ferreira, Los Pirata e Elephant Run, além das bandas locais Suco Digital, Mães Católicas e Yazmini, os Gigantes e Vinces. Ver esse post no Instagram Um post compartilhado por Blog n' Roll (@blognroll) Roteiro 5/11 – quinta-feira – São Paulo Cortina – Rua Araújo, 62 @cortina.sp Ingressos: https://www.sympla.com.br/evento/circuito-09-05-de-novembro-cortina/3594875?share_id=copiarlink 6/11 sexta-feira – Taubaté Lapa Public House – Rua Dr. Dino Bueno, 65 @lapapublichouse Ingressos: https://blumie.com.br/event/JLQTOQSLAR 7/11 sábado – Americana Obrigado Vida – Rua Silvino Bonassi, 840 @obrigadovida Ingressos: https://blumie.com.br/event/RBAD1YTYK2
Entrevista | Rodrigo Cerveira – “A beleza de ser um artista solo é a possibilidade de fazer o que quiser na própria obra”
Após apresentar sua estreia com Life e consolidar parcerias de peso como o duo Silver, ao lado de Felipe Machado (Viper), o cantor e compositor Rodrigo Cerveira dá um passo definitivo em sua trajetória solo com o lançamento de The Searcher. Produzido por Val Santos, o segundo álbum chega às plataformas digitais canalizando uma veia muito mais visceral e direta, na qual a urgência do punk californiano e do pós-punk se funde a melodias marcantes e guitarras enérgicas. No centro da obra reside o movimento contínuo de deixar o passado para trás e abraçar novas descobertas. Esse ímpeto se reflete tanto na potência de faixas urgentes quanto em momentos de engajamento e sensibilidade. Um dos grandes destaques é Animals, faixa que conta com solo avassalador de Andreas Kisser (Sepultura) para denunciar a violência contra a mulher, projeto cuja arrecadação de direitos autorais e de streaming é revertida diretamente para ONGs de apoio e acolhimento a vítimas. O disco ainda reserva homenagens e contrastes bem calibrados: a faixa-foco traz uma releitura intimista de Say Hello 2 Heaven, clássico do Temple of the Dog, celebrando Chris Cornell como bússola vocal, além da densa balada acústica Rolling Dice, com violão solo de Hugo Mariutti (Shaman). Para completar o momento, Cerveira já estrutura a nova fase nos palcos acompanhado por Claudio Leal (guitarra), Daniel Botelho (baixo) e Fred Zara (bateria). Em entrevista exclusiva, Rodrigo Cerveira detalha o processo de composição e produção de The Searcher, comenta os bastidores das participações especiais e reflete sobre o papel transformador da arte diante de temas urgentes. Confira a íntegra da conversa a seguir: Antes de mais nada, parabéns pelo álbum The Searcher. Achei o trabalho incrível, especialmente as faixas com pegada mais punk como a faixa-título, Sad Girl e Animals, que ficou sensacional. O que você estava procurando, em termos pessoais e artísticos, quando começou a compor esse disco? Muito obrigado pela oportunidade de conversar. Fico muito feliz que tenha gostado do som. Eu comecei há pouco tempo nessa trajetória solo: meu primeiro disco, Life, saiu em 2023, seguido pelo EP Save The Fire. Depois fiz um projeto com meu grande amigo Felipe Machado, o Silver. Paralelamente, já compunha as músicas que se tornariam o meu próximo álbum solo, The Searcher. A música nasce muito de um lugar em que acredito profundamente: precisamos estar sempre abertos a novas experiências, descobertas e aprendizados. Ficar estagnado no mesmo lugar, repetindo sempre a mesma rotina, tende a nos deixar desanimados e sem rumo. O conceito de The Searcher é justamente abraçar o novo com empenho e entusiasmo. Quando nos abrimos a novas vivências, evoluímos pessoal e psicologicamente; nos tornamos pessoas melhores. O refrão sintetiza isso: deixar o passado para trás e libertar a alma para viver uma nova fase. Nota-se uma proposta diferente em relação ao seu álbum de estreia, com influências mais evidentes de punk, pós-punk, grunge e até uma releitura de Temple of the Dog. Como foi essa transição musical do primeiro para o segundo trabalho e quais referências moldaram essa virada sonora? O rock sempre esteve presente na minha trajetória. Fui criança nos anos 1980 e lembro da minha mãe tocando Hit the Road Jack, do Ray Charles, enquanto eu brincava de tocar guitarra com uma raquete de tênis. Meu pai era baterista focado em jazz e em casa sempre se ouviu muita música. Na adolescência, comecei a andar de skate, uma cultura intrinsecamente ligada à música. Naquela época, o punk californiano estava em alta com Dead Kennedys, Black Flag e Misfits, somado ao movimento new wave de bandas como Devo e The B-52’s. Isso ficou gravado no meu DNA. Mais tarde, fui absorvendo rock inglês, heavy metal clássico como Iron Maiden e Black Sabbath, além de Led Zeppelin. É um caldeirão amplo. Componho basicamente no violão, o que me faz estruturar as canções a partir da melodia. O grande desafio surge na hora de definir os arranjos. O primeiro álbum teve um tom mais acústico em várias faixas justamente por essa gênese, embora já contasse com sons diretos como Today e We Are The Hurricane. Para este segundo disco, decidi assumir uma pegada mais pesada, voltada ao hardcore e ao punk californiano, que refletem melhor a minha essência. Eu me considero um vocalista acima de tudo. Por isso, prezo muito por melodias bem construídas e interpretações fortes, sem abrir mão da crueza e da energia do punk. Uma grande referência para mim é o Chris Cornell, capaz de aliar técnica, potência e nuances emotivas. Decidi fazer um disco com essa sonoridade mais robusta, mantendo apenas uma balada acústica e trazendo uma homenagem ao Temple of the Dog totalmente descolada da versão original. Em Say Hello 2 Heaven, quis fugir do padrão habitual. Fiz uma versão mais despojada (stripped), com vocal sem drive e clima quase intimista de blues, deixando o arranjo crescer em intensidade até um desfecho épico. Já a faixa acústica Rolling Dice nasceu no violão com forte inspiração na poesia sóbria e nos graves de Leonard Cohen. Convidei o Hugo Mariutti para gravar o violão solo e a química foi imediata; ele imprimiu uma identidade brilhante à canção. Chama a atenção essa versatilidade: você transita da energia crua do início do disco até a modulação mais intimista e contida de Rolling Dice, além de encarar o repertório de Chris Cornell. Como você enxerga o trabalho da voz e a dinâmica de surpreender o ouvinte dentro de uma mesma obra? Para mim, o mais importante na música é transmitir energia e autenticidade. O próprio Chris Cornell exemplificou muito bem essa evolução: começou cantando sempre nos limites dos agudos no Soundgarden e, aos poucos, foi refinando nuances e quebras de dinâmica sem comprometer a força melódica. Gosto dessa variedade. Não aprecio vocais lineares, onde todas as faixas soam previsíveis. Dentro de um disco, criar essas alternâncias é essencial: você abre com a voltagem alta de The Searcher, Sad Girl e Animals, e de repente insere o recolhimento acústico de Rolling Dice, apoiado apenas em voz,
Mastrobiso une rap e rock em cypher com Dani Buarque, MC Taya, Kouth e Scarlett Wolf
Quebrando divisões de gênero musical para colocar a fúria feminina na linha de frente com humor, atitude e deboche: a cantora e compositora Mastrobiso disponibilizou nas principais plataformas digitais o single Cruelas Vol. 1. Lançada pela gravadora Deck, a faixa assume o formato de um cypher visceral que costura as batidas do hip hop à distorção do rock, reunindo um time de peso: Dani Buarque (vocalista e guitarrista do The Mönic), MC Taya, Kouth e Scarlett Wolf. A iniciativa nasceu da vivência de Mastrobiso com a cultura do rap, cultivada desde a adolescência, somada ao desejo de transportar essa dinâmica de rimas coletivas para a cena do rock protagonizada por mulheres. Para a artista, a simples existência feminina em um mercado dominado por homens já é um manifesto punk por si só, abrindo mão do peso didático. “Chega de explicar o óbvio. Agora é hora de falar sobre o que quiser, colocar a raiva para fora, se divertir e fazer barulho”, crava Mastrobiso. Resposta à misoginia com produção de Dé Barros Em um cenário de recrudescimento de discursos misóginos e ataques a direitos históricos, Cruelas Vol. 1 converte o incômodo em energia sonora criativa. A música dispensa o tom defensivo para apostar na autonomia estética, unindo artistas com posicionamentos contundentes e linguagens complementares. A arquitetura das batidas e guitarras tem a assinatura de Dé Barros, DJ e produtor atuante na vanguarda do rap e do trap nacional, parceiro de longa data nas composições e arranjos de Mastrobiso. Como primeiro volume de uma série colaborativa, o lançamento marca território na nova safra da música urbana e alternativa feita por mulheres no Brasil.
Confirmada no Lollapalooza Brasil 2027, Catïça lança o explosivo álbum “Cereja de Xuxu”
A banda paranaense Catïça lançou nas principais plataformas de streaming o seu segundo álbum de estúdio, intitulado Cereja de Xuxu. O projeto chega chancelado pela gravadora Deck no mesmo momento em que o quarteto foi confirmado no line-up oficial do Lollapalooza Brasil 2027, onde se apresenta no domingo, 21 de março de 2027. O trabalho marca a estreia em estúdio do baterista Diego Jordão, que completou a formação ao lado de Lucas Waricoda (Nobu) (voz), André Melo (baixo) e William Lopes (guitarra). A entrada de Jordão trouxe uma pegada mais encorpada e veloz às baquetas, aproximando em definitivo a identidade do grupo de vertentes mais agressivas e cruas do metal e do punk. Crítica social sem pose, causos de estrada e orgulho londrinense Ao longo de dez faixas, Cereja de Xuxu preserva a linguagem direta, ácida e bem-humorada que transformou a Catïça em um dos nomes mais comentados da cena alternativa recente, dispensando posturas professoralmente engajadas. Surpresinha, por exemplo, canaliza a revolta popular inspirada nos debates sobre a taxação de super-ricos e privilégios de classes dominantes. “Vem de um sentimento de raiva, de impotência, de olhar pra essas paradas e sentir que a gente não pode fazer nada”, explica o vocalista Lucas Nobu. Em contrapartida, canções como Sofá Cubista transformam perrengues de vans e turnês em combustível cômico, enquanto a épica intitulada Em Todos Esses Anos Nessa Indústria Vital, Essa É A Primeira Vez Que Isso Me Acontece celebra a persistência de viver de rock independente. Já Pé Vermei presta homenagem explícita às raízes do grupo em Londrina, no Paraná. Do thrash ao pós-punk: quebrando expectativas Sem temer desvios de rota sonora, o repertório passeia por experimentações audaciosas: Agenda de shows: De São Paulo ao Circo Voador e Lollapalooza
Tony Iommi lança o álbum “From The Dark” com Jorn Lande e estreia lyric video
O lendário guitarrista do Black Sabbath Tony Iommi disponibilizou nas principais plataformas digitais o seu novo álbum solo, intitulado From The Dark. Para celebrar a chegada do registro, o músico apresentou o lyric video oficial da faixa de abertura, Over The Violent Sun, que já pode ser assistido no YouTube. O disco já se encontra disponível para streaming e download nos principais tocadores digitais. Parceria de peso com Jorn Lande e cozinha de alto escalão Em From The Dark, Iommi uniu forças com uma das vozes mais potentes e respeitadas do hard rock e metal tradicional mundial: o vocalista norueguês Jorn Lande (ex-Masterplan, Avantasia). Lande assume todos os microfones do trabalho e assina como coautor de todas as composições ao lado do guitarrista. A seção rítmica reúne instrumentistas de destaque: Produção assinada com Mike Exeter A sonoridade densa, soturna e marcada pelo inconfundível timbre de guitarra afinada em tons mais baixos que definiu a história do heavy metal foi lapidada nos mínimos detalhes. A produção musical de From The Dark é assinada pelo próprio Tony Iommi em parceria direta com o renomado engenheiro e produtor Mike Exeter, seu colaborador criativo histórico de estúdio (com créditos em trabalhos marcantes do Black Sabbath, Heaven & Hell e projetos solo anteriores do guitarrista).
LS Jack reinventa o clássico “Vento Ventania”, do Biquini Cavadão, em nova fase
A banda LS Jack lançou nas principais plataformas de streaming a sua releitura para Vento Ventania, hit consagrado pelo Biquini Cavadão. A faixa integra o EP Canções que Ficaram em Nós e chega como o terceiro single do projeto, apresentando a roupagem da atual formação em power trio com Vitor Queiroz (baixo e voz), Bicudo (bateria) e Sérgio Ferreira (guitarra). O trabalho conta com direção musical de Marcelo Sussekind e produção da MS Produções. Diálogo geracional e a bateria reproduzindo os metais Originalmente lançada em 1991 no álbum Descivilização, do Biquini Cavadão, Vento Ventania estabelece agora uma ponte direta entre as duas trajetórias: recentemente, o próprio Biquini regravou Carla, maior sucesso da história do LS Jack. O vocalista e baixista Vitor Queiroz celebra essa sintonia e a consolidação de sua voz à frente do grupo: “Vento Ventania é uma canção com uma riqueza poética, repleta de lindas imagens, feita por uma banda que vem atravessando gerações. O Biquíni recentemente regravou Carla e é interessante esse diálogo entre os nossos públicos. Aos poucos, sinto que o som revela uma nova identidade com o eco da nossa sonoridade”, comenta Vitor. Sem contar com instrumentos de sopro na formação enxuta de trio, a banda encontrou uma solução criativa para um dos ganchos mais marcantes do arranjo original. “Uma das marcas registradas da música é a linha de metais. Como a banda não conta com esses instrumentos, surgiu a ideia de reproduzir esse fraseado na bateria. Embora não seja um instrumento harmônico ou melódico, ela poderia dar uma nova interpretação a esse elemento tão característico. A ideia acabou funcionando muito bem e trouxe um resultado bacana para o arranjo”, detalha o baterista Bicudo. O guitarrista Sérgio Ferreira reforça o equilíbrio entre respeito e reinvenção: “Em Vento Ventania, buscamos trazer essa energia de liberdade e movimento, sem perder a força do original. Nossa expectativa é que o público cante junto e se conecte com a música de um jeito diferente”. Continuidade narrativa no clipe e os próximos passos do EP O lançamento ganha as telas sob a direção e roteiro do cineasta Thadeu Vivas (filho do cantor Jerry Adriani), que dá andamento à narrativa seriada que conecta os registros audiovisuais do projeto: Completando o repertório de cinco faixas do EP Canções que Ficaram em Nós, o LS Jack já prepara as próximas estreias: releituras para Se, clássico de Djavan, e Sinônimos, composição de Paulo Sérgio Valle e José Augusto imortalizada por Chitãozinho & Xororó.
Anderson .Paak e Cordae lançam o álbum colaborativo “Heavy Is The Crown”
O cantor, baterista e produtor Anderson .Paak e o rapper Cordae lançaram nas plataformas digitais o álbum conjunto Heavy Is The Crown. Distribuído globalmente pelo selo Empire, o disco celebra anos de sintonia criativa e amizade. Essa química começou no clássico instantâneo RNP (do álbum The Lost Boy, de Cordae) e se estendeu por colaborações como Two Tens e Summer Drop, trilogia que já acumula quase 300 milhões de streams combinados. Produções de J. Cole, Swizz Beatz, 9th Wonder e Conductor Williams Com 11 faixas inéditas, Heavy Is The Crown reúne uma das seleções de beatmakers mais expressivas do hip hop e R&B recente: A estética visual do trabalho reflete o espírito descontraído das gravações. A capa oficial homenageia a clássica comédia Quase Irmãos (Step Brothers, 2008), estrelada por Will Ferrell e John C. Reilly, traduzindo visualmente o pacto de dois talentos que operam no topo da indústria sem perder a espontaneidade. Homenagem a “Sexta-Feira em Apuros” e sample de Bill Withers Apresentado previamente para aquecer o público, o single A Good Day foi montado sobre um sample do clássico atemporal Lovely Day, de Bill Withers. A faixa ganhou um registro audiovisual divertido dirigido em tributo ao clássico cinematográfico Sexta-Feira em Apuros (Friday, 1995), contando com a participação especial da atriz Jennifer Freeman (eternizada pelo papel de Claire Kyle na série Eu, a Patroa e as Crianças). O projeto coroa um período fértil para os dois artistas. Cordae segue como um dos liricistas mais requisitados dos Estados Unidos, enquanto Anderson .Paak comemora o marco de uma década do seminal álbum Malibu e sua recente parceria com a Riot Games, emprestando a voz ao campeão K’Sante na faixa Live My Life, do grupo virtual Heartsteel. Tracklist | Heavy Is The Crown
Charlotte Wessels anuncia show extra em São Paulo antes do Liberation Festival 2026
A cantora holandesa Charlotte Wessels, ex-vocalista do Delain, confirmou uma apresentação solo em São Paulo no dia 11 de dezembro de 2026, no Carioca Club. O show acontece um dia antes de sua participação no Liberation Festival, marcado para 12 de dezembro, no Vibra São Paulo. As duas apresentações são realizadas pela Liberation Music Company, e os ingressos para a data extra já estão à venda pelo Clube do Ingresso. Conhecida por seus 16 anos à frente do Delain, Charlotte Wessels iniciou sua carreira solo em 2021, explorando uma sonoridade que combina metal sinfônico, rock alternativo, dark pop e elementos cinematográficos. Seus primeiros trabalhos, Tales From Six Feet Under (2021) e Tales From Six Feet Under Vol. II (2022), foram desenvolvidos durante a pandemia e marcaram uma fase de maior liberdade criativa para a artista. O principal destaque de sua discografia solo é The Obsession, lançado em 2024 pela Napalm Records. O álbum apresenta composições que abordam temas como saúde mental, medo, pensamentos intrusivos e transtorno obsessivo-compulsivo, combinando guitarras pesadas, arranjos sinfônicos e melodias marcantes. O trabalho será a principal referência para as apresentações da cantora no Brasil. Nos últimos anos, Charlotte ampliou sua presença no circuito internacional de metal, participando de festivais como Hellfest, Graspop, Tuska, Summer Breeze e Dynamo Open Air. Em 2026, também integrou uma turnê europeia ao lado de Epica e Amaranthe, com apresentações em grandes arenas. A cantora já prepara os próximos passos da carreira, incluindo um novo álbum de estúdio previsto para o início de 2027. Em fevereiro, ela também realizará sua primeira turnê como atração principal pela Europa e pelo Reino Unido, com encerramento em Utrecht, sua cidade natal. Além dos lançamentos tradicionais, Charlotte mantém desde 2020 o projeto Song of the Month, no qual disponibiliza mensalmente composições inéditas para seus apoiadores no Patreon. A iniciativa já ultrapassou 70 músicas e se tornou parte importante de seu processo criativo. Charlotte Wessels também participa do Liberation Festival 2026 O Liberation Festival retorna a São Paulo após oito anos de ausência. Marcado para 12 de dezembro, no Vibra São Paulo, o evento terá apresentações de Dimmu Borgir, Testament, Slaughter To Prevail, Charlotte Wessels, Immolation e Municipal Waste. A participação da cantora no festival acontece apenas um dia depois do show no Carioca Club, oferecendo ao público brasileiro duas oportunidades consecutivas de acompanhar a atual fase de sua carreira solo. Serviço – Charlotte Wessels em São Paulo Data: 11 de dezembro de 2026 (sexta-feira)Local: Carioca ClubEndereço: Rua Cardeal Arcoverde, 2899 – Pinheiros, São Paulo (SP)Ingressos: Clube do IngressoRealização: Liberation Music Company