Rhapsody anuncia três shows no Brasil em 2027 com Fabio Lione e Luca Turilli na turnê de despedida
O Rhapsody confirmou três apresentações no Brasil em fevereiro de 2027 como parte da turnê de despedida de sua formação clássica. O grupo italiano, um dos pioneiros do power metal sinfônico, se apresenta no dia 26 de fevereiro, no Mirage Eventos, em Limeira; 27 de fevereiro, no Carioca Club, em São Paulo; e 28 de fevereiro, no Tork n’ Roll, em Curitiba. Os shows reúnem o vocalista Fabio Lione e o guitarrista Luca Turilli, dois dos principais responsáveis pela identidade musical da banda, justamente no ano em que o álbum de estreia, “Legendary Tales” (1997), completa três décadas. A turnê, intitulada Final Shows, marca mais um reencontro dos músicos após o encerramento do projeto Turilli/Lione Rhapsody, em 2023. A formação conta ainda com Dominique Leurquin (guitarra), Patrice Guers (baixo) e Alex Holzwarth (bateria). Em junho de 2026, o grupo voltou aos palcos com apresentações especiais no México e no Chile, acompanhadas por orquestra e coro, antecipando a série de despedida. Os ingressos para as datas brasileiras começam a ser vendidos nesta quinta-feira (22), às 10h. Fundado na Itália nos anos 1990, o Rhapsody ajudou a popularizar uma combinação de guitarras velozes, arranjos orquestrais e narrativas inspiradas na literatura fantástica. Discos como “Symphony of Enchanted Lands” (1998), “Dawn of Victory” (2000) e “Power of the Dragonflame” (2002) se tornaram referências do gênero, enquanto músicas como “Emerald Sword”, “Dawn of Victory” e “Holy Thunderforce” conquistaram espaço entre os clássicos do power metal. A história da banda também inclui uma relação importante com o público brasileiro. O Rhapsody passou pela América do Sul em 2001 e voltou ao país em 2017, durante a turnê comemorativa de 20 anos de carreira. Fabio Lione, por sua vez, fortaleceu essa ligação ao assumir os vocais do Angra entre 2013 e 2026, encerrando sua passagem pelo grupo brasileiro durante o Bangers Open Air deste ano. Os três shows brasileiros antecedem uma série de apresentações pela América Latina, com passagens por Peru, Chile, Argentina, Costa Rica, Colômbia, Panamá, El Salvador e México. Em algumas dessas cidades, o Rhapsody dividirá a programação com o Epica, outro nome de destaque do metal sinfônico. A despedida representa o encerramento de um capítulo importante para o power metal europeu. Com uma discografia marcada por composições épicas e produções grandiosas, o Rhapsody influenciou gerações de músicos e ajudou a estabelecer uma identidade própria dentro do heavy metal, transformando histórias de fantasia em algumas das músicas mais reconhecidas do gênero. SERVIÇO Rhapsody em Limeira Data: 26 de fevereiro de 2027 (sexta-feira) Local: Mirage Eventos Endereço: Avenida Professor Joaquim de Michieli, 755, Jardim Esmeralda, Limeira/SP Ingressos: circleofinfinityproducoes.com/ingressos/ Informações: WhatsApp (19) 98171-2379 (Circle of Infinity Realização: Circle of Infinity Produções Rhapsody em São Paulo Data: 27 de fevereiro de 2027 (sábado) Horário: 17h30 (abertura da casa) | 19h30 (início do show) Local: Carioca Club Pinheiros Endereço: Rua Cardeal Arcoverde, 2899, Pinheiros, São Paulo/SP Ingressos: clubedoingresso.com/evento/rhapsodyfinalshows-sp Realização: Overload Rhapsody em Curitiba Data: 28 de fevereiro de 2027 (domingo) Horário: 18h30 (abertura da casa) | 20h (início do show) Local: Tork n’ Roll Endereço: Avenida Marechal Floriano Peixoto, 1695, Rebouças, Curitiba/PR Ingressos: clubedoingresso.com/evento/rhapsodyfinalshows-pr
Trompas, banda de Wally, fundador do CPM 22, lança clipe de “Trip” e aposta no stoner metal
O Trompas, banda liderada pelo guitarrista e vocalista Wally, fundador do CPM 22, lançou o videoclipe de “Trip”, faixa presente no EP de estreia “Anxiety”, disponibilizado em junho de 2026. O vídeo tem direção de Xtudo Obze, que já trabalhou com Torture Squad, Kiara Rocks e Sioux 66, além de produção audiovisual de Paulo Rocha. O lançamento dá continuidade à divulgação do primeiro trabalho do trio, que aposta em uma sonoridade distante do hardcore melódico que marcou o início da carreira de Wally. Formado em 2024, o Trompas reúne Wally, o baterista Thiago Caurio e o baixista Benhur Lima. Os músicos dividem suas atividades entre São Paulo e Porto Alegre e se encontraram na capital paulista para gravar o novo videoclipe. A banda já trabalha na preparação de apresentações para 2027, quando pretende levar seu repertório aos palcos. Musicalmente, o grupo explora uma combinação de sludge metal, stoner rock e grunge, com guitarras graves, riffs arrastados e atmosferas sombrias. As influências passam por nomes como Black Sabbath, Nirvana, Crowbar, Mastodon e Monolord. As letras abordam conflitos internos, frustrações, desgaste emocional e relacionamentos, estabelecendo uma identidade mais pesada e introspectiva. “Trip” é o quarto videoclipe extraído de “Anxiety”. Anteriormente, o Trompas havia lançado vídeos para “Ten Year Hate”, “Lost Again” e a faixa-título. O primeiro single, divulgado em abril de 2026, abordou os efeitos do ressentimento e dos ciclos de raiva, enquanto “Lost Again” explorou as consequências emocionais de um relacionamento conturbado. A nova banda também representa um capítulo importante na trajetória de Wally, que participou de cinco álbuns do CPM 22 antes de seguir outros caminhos musicais. Posteriormente, o guitarrista se dedicou ao heavy metal com o Astafix, responsável pelos discos “End Ever” (2009) e “Internal Saboteur” (2015). No Trompas, ele retoma a parceria com Thiago Caurio, seu antigo companheiro de Astafix. A formação se completa com Benhur Lima, músico com passagem pelo Hibria. Caurio e Lima também integram o Atomic Elephant, projeto instrumental de metal. A experiência acumulada pelos três integrantes contribui para a construção de uma sonoridade que procura equilibrar peso, grooves marcantes e elementos psicodélicos. Desde a estreia, o Trompas acumula quase 500 mil visualizações em seus videoclipes e já prepara novas composições. Com o lançamento de “Trip”, o grupo encerra mais uma etapa de divulgação de “Anxiety” e concentra seus próximos passos na produção de material inédito e na organização dos primeiros shows. Mais do que um projeto paralelo, o Trompas representa uma nova fase artística para Wally, agora dedicado a uma vertente mais pesada do rock. A proposta mantém a intensidade presente em diferentes momentos de sua carreira, mas encontra no stoner e no sludge metal um caminho próprio para explorar novas possibilidades musicais.
Acid King retorna ao Brasil em março de 2027 com shows em Belo Horizonte e São Paulo
O Acid King, um dos nomes pioneiros do stoner doom, anunciou seu retorno ao Brasil para duas apresentações em março de 2027. Liderada pela guitarrista e vocalista Lori S., a banda norte-americana tocará no dia 26 de março, no Caverna Rock Pub, em Belo Horizonte, e no dia 27 de março, na Burning House, em São Paulo. Os shows encerram uma turnê latino-americana que também passará por México, Costa Rica, Chile e Argentina. A nova visita acontece cerca de três anos e meio depois da estreia do grupo no país, realizada em setembro de 2023, durante o Setembro Negro Festival, no Carioca Club, em São Paulo. Desta vez, a apresentação em Belo Horizonte será inédita. A turnê tem produção da Solid Music Entertainment e da Caveira Velha, com ingressos disponíveis pela plataforma 101 Tickets. Formado em San Francisco, em 1993, o Acid King ajudou a estabelecer as características do stoner doom, combinando riffs lentos, guitarras com afinações graves e atmosferas psicodélicas. Ao longo de mais de três décadas, a banda construiu uma discografia influente dentro do rock pesado, especialmente com “Busse Woods” (1999), considerado um dos trabalhos fundamentais do gênero. O álbum voltou a ganhar destaque recentemente graças à inclusão de “Electric Machine” na trilha sonora de “Sirāt”, filme dirigido por Oliver Laxe que recebeu duas indicações ao Oscar de 2026, incluindo Melhor Filme Internacional. A produção também conquistou o Prêmio do Júri no Festival de Cannes de 2025. A presença da música no longa ampliou a exposição do Acid King para além do público habitual do stoner e do doom metal. Em 2026, o grupo também realizou uma turnê europeia de 19 apresentações dedicada à execução integral de “Busse Woods”. A série passou por festivais como Desertfest Berlin e Sonic Whip, além de países pouco frequentes no roteiro da banda, reforçando a importância do disco mais de duas décadas depois de seu lançamento. O trabalho de estúdio mais recente é “Beyond Vision” (2023), que apresentou uma abordagem ainda mais psicodélica e experimental. Desenvolvido a partir da parceria entre Lori S. e Jason Landrian, do Black Cobra, o álbum explora atmosferas espaciais e composições de caráter hipnótico, sem abandonar as guitarras pesadas que caracterizam o grupo. Atualmente, o Acid King é formado por Lori S. (voz e guitarra), Bryce Shelton (baixo) e Jimmy Perez (bateria). Com a nova passagem pelo Brasil, o trio terá a oportunidade de apresentar diferentes momentos de sua discografia, incluindo o repertório de “Busse Woods” e as composições de sua fase mais recente. Serviço – Acid King no Brasil Belo Horizonte (MG) Data: 26 de março de 2027 (sexta-feira) Local: Caverna Rock Pub Endereço: Rua dos Tupis, 1448, Barro Preto Ingressos: 101 Tickets São Paulo (SP) Data: 27 de março de 2027 (sábado) Local: Burning House Endereço: Avenida Santa Marina, 247, Água Branca Ingressos: 101 Tickets
Primavera na Cidade reúne oito atrações internacionais em três noites de shows em dezembro
O Primavera Sound São Paulo 2026 anunciou a programação do Primavera na Cidade, iniciativa que levará oito apresentações internacionais para casas de shows da capital paulista nos dias 2, 3 e 4 de dezembro. Entre os destaques estão Nation of Language, Model/Actriz, Mannequin Pussy, Smerz, Ecco2k e o encontro entre underscores e umru. Os shows acontecerão no Cine Joia e na Audio, antecipando a programação principal do festival, marcada para 5 e 6 de dezembro, no Autódromo de Interlagos. A primeira noite, em 2 de dezembro, reunirá o duo norueguês Smerz e a banda norte-americana Model/Actriz no Cine Joia. Enquanto o Smerz explora uma mistura experimental de pop e música eletrônica, o Model/Actriz apresenta uma sonoridade que combina dance-punk, noise rock e elementos industriais. A proposta reúne duas atrações que representam diferentes caminhos da música alternativa contemporânea. No dia 3 de dezembro, a Audio receberá quatro apresentações: Metrika, Ecco2k, Sophia Stel e um set conjunto de underscores b2b umru. A programação será dedicada principalmente às novas tendências da música eletrônica e do pop experimental. Entre os destaques está Ecco2k, artista sueco associado ao coletivo Drain Gang, além da parceria entre underscores e umru, dois nomes ligados à renovação da música eletrônica alternativa. O encerramento acontecerá em 4 de dezembro, novamente no Cine Joia, com Nation of Language e Mannequin Pussy. O Nation of Language é um dos nomes em ascensão do synth-pop e do post-punk contemporâneo, com influências de bandas como New Order e Depeche Mode. Já o Mannequin Pussy mistura punk rock, indie e hardcore, destacando-se pela intensidade de suas apresentações e pela alternância entre momentos melódicos e explosões de guitarras. A iniciativa busca ampliar a presença do Primavera Sound na cidade, levando parte de sua programação para espaços tradicionais do circuito musical paulistano. Além de oferecer apresentações mais intimistas de artistas presentes no festival, o projeto permite que o público acompanhe atrações internacionais em ambientes diferentes da estrutura de um grande evento. Os compradores do Passaporte do Primavera Sound terão acesso antecipado à retirada gratuita de até dois ingressos por CPF, entre 20 de outubro, às 10h, e 21 de outubro, às 10h, conforme disponibilidade. A venda geral começa em 21 de outubro, ao meio-dia, pela Ingresse.
Zakk Sabbath e Black Label Society dividem noite histórica em São Paulo pela primeira vez
Zakk Wylde encerrou sua turnê brasileira neste domingo (18), no Terra SP, em São Paulo, com uma noite que reuniu três apresentações, muito peso e diversas homenagens a Ozzy Osbourne. O guitarrista norte-americano foi o grande protagonista do evento, subindo ao palco com o Zakk Sabbath e, posteriormente, com o Black Label Society. Antes disso, o Dark Chapel, liderado pelo guitarrista do Black Label Socity, Dario Lorina, ficou responsável pela abertura. Mais do que uma sequência de shows, a apresentação mostrou diferentes facetas de Wylde, desde sua ligação com o legado do Black Sabbath até a trajetória construída com sua própria banda. A noite começou com o Dark Chapel já com a casa cheia. Com um repertório enxuto, a banda apostou em um hard rock pesado, com influências de blues e uma sonoridade que dialoga diretamente com o universo de Zakk Wylde. Entre os destaques esteve “Burns The Flame”, uma das músicas mais conhecidas do grupo, além de uma versão de “Ain’t No Sunshine”, clássico de Bill Withers. Apesar do tempo reduzido, o Dark Chapel cumpriu bem a missão de aquecer o público. Dario demonstrou desenvoltura como guitarrista e vocalista, aproveitando a oportunidade para apresentar um trabalho autoral que vai além de sua função no Black Label Society. Foi uma abertura direta, sem grandes intervalos, mas suficiente para mostrar a personalidade da banda. Zakk Sabbath transforma o Terra SP em uma celebração ao Black Sabbath Na sequência, Zakk Wylde subiu ao palco com o Zakk Sabbath, projeto dedicado ao repertório do Black Sabbath. A formação reúne os músicos do Black Label Society, com exceção de Dario Lorina, que havia acabado de se apresentar com o Dark Chapel. A configuração permitiu que Wylde comandasse duas apresentações completas na mesma noite, algo inédito em suas passagens pelo Brasil. O repertório trouxe clássicos fundamentais da história do heavy metal, com destaque para “Children of the Grave” e “War Pigs”. A primeira ganhou força com os riffs característicos de Tony Iommi reinterpretados pela pegada de Wylde, enquanto a segunda proporcionou um dos momentos de maior participação do público. Não se trata de uma tentativa de reproduzir fielmente o Black Sabbath, mas de apresentar essas composições sob a identidade de um guitarrista que conhece profundamente o universo musical de Ozzy Osbourne. Aliás, a presença de Ozzy foi sentida durante toda a noite. Em diferentes momentos, Zakk incentivou a plateia a gritar o nome do cantor, conduzindo as manifestações com movimentos dos braços, praticamente como um maestro diante de uma orquestra. A resposta foi imediata, transformando o Terra SP em um coro coletivo de reconhecimento a um dos maiores nomes da história do heavy metal. O Zakk Sabbath também serviu para evidenciar uma característica importante de Wylde: sua capacidade de equilibrar respeito às composições originais com uma personalidade instrumental bastante marcante. Seus solos extensos, o vibrato característico e a maneira agressiva de atacar as cordas acrescentaram uma assinatura própria aos clássicos. Mesmo com décadas de familiaridade com essas músicas, o guitarrista conseguiu manter a apresentação interessante e intensa. >> ENTREVISTA COM BLACK LABEL SOCIETY Black Label Society reúne peso, emoção e homenagens Depois de revisitar o Black Sabbath, chegou a vez do Black Label Society assumir o palco principal. A abertura foi especialmente forte, com a dobradinha “Funeral Bell” e “Name in Blood”. A segunda, particularmente, esteve entre os melhores momentos do show. É uma das minhas favoritas do repertório da banda e funcionou muito bem ao vivo, com riffs marcantes e aquela combinação de peso e groove que se tornou uma das principais características do grupo. Assim como no Rio de Janeiro na noite anterior, a apresentação mostrou um Black Label Society bastante entrosado, com Zakk alternando vocais, riffs pesados e solos prolongados. Mesmo depois de já ter realizado um show com o Zakk Sabbath, o guitarrista manteve a intensidade e demonstrou disposição para comandar mais uma apresentação exigente. Sua presença de palco continua sendo um espetáculo à parte, especialmente nos momentos em que assume longos solos e estabelece uma conexão direta com o público. Um dos momentos mais emocionantes aconteceu durante “In This River”, música que se tornou uma homenagem permanente a Dimebag Darrell, guitarrista do Pantera assassinado em dezembro de 2004. Zakk assumiu o teclado para interpretar a composição, criando um contraste com a sequência de músicas pesadas. Durante a execução, o pedestal apresentou problemas, exigindo a intervenção de um roadie. O imprevisto, porém, não interrompeu a apresentação, e o músico seguiu tocando com a ajuda do profissional. Existe uma curiosidade importante sobre “In This River”: apesar de ter se tornado uma homenagem a Dimebag, a música foi escrita antes de seu assassinato. A composição acabou sendo lançada e dedicada ao amigo após sua morte, ganhando um significado que ultrapassou sua proposta original. Desde então, tornou-se um dos momentos mais simbólicos dos shows do Black Label Society. A reta final reservou outra sequência de destaque. “Suicide Messiah” abriu caminho para “Ozzy’s Song”, composição de Zakk dedicada a Ozzy Osbourne. Dessa vez, foi a vez de Dario Lorina ocupar o teclado. A interpretação reforçou o caráter pessoal das homenagens, mostrando que a relação entre os dois músicos sempre ultrapassou a parceria profissional. Wylde integrou a banda de Ozzy por décadas e participou de momentos fundamentais de sua carreira solo, construindo uma ligação que permanece evidente em suas apresentações. Outra homenagem aconteceu com “No More Tears”, um dos maiores sucessos da carreira de Ozzy. O mais interessante foi perceber que a execução ficou muito mais próxima da gravação original do álbum homônimo de 1991 do que da versão registrada pelo próprio Black Label Society. A escolha valorizou a identidade da composição e funcionou como um tributo direto ao repertório que ajudou a transformar Zakk Wylde em um dos guitarristas mais reconhecidos de sua geração. O encerramento veio com “Stillborn”, um dos maiores clássicos do Black Label Society. Depois de “Suicide Messiah” e “Ozzy’s Song”, a faixa completou uma trinca final que sintetizou bem a apresentação: riffs pesados, melodias marcantes e uma plateia completamente envolvida.
Black Label Society retorna ao Rio de Janeiro com riffs pesados e a presença marcante de Zakk Wylde
O Black Label Society voltou ao Sacadura 154, no Rio de Janeiro, no último sábado (17), em mais um encontro com o público carioca, que tinha motivos de sobra para estar ansioso por essa apresentação. A banda já passou pela casa em outras ocasiões, incluindo 2022, e retornou com um repertório que reuniu diferentes fases de sua trajetória, sem abrir mão daquilo que faz seu som ser tão característico: guitarras encorpadas, riffs marcantes e a mistura de heavy metal, groove e southern rock. A abertura ficou por conta da Dark Chapel, banda de Dario Lorina, guitarrista do próprio Black Label Society. O repertório incluiu faixas como Afterglow, Hollow Smile e Burns The Flame, além de uma versão de Ain’t No Sunshine, clássico de Bill Withers que ganhou espaço em meio ao peso do set. Mas é com Zakk Wylde no palco que a noite chegou ao seu momento mais aguardado. Dono de uma presença marcante, o guitarrista tem um jeito muito próprio de conduzir uma apresentação, seja pelos riffs pesados, pelos solos cheios de personalidade ou pela forma como transforma sua guitarra em uma extensão de sua identidade musical. O setlist da turnê percorre diferentes momentos da discografia do BLS, começando com Funeral Bell e passando por músicas como Destroy & Conquer, The Blessed Hellride, Fire It Up e Suicide Messiah. São faixas que ajudam a entender a força de uma banda que construiu sua identidade sem precisar se prender a uma única vertente do rock pesado. >> LEIA ENTREVISTA COM ZAKK WYLDE Conexão de Zakk com Ozzy no show do Black Label Society A ligação de Zakk Wylde com Ozzy Osbourne também ganhou espaço especial no repertório. A presença de No More Tears, um dos grandes clássicos da carreira solo de Ozzy, ganhou ainda mais significado quando lembramos da trajetória que os dois construíram juntos. Já Ozzy’s Song reforçou o lado mais emocional dessa relação, em um momento que foi além da música e carregou o peso de uma parceria que marcou profundamente a história do guitarrista. O encerramento com Stillborn deixou a noite nas mãos de um dos grandes clássicos da banda, fechando um repertório de 13 músicas que equilibrou peso, melodia e identidade. Na Sacadura 154, o Black Label Society reencontrou uma plateia que conhece sua história e sabe o que esperar de Zakk Wylde: uma guitarra inconfundível, presença de palco e uma sonoridade que continua transitando entre o metal e o southern rock sem perder a personalidade, independentemente dos anos.
Dark Chapel apresenta sua identidade sonora na abertura do Black Label Society no Rio
Liderada por Dario Lorina, guitarrista do Black Label Society, a Dark Chapel chegou ao palco da Sacadura 154, no Rio de Janeiro, com uma proposta que vai além da conexão com a banda principal da noite. O projeto apresentou uma sonoridade sombria e pesada, com riffs marcantes e espaço para explorar outras nuances do guitarrista, agora também à frente dos vocais. O repertório passou por faixas como Afterglow, Hollow Smile, Sign of Life e Burns The Flame, mostrando diferentes facetas do trabalho autoral da banda. Um dos destaques ficou por conta de Ain’t No Sunshine, clássico de Bill Withers que ganhou uma nova abordagem dentro da atmosfera mais densa do grupo. A apresentação também funcionou como uma oportunidade de conhecer melhor o universo musical de Lorina fora do Black Label Society. Com a Dark Chapel, o guitarrista assumiu outra posição no palco e apresentou um projeto com identidade própria, preparando o terreno para uma noite dedicada ao rock pesado na capital fluminense.
Fontaines D.C. entrega um post-punk moderno e ambicioso em “Dopamine Chamber”
O Fontaines D.C., atração do Lolla BR, já deixou de ser apenas uma das grandes revelações do post-punk irlandês para se consolidar como uma das bandas mais interessantes do rock contemporâneo. E “Dopamine Chamber”, quinto álbum de estúdio, lançado nesta sexta-feira (16), reforça essa posição. São 11 faixas que mostram um grupo cada vez mais confortável em experimentar, misturando guitarras distorcidas, sintetizadores, elementos industriais e melodias que poderiam facilmente conquistar grandes arenas. É um disco de post-punk moderno, que reconhece suas influências sem ficar preso a elas. Desde “Dogrel” (2019), a evolução da banda tem sido impressionante. “A Hero’s Death” (2020) e “Skinty Fia” (2022) aprofundaram seu lado sombrio, enquanto “Romance” (2024) ampliou as possibilidades sonoras e aproximou o grupo de um público muito maior. Agora, “Dopamine Chamber” parece reunir essas diferentes fases. O peso continua presente, mas divide espaço com arranjos mais sofisticados e uma produção que transforma algumas músicas em experiências quase cinematográficas. A abertura com “Six Shot Morning” já estabelece esse clima. Os sintetizadores e o baixo criam uma atmosfera inquietante antes da entrada da voz de Grian Chatten, que continua sendo um dos grandes diferenciais da banda. Seu jeito particular de cantar, alternando momentos quase falados com interpretações melódicas, combina perfeitamente com a proposta do álbum. É uma música que não tem pressa de chegar ao refrão e funciona como uma introdução ao universo mais sombrio do disco. “Marianne”, primeiro single, é um dos grandes destaques. A faixa mistura elementos eletrônicos, cordas e uma melodia envolvente, mostrando como o Fontaines D.C. consegue construir músicas grandiosas sem abandonar a melancolia. Já “Mimesis” apresenta uma influência evidente do New Order, especialmente na linha de baixo e na combinação de sintetizadores com uma batida dançante. É interessante perceber como uma banda que começou tão ligada ao punk consegue incorporar essas referências de maneira natural. Em “Happy For You”, as guitarras remetem ao lado mais melancólico do The Cure, enquanto “Demolition” segue pelo caminho oposto, apostando em distorções pesadas e uma agressividade que aproxima a banda do rock alternativo dos anos 1990. Essa alternância é um dos pontos fortes do álbum. O Fontaines D.C. consegue soar delicado em uma faixa e bastante pesado na seguinte, sem que isso pareça uma mudança artificial de identidade. “Tongue” merece atenção especial pela maneira como trabalha texturas eletrônicas, baixo e efeitos vocais. É uma das composições mais experimentais do repertório e mostra que o grupo está cada vez menos preocupado em seguir estruturas convencionais. A produção de James Ford, que também trabalhou em “Romance”, tem papel fundamental nessa evolução, permitindo que os diferentes elementos apareçam sem comprometer a identidade das músicas. Outro aspecto importante está nas letras. “Dopamine Chamber” aborda um mundo marcado pelo excesso de informações, pela dependência tecnológica e pela dificuldade de encontrar conexões verdadeiras. O título funciona como uma referência à busca constante por estímulos e recompensas imediatas. O interessante é que a banda não transforma essas questões em discursos óbvios. As críticas aparecem dentro de histórias, sentimentos e imagens que deixam espaço para diferentes interpretações. Rosalía surpreende em uma das melhores faixas do álbum A participação de Rosalía em “Where Is Gone?” é outro momento que merece destaque. A combinação pode parecer improvável à primeira vista, principalmente para quem ainda associa a cantora espanhola ao pop e ao flamenco contemporâneo. Mas a colaboração funciona muito bem. Em vez de apostar em uma música comercial ou em um refrão feito para viralizar, os artistas entregam uma balada orquestral dramática, com uma atmosfera que poderia facilmente fazer parte da trilha sonora de um filme. A voz grave de Grian Chatten contrasta com a interpretação de Rosalía, criando uma dinâmica interessante entre os dois. A instrumentação cresce aos poucos, enquanto as cordas acrescentam uma intensidade emocional que foge completamente do padrão das participações especiais mais previsíveis. Para mim, é um dos pontos altos de “Dopamine Chamber” e uma demonstração de que o Fontaines D.C. não tem receio de ultrapassar as fronteiras do rock. Charlie Heaton, de Stranger Things, protagoniza clipe de “Japan” Outro destaque desta nova fase está no videoclipe de “Japan”, que conta com a participação de Charlie Heaton, conhecido por interpretar Jonathan Byers na série Stranger Things. Dirigida por Luna Carmoon, a produção também reúne Angèle Metzger e Sean Black no elenco e reforça a estética cinematográfica que o Fontaines D.C. vem desenvolvendo nos últimos anos. A escolha de Heaton combina com a atmosfera melancólica e contemplativa da música. A faixa trabalha uma sonoridade mais contida, que ganha força justamente pela maneira como os instrumentos criam tensão sem depender de explosões constantes. É um dos momentos em que a banda demonstra maturidade para explorar espaços e silêncios, algo que nem sempre aparece com tanta naturalidade em grupos de rock. O videoclipe também representa uma continuidade do universo visual apresentado em “Romance”. Existe uma preocupação em construir uma identidade que ultrapassa as capas dos discos e os materiais promocionais. No caso de “Japan”, a presença de um ator associado a uma das séries mais populares da última década amplia o alcance do lançamento, mas o resultado funciona principalmente pela conexão entre imagem e música. A reta final mantém o clima de inquietação. “Intimate” encerra o álbum deixando uma sensação de desconforto, uma conclusão coerente para um trabalho que discute justamente as contradições de uma sociedade cada vez mais conectada tecnologicamente e, ao mesmo tempo, emocionalmente distante. Um dos discos de rock mais interessantes de 2026 O mais impressionante é perceber como o Fontaines D.C. continua evoluindo sem perder personalidade. Em apenas sete anos desde o lançamento de “Dogrel”, os irlandeses construíram uma discografia consistente, na qual cada álbum representa uma etapa diferente. Existem referências ao Joy Division, New Order, The Cure e até ao rock alternativo dos anos 1990, mas a banda já desenvolveu uma assinatura própria. “Dopamine Chamber” não é necessariamente o disco mais imediato do grupo. Algumas músicas exigem mais de uma audição, especialmente pelas camadas de produção e pelas estruturas menos convencionais. Mas isso também faz parte de
Rochelle Jordan apresenta versões intimistas de “Bite The Bait” e “Sweet Sensation” em Hollywood
A cantora e compositora canadense Rochelle Jordan participou de uma sessão especial do programa carRADIO, produzido pelo canal norte-americano Heds no YouTube. Gravada no banco traseiro de uma BMW 323 enquanto o veículo percorre as ruas de Hollywood, a apresentação traz a artista acompanhada por CHRYSALIS em versões de “Bite The Bait” e “Sweet Sensation”, explorando uma atmosfera mais intimista para suas composições. A performance chega em um momento de intensa atividade na carreira de Rochelle, que recentemente lançou “Disc 3”, terceiro capítulo de uma série de EPs dedicados a remixes do álbum “Through The Wall”. O projeto reúne releituras de produtores da música eletrônica, incluindo Kaytranada, responsável por uma nova versão de “TTW”, TOKiMONSTA, que recriou “The Boy”, e Mirasia, que trabalhou em “On 2 Something”. A série também contou com participações de nomes como Honey Dijon, Ron Trent, Chad Hugo, Terry Hunter e Shanti Celeste nos dois primeiros volumes. A proposta é explorar novas possibilidades para as composições originais, aproximando o R&B alternativo de Rochelle de diferentes vertentes da house music e da música eletrônica contemporânea. Outro destaque recente foi o convite de Mariah Carey para participar do remix oficial de “Didn’t Mean To Turn You On”, lançado como parte das comemorações pelos 25 anos da trilha sonora de “Glitter”. A colaboração amplia a presença de Rochelle em projetos que conectam diferentes gerações do R&B. A sessão no carRADIO também acontece pouco depois da estreia da cantora nos palcos brasileiros, durante o ZIG Festival, em São Paulo. Agora, Rochelle Jordan segue com sua agenda internacional, incluindo apresentações na América do Norte ao lado de Suki Waterhouse. Com a performance em Hollywood e a sequência de remixes de “Through The Wall”, Rochelle continua explorando diferentes formatos para apresentar seu repertório, alternando produções eletrônicas elaboradas com interpretações mais próximas e espontâneas.