Entrevista | Dope Lemon – “Sinto que Golden Wolf parece realmente meio ensolarado e divertido”
O músico australiano Angus Stone está de volta com um novo capítulo de seu alter ego sonoro, o Dope Lemon. Em entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, Stone falou sobre o lançamento do álbum Golden Wolf, uma obra que marca não apenas uma evolução musical, mas também uma nova fase estética e conceitual do projeto. Gravado em seu recém-inaugurado estúdio Sugarcane Mountain Studios, uma mansão dos anos 70 com vista para campos de cana-de-açúcar, o álbum reflete um mergulho ainda mais profundo em atmosferas cinematográficas e existenciais. A faixa-título, Golden Wolf, foi o ponto de partida criativo do disco e, segundo ele, é uma meditação sobre mortalidade, legados e o que levamos, ou deixamos, ao fim da vida. O contraste entre grooves ensolarados e atmosferas mais introspectivas, marca registrada do Dope Lemon, permanece presente, mas agora com uma nova maturidade lírica e sonora. E para os fãs brasileiros, há boas notícias: o Dope Lemon pretende incluir o país na próxima turnê. “Já estive no Rio de Janeiro quando tinha 16 anos e foi mágico. Espero voltar em breve. Me digam pra onde devemos voar, porque queremos estar aí.” Confira entrevista com Dope Lemon na íntegra Como você definiria essa nova fase sonora e estética do projeto? É um trabalho de amor e cada disco é algo que você está constantemente aprendendo e crescendo. E esse disco para mim é isso. Parece apenas o próximo nível em que você está refinando seu conjunto de habilidades e as letras para mim são meu foco principal. Acabei de adquirir um novo estúdio de gravação aqui na Austrália chamado Sugarcane Mountain Studios. É uma mansão grande e linda dos anos 70 com vista para os campos de cana-de-açúcar. Parece que você está entrando em uma cápsula do tempo. E algo sobre isso para mim é ter um espaço onde parece que você está entrando em outro mundo, é como o que a música faz por mim. E imagino o que ela faz por outras pessoas quando você ouve uma música. Espero que ela te leve para longe e este espaço, faz isso por mim. Como foi o processo criativo de Sugarcat? Essa música surgiu antes ou depois do conceito de Golden Wolf? Tudo começou com Golden Wolf. Acho que essa música foi o catalisador para o que esse disco se tornou e se abriu para esse grande e lindo projeto que continuei e me certifiquei de ver até o fim. Seu álbum anterior, Kimosabè, refletia muito sobre sua juventude. Como foi essa transição de olhar para o passado para agora focar no futuro? Golden Wolf é sobre mortalidade e como eventualmente toda a nossa vida chegará ao fim. E acho que a música em si é sobre o que você faz quando chega lá e as coisas que você levará com você para o outro lado, quem é que o levará até lá, o que você deixará para trás. Para mim, é sobre essa transição para tentar fazer o melhor desta vida que podemos. E sim, espero que a próxima também. Seu projeto solo tem uma identidade visual bem definida. Qual é o papel da estética e dos videoclipes na construção do universo do Dope Lemon? Quando era mais jovem, sonoramente, fui inspirado por um certo artista e isso afetou minha música. Mas mais agora, me tornei mais uma pessoa visual de certa forma. Quando escrevo, parece que estou caindo em um filme, sendo o protagonista. É tudo sobre filmes agora. Quando assisto algo, sou inspirado por cair naquele universo do que alguém criou visualmente. Você pensa em fazer um filme? Às vezes fazemos esses videoclipes realmente divertidos e a qualidade deles é realmente muito especial. E às vezes, obviamente, você tem apenas três minutos e meio a quatro minutos para contar uma história e geralmente você apenas se diverte com isso. Mas às vezes penso sobre como seria superdivertido talvez contar uma história que seja um longa-metragem. Ao longo da sua carreira, você trabalhou com nomes como Winston Surfshirt, Will Ferrell e Adam McKay. Existe alguma colaboração dos sonhos que ainda deseja realizar? As colaborações têm sido uma jornada tão divertida. Toquei com Post Malone e Dua Lipa duas noites atrás. Ela me convidou para subir no palco e não sei, sinto que tem sido tão legal, que a música tem essa maneira linda de conectar as pessoas. E quando você é convidado para dividir o palco e colaborar com pessoas assim, isso realmente muda. Parece que o mundo é menor do que você pode imaginar e estamos todos conectados e a música tem uma maneira linda de unir as pessoas. O Dope Lemon sempre transitou entre um som mais ensolarado e grooves noturnos. Como você encontra esse equilíbrio dentro dos álbuns? Acho que cada disco muda de gênero, o clima também. Eles podem mudar bastante dramaticamente e também sutilmente, mas sinto que este parece realmente meio ensolarado e divertido. Isso me dá uma emoção quando o ouço. Seus fãs parecem ter uma conexão forte com o universo que você cria. Como você percebe essa relação e a maneira como sua música impacta as pessoas? É muito legal quando alguém se aproxima de você na rua, um estranho, e ele te conta sobre como a música o afetou. É muito lindo para alguém compartilhar o que passou, seja triste ou cheio de alegria. Acho que é outro daqueles momentos em que você percebe o quão especial é que todos nós podemos nos conectar em uma coisa, que é a música. É uma espécie de linguagem universal que une todo mundo. Há planos para uma turnê internacional com esse novo álbum? O Brasil pode esperar uma visita em breve? Sim, com certeza. Nós voamos ao redor do mundo no mês passado e fizemos alguns shows secretos. Agora estamos marcando datas para todos os lugares restantes. Espero que possamos ir para a América do Sul e outros lugares que já viajamos antes. Julia e eu já viajamos para lá antes e adoraríamos receber um
Lorde confirma Virgin, novo álbum de estúdio, para 27 de junho
Lorde anunciou oficialmente a data de lançamento de seu novo álbum, Virgin: dia 27 de junho. O primeiro projeto completo da artista neozelandesa em quatro anos promete uma evolução ousada no som e na forma como ela conta suas histórias. A pré-venda do álbum já está disponível. A novidade chega logo após o lançamento do single What Was That, coproduzido por Lorde, Jim-E Stack e Dan Nigro. Elogiada por sua energia crua e seu impacto instantâneo, faixa oferece uma prévia poderosa do universo sonoro que será explorado em Virgin. What Was That já causou um grande impacto, atingindo o primeiro lugar no Spotify nos EUA — o primeiro #1 de Lorde na plataforma desde Royals. Também alcançou o terceiro lugar no Reino Unido e o quinto lugar globalmente, solidificando o retorno triunfante da cantora ao topo das paradas. O vídeo de What Was That, filmado em Nova Iorque — incluindo uma apresentação surpresa no Washington Square Park — capta o espírito intimista e espontâneo deste novo capítulo.
Candidato a álbum do ano, Skeletá, do Ghost, já está disponível para audição
Após uma espera que pareceu interminável para os fãs, o tão aguardado álbum do Ghost, Skeletá, finalmente chegou às plataformas digitais via Loma Vista Recordings. O caminho até o lançamento completo de Skeletá foi marcado por uma série de eventos globais que intensificaram ainda mais a recepção fervorosa ao novo trabalho. Só nesta semana, foi revelada a versão de estúdio de Peacefield, o hino monolítico que abre tanto o novo álbum quanto os shows com ingressos esgotados da primeira etapa da Skeletou World Tour 2025. A chegada de Skeletá já havia sido anunciada com os singles Satanized e Lachryma. Os fiéis também se reuniram em trajes cerimoniais para as celebrações da Skeletá-Eve Midnight Sales, marcando a chegada do sexto salmo da banda em cerca de 150 lojas de discos ao redor do mundo. Como a demanda pelos eventos à meia-noite superou o número de locais físicos disponíveis, o Ghost promoveu também a transmissão ao vivo do Skeletá Rockin’ Eve, garantindo que nenhum fã ficasse de fora das festividades. Após uma série de shows esgotados pelo Reino Unido, a turnê segue agora pela Europa, antecipando a campanha norte-americana que terá início em 9 de julho, em Baltimore — e incluirá a estreia histórica da banda como atração principal no lendário Madison Square Garden, em Nova York, no dia 22 de julho.
Entrevista | Mark Morton – “Este álbum reflete o tipo de música que ouço por diversão e por amor”
Conhecido por seu trabalho visceral como guitarrista do Lamb of God, Mark Morton está prestes a mostrar uma nova faceta artística em Without the Pain, seu segundo álbum solo, que chega ao streaming na sexta-feira (11). Muito distante do metal que o consagrou, o novo projeto mergulha fundo no southern rock, com influências marcantes de blues, country e clássicos como Lynyrd Skynyrd e Allman Brothers. Em entrevista exclusiva ao Blog n’ Roll, Mark Morton contou que esse novo caminho é, na verdade, um retorno às suas origens. “Cresci com esse tipo de música. Está em toda parte onde nasci. Sempre foi a base do meu amor pela música”, diz. Se no Lamb of God Mark Morton canaliza peso e agressividade, em Without the Pain, ele se permite explorar emoções mais introspectivas. A faixa Brother, por exemplo, traz uma reflexão delicada sobre rupturas familiares e o sentimento de arrependimento. “É tão comum ver pessoas desconectadas de suas famílias, e isso pesa muito. A música fala sobre isso, sobre essa dor que tantos carregam”, comenta Mark Morton. Diferente de seu primeiro álbum solo, lançado em 2019, esse novo trabalho foi construído com um espírito mais colaborativo. “No primeiro disco eu tinha uma visão mais rígida, já agora entrei nas composições com a cabeça aberta, e isso tornou tudo mais divertido”, revela. Confira a entrevista completa com Mark Morton abaixo. Without the Pain representa uma mudança significativa no seu som, mergulhando no southern rock. O que te motivou a explorar esse caminho agora? O que realmente me motivou foi um amor de longa data por esse tipo de música. Cresci com esse tipo de música ao meu redor, é realmente parte da minha vida. Se você cresce onde cresci, quando cresci, você ouviu isso em todos os lugares. Então, é realmente a base do meu amor pela música. Sempre esteve lá. Todo mundo me conhece pelo Lamb of God, e isso é ótimo. Eu também amo heavy metal. Mas este novo álbum, Without the Pain, realmente reflete o tipo de música que ouço por diversão e por amor pela música. Parece o tipo de violão que acontece quando estou em casa, tocando violão no meu tempo livre. Não digo isso para tirar nada do Lamb of God porque amo heavy metal e amo o Lamb of God. Sou muito grato pelo que podemos fazer. Mas também tenho outros interesses, e este álbum reflete isso com certeza. A faixa Brother é extremamente pessoal e aborda temas como arrependimento e reconciliação familiar. Como foi o processo emocional de escrever essa música? Acho que acabei de observar ao meu redor tantos casos de pessoas que estão desconectadas de certos membros da família ou desconectadas talvez até mesmo de toda a família. E é tão comum e um fardo tão pesado que as pessoas carregam. Acho que todos nós ouvimos e muitos de nós vivenciamos tantos exemplos disso acontecendo. E realmente não entendo porque é tão comum e universal. Mas é sobre isso que realmente estávamos escrevendo, esse fenômeno de famílias se desconectando e nem sempre necessariamente entendendo o porquê. Entre todas as faixas do álbum, existe alguma que você considera a mais representativa da sua jornada pessoal recente? Não, acho que não. Não sei qual é a minha jornada pessoal mais recente, apenas acordo todos os dias e consigo viver mais um dia, fazendo coisas emocionantes. Sou um cara muito sortudo. Acho que realmente mais do que apenas uma música, o álbum em si traz sentimentos, soa muito como um lar para mim. O álbum pareceu muito com voltar para casa. Você incluiu um cover de The Needle and the Spoon, do Lynyrd Skynyrd. Qual é a importância dessa faixa na sua formação musical? É uma das minhas músicas favoritas do Lynyrd Skynyrd. O Lynyrd Skynyrd é a grande referência de southern rock. Essa faixa é uma das minhas favoritas porque é muito guiada pela guitarra. Esse riff é tão bom, a letra é sombria e meio que um aviso. É tudo que amo no southern rock. O quanto das suas raízes musicais sulistas estão presentes em Without the Pain? Você cresceu ouvindo muito blues e country? Lynyrd Skynyrd, Molly Hatchet, Allman Brothers e ZZ Top estavam por toda parte e ainda são muito parte do que soa se você entrar na minha casa. É o que escuto normalmente. Esse é seu segundo trabalho solo. Em que aspectos ele difere do primeiro, tanto musical quanto emocionalmente? O primeiro álbum foi amplamente influenciado pelo heavy metal e diferente do Lamb porque era um pouco mais melódico, mais diverso estilisticamente. E, claro, os diferentes cantores trabalhando nele fizeram as coisas meio que saírem de ângulos diferentes. Musicalmente, isso é diferente porque o meu novo álbum é southern rock com influência de blues. Em termos de processo e meu relacionamento com o disco, acho que é amplamente mais colaborativo. No primeiro disco, tinha uma visão muito mais rígida para cada música porque sentia a responsabilidade de ter a música bem definida. E neste álbum, entrei nas sessões de composição com um conceito muito mais solto para a música e muito mais aberto a outras contribuições. Isso tornou tudo muito divertido. Como você equilibra a criação solo com o trabalho no Lamb of God? Esses dois mundos se influenciam de alguma forma? Não sei se elas influenciam uma à outra. É tudo música para mim. Então, nesse sentido, se ouço algo, é mais sobre decidir se é para Lamb of God ou não. Em termos de equilíbrio, o Lamb of God é sempre a prioridade. É um monstro tão grande, com uma base de fãs tão grande… Ficamos tão ocupados com isso que é real e menos sobre equilíbrio e mais sobre mim, trabalhando entre meus compromissos e responsabilidades com o Lamb of God. Depois do lançamento de Without the Pain, você pretende levar essas músicas para a estrada? Há planos de turnê solo, quem sabe até pelo Brasil? Uau, não seria ótimo? Ótimo! Não temos nenhuma turnê marcada.
The Hives anuncia novo álbum e libera primeiro single; veja vídeo
O novo álbum de The Hives, intitulado The Hives Forever Forever The Hives, será lançado no dia 29 de agosto de 2025, através da Play It Again Sam. Este álbum, composto por três faixas meticulosamente elaboradas com compromisso, intensidade e habilidade na Suécia, foi criado em parceria com os produtores estimados Pelle Gunnerfeldt e Mike D (Beastie Boys). O primeiro single do álbum, Enough Is Enough, chega acompanhado de um videoclipe filmado na grandiosa cidade de Bucareste, onde a banda assume diferentes papéis sob a direção magistral do renomado cineasta Eik Kockum. “Quem, em sã consciência, começaria uma música assim? Ninguém além do The Hives. Eles estão de volta mais cedo do que você esperava e já perdeu a paciência com todo mundo neste ponto. Daí o título. Sacou?”, disse a banda em comunicado enviado à imprensa. Seu último álbum, The Death of Randy Fitzsimmons (2023), marcou um retorno triunfal após uma década de silêncio, rendendo shows no mundo todo, incluindo o Brasil. A criação do mais novo The Hives Forever Forever The Hives ocorreu nos estúdios Yung Lean/YEAR0001 e Riksmixningsverket—este último pertenceu a ninguém menos que Benny Andersson, do lendário ABBA, em Estocolmo. Sob a orientação de seu colaborador de longa data, Pelle Gunnerfeldt (conhecido por seus trabalhos com Viagra Boys, Yung Lean e Elvira), a banda também contou com a participação especial de Mike D, dos icônicos Beastie Boys, que os recebeu em seu estúdio em Malibu. Além disso, Josh Homme, do Queens of the Stone Age, também ofereceu sua valiosa orientação.
Marina Sena lança “Coisas Naturais”, terceiro álbum de estúdio
Com o dom raro de transformar sentimentos em poesia e melodias que ecoam na alma, Marina Sena está de volta com o álbum Coisas Naturais, o terceiro trabalho de estúdio. A cantora e compositora mineira, conhecida por sua danos e sensibilidade única, entrega mais uma obra-prima, reafirmando seu lugar como um dos grandes nomes da música contemporânea. O novo trabalho reafirma a singularidade artística de Marina, que aprofunda sua sonora. Trazendo uma rica coleção de recortes de ritmos, o disco é uma verdadeira “marinada” musical, em que diferentes influências se entrelaçam com naturalidade, resultando em um som autêntico e cheio de personalidade. Entre as faixas, está Numa Ilha, lançada em dezembro do ano passado, além de Ouro de Tolo, faixa foco do projeto, lançada junto com um videoclipe. O processo criativo do álbum teve início há mais de um ano e foi marcado por uma intensa atenção, em uma fazenda, no interior de São Paulo. Foi nesse cenário inspirador que as primeiras composições tomaram forma, onde a espontaneidade e a experimentação foram os principais guias. Músicos de diferentes trajetórias se uniram a Marina nesse percurso, incluindo integrantes de A Outra Banda da Lua , de Montes Claros, criando um ambiente fértil para a composição da artista. As sessões organizadas em outros espaços, como a Casa da Música Brasileira (ZUCA) – equipamento cultural idealizado por Marina, em um estúdio intimista montado especialmente para a cantora e compositora, onde puderam concluir o processo de confecção do novo álbum. Foram mais de 12 meses de dedicação, com cada detalhe sendo lapidado até os últimos dias antes do lançamento. “Esse álbum foi muito diferente de tudo o que já fiz. O processo de composição começou há mais de um ano e foi muito intenso. A gente montou um estúdio no meio da sala, numa fazenda, e tudo foi surgindo de forma muito espontânea, com a banda tocando junto, experimentando. Foi um trabalho de criação coletiva, algo que eu queria muito viver. Esse sempre foi um sonho da Marina de Taiobeiras: poder reunir um pessoal, com uma estrutura legal e fazer uma aquisição, alugar uma fazenda e criar música desse jeito. Mas, no começo da minha carreira solo, com os primeiros discos, eu ainda não consegui parar, porque tinha toda uma agenda a cumprir, uma corrida enorme. Dessa vez, eu consegui esse tempo para realizar esse sonho e fazer o álbum exatamente da forma que eu imaginava”, se empolga Marina. Além da sonoridade plural, Coisas Naturais também marca um novo momento na performance vocal de Marina Sena. Durante a preparação para o álbum, a artista passou por um processo intenso de aprimoramento técnico ao lado da preparadara vocal Blacy Gulfier. Esse mergulho profundo na própria voz permitiu que Marina Sena explorasse novas nuances e expandisse suas possibilidades interpretativas, trazendo ainda mais soluções e emoções para cada faixa. O resultado é um disco que não apenas amplia seu repertório musical, mas também evidencia sua constante evolução como cantora e compositora. “Me dediquei muito ao estudo da minha voz para este álbum. Chegamos a um ponto na produção em que eu disse: ‘Quero cantar assim’, e então fui moldando minha interpretação com precisão, encontrando o tempo e a expressão certos para cada faixa. Foi um processo intenso, uma pesquisa profunda. Acho que todas as vozes do álbum soam diferentes do que eram antes, porque me desafiei a sair da minha zona de conforto e explorar novos lugares na minha forma de cantar”, ressalta o artista.
Forever Is A Feeling, quarto álbum de Lucy Dacus, chega às plataformas
Lucy Dacus lançou seu quarto álbum de estúdio, Forever Is A Feeling. Após uma fase marcante ao lado do boygenius, que rendeu três prêmios Grammy, a artista agora mergulha nas nuances do amor, seus começos, términos e o turbilhão do desejo. Ao longo de 13 faixas, que vão desde arranjos exuberantes até declarações minimalistas, Lucy Dacus investiga profundamente o que significa dedicar-se ao amor verdadeiro, em uma tentativa ousada de capturar a sensação fugaz e indescritível do ‘para sempre’. Junto com a chegada do álbum, a cantora também liberou o videoclipe de Bullseye, que tem a participação de Hozier.
Overfuzz canta em português no álbum Três, com intensa expressão criativa
A banda goiana Overfuzz, que este ano comemora 15 anos, é formada por três músicos e acaba de lançar o terceiro álbum da carreira – três singles já estavam no streaming. A recorrência de um numeral é o ponto de partida e a aura do registro Três, que chegou às plataformas digitais nesta sexta-feira (28) – aliás, o terceiro mês do ano. Três, de fato, mostra um Overfuzz integrado a tudo que a numerologia traz sobre a representação do número 3: o álbum carrega uma intensa expressão criativa, comunica-se com seus fãs e busca novos ouvintes, é otimista, enérgico e amparado por uma imaginação expansiva. O Três ainda faz referência à identidade cerne da banda como um power trio, que sempre trouxe um som com baixo muito presente e de atitude (diferente talvez de outras bandas com mais de uma guitarra), além do fato dos três membros serem igualmente compositores, instrumentistas e também vocalistas. Criatividade, alinhamento ao esforço, foram super necessários no processo de composição de Três, em que pela primeira vez o Overfuzz mostra músicas em português – o álbum completo, aliás. Na sonoridade, Três mantém a essência visceral do rock habitual da banda, mas também apresenta influências de outros gêneros. O lançamento de Três, assim como os três singles deste álbum, foi viabilizado por meio de um projeto contemplado pelo Edital de Fomento à Música 13/2023 do Fundo de Arte e Cultura do Estado de Goiás.
Underoath lança The Place After This One indo do metalcore ao pop
A banda Underoath lançou seu aguardado décimo álbum de estúdio, “The Place After This One”, reafirmando sua capacidade de evoluir sem perder a essência que os consagrou. Conhecidos por incorporar elementos eletrônicos e industriais ao seu som desde os anos 2000, o grupo da Flórida entrega uma obra que mescla agressividade e experimentação de forma coesa. O álbum inicia com a já lançada “Generation No Surrender”, uma faixa caótica e dissonante que serve como uma excelente abertura, destacando os vocais potentes de Spencer Chamberlain. Na sequência, as inéditas “Devil” apresenta uma pegada groove envolvente e “Loss” é agressiva na medida que os fãs aguardavam. Logo depois, o álbum segue com outros dois singles já revelados: “Survivor’s Guilt” e a principal música de trabalho “All The Love is Gone”, que cativa com seu refrão pop e marcante. “And Then There Was Nothing” mantém o clima de tensão e a intensidade características da banda para fechar a primeira metade. Contudo, a segunda metade do álbum apresenta uma leve queda em comparação às faixas iniciais, iniciando com a já conhecida “Teeth” e investindo no lado mais pop. Na sequência, “Shame” investe em um refrão no melhor estilo “Summer Eletrohits”. Ponto alto desta segunda metade são as faixas “Spinning in the place”, que conta com uma insana bateria, e “Vultures” que conta com a participação de Troy Sanders do Mastodon. O álbum fecha com “Cannibal” que sabe transitar bem entre um refrão radiofônico e o lado agressivo dos berros. A última música, “Outsider”, oferece um desfecho mais contido, contrastando com a energia avassaladora das músicas anteriores. Apesar de uma segunda metade mais pop, isso não faz com que o álbum não atinja plenamente o nível de suas obras clássicas. A habilidade do Underoath em transitar por diferentes sonoridades sem perder sua identidade é evidente, e este trabalho adiciona uma camada interessante ao seu repertório. Com certeza vai atrair novos fãs sem desapontar quem conheceu a banda ainda nos anos 2000. A produção do álbum é um destaque a parte, evidenciando a maturidade da banda em equilibrar peso e melodia. As experimentações sonoras demonstram a disposição do grupo em explorar novos territórios musicais, mantendo-se relevante no cenário atual. Em resumo, “The Place After This One” solidifica a posição do Underoath como uma banda que não teme a evolução e que não entrou no terreno confortável de repetir fórmulas. O álbum representa um capítulo significativo em sua trajetória, refletindo a contínua busca por inovação e expressão artística. Nota: 8.5