Nova Twins impressiona com peso e técnica em estreia como headliner no Brasil
Dois dias depois de subir ao Palco Mundo do Rock in Rio, a Nova Twins chegou a São Paulo para mostrar de perto por que se tornou um dos nomes mais interessantes da nova geração do rock britânico. No domingo (6), Amy Love e Georgia South comandaram o É Tudo Delas, no Cine Joia, em seu primeiro show como headliner no Brasil e na América do Sul. The Mönic e MC Taya completaram uma noite que, mais do que reunir três atrações lideradas por mulheres, apresentou três maneiras bastante diferentes de entender a música pesada contemporânea. Confira também a entrevista do Blog N’ Roll com a Nova Twins Coube à The Mönic abrir os trabalhos. Foi a quarta vez que acompanhei a banda ao vivo e a evolução é evidente. A cada encontro, o quarteto soa mais seguro, pesado e, principalmente, mais confortável em transformar o palco em extensão da pista. Se existe uma distância convencional entre artista e público, elas parecem pouco interessadas em respeitá-la. Isso ficou evidente quando a banda contrariou a orientação da segurança e permitiu que fãs subissem ao palco. Dani Buarque foi ainda mais longe e desceu para a pista para participar de um mosh pit. E não é somente um gesto calculado, mas consequência natural da maneira como a The Mönic conduz seus shows. Depois de passagens por Rock in Rio e Knotfest Brasil, a banda demonstra cada vez mais domínio sobre esse tipo de situação. Na sequência, MC Taya mudou completamente a linguagem sem diminuir a intensidade. O chamado Metal Mandrake parte do peso das guitarras para incorporar funk, trap e rap da periferia. Mais importante do que encontrar um rótulo exato para a mistura é perceber como o trio reivindica seu lugar dentro do metal. Essa afirmação aparece até na forma como o nome MC é apresentado. Ali, significa Mestre de Cerimônias e funciona como equivalente ao papel de frontwoman de uma banda de metal. Entre uma música e outra, Taya abriu espaço para discursos sobre minorias, ataques sofridos na internet, educação e ascensão social. Em um dos momentos, destacou que os integrantes da banda possuem formação universitária e falou sobre a importância do diploma. O discurso social não aparece separado das músicas. Faz parte do conceito do projeto e da maneira como a banda ocupa aquele espaço. Nova Twins mostra que o impossível também pode sair de um baixo Quando a Nova Twins entrou, porém, ficou claro por que Amy Love e Georgia South eram as headliners. Há uma diferença importante entre ouvir a quantidade de elementos presentes nas gravações da dupla e assistir à engenharia necessária para reproduzi-los no palco. Boa parte da experiência do show está justamente em tentar entender de onde cada som está vindo. A resposta, muitas vezes, está aos pés de Georgia South. O baixo é praticamente um instrumento mutante dentro da Nova Twins. Com uma enorme combinação de pedais e efeitos, ela produz graves próximos da música eletrônica, distorções que poderiam facilmente ser confundidas com guitarras, ruídos, oitavas e texturas que ocupam praticamente todo o espectro sonoro. Em algumas músicas, a guitarra é deixada de lado, com Amy somente nos vocais, com o espaço inteiro preenchido com o baixo. É justamente aí que a Nova Twins deixa de parecer apenas mais uma banda que mistura rock com elementos eletrônicos. Amy e Georgia fazem questão de construir grande parte dessa eletrônica organicamente no palco. Em vez de depender da reprodução de camadas previamente gravadas para sustentar a identidade das músicas, instrumentos tradicionais são manipulados até assumirem funções que normalmente pertenceriam a sintetizadores e programações. A abertura com “Antagonist” e “Cleopatra” apresentou imediatamente essa proposta. São músicas construídas para provocar movimento e que funcionaram como uma declaração de intenções. “Taxi” e “Soprano” mantiveram a pressão antes de “Hide & Seek” e “Parallel Universe” mostrarem melhor a elasticidade do repertório. Se Georgia chama atenção pela inventividade instrumental, Amy Love domina o outro lado da equação. Seu carisma é imediato. A cantora passou boa parte da apresentação sorrindo e estabelecendo contato com o público, mas o que realmente impressiona é a facilidade com que muda de registro vocal. Amy consegue sair de linhas melódicas limpas para versos rápidos próximos do rap, alcançar notas em voz de cabeça e entrar em screams sem que essas mudanças pareçam exigir uma preparação. Ao vivo, sua voz preserva a precisão das gravações, mas ganha uma agressividade adicional. É uma performance bastante técnica que, felizmente, nunca soa como demonstração gratuita de técnica. “N.O.V.A” aproveitou especialmente bem a relação com o público, enquanto “K.M.B.” e “Drip” recolocaram a pista em movimento. Nesta última, as referências ao drum’n’bass ajudam a demonstrar como a banda absorve música eletrônica sem simplesmente colocar guitarras por cima de uma batida. Tudo parece pertencer ao mesmo organismo. “Choose Your Fighter” e “Piranha” mantiveram a parte mais física da apresentação antes de “Hummingbird” oferecer outro destaque para Amy. Com espaço maior para melodia, a faixa reforçou que a cantora não depende do peso para impressionar. A reta final com “Monsters” e “Glory” encerrou um repertório de 14 músicas que conseguiu condensar diferentes faces da dupla sem perder intensidade. Um show que explica o crescimento da Nova Twins O mais interessante é que o show no Cine Joia aconteceu justamente quando a trajetória da Nova Twins começa a ganhar outra dimensão. A parceria com o Bring Me the Horizon em “1×1” colocou Amy e Georgia diante de uma audiência gigantesca, enquanto turnês com Foo Fighters, Evanescence e Spiritbox aproximaram a dupla de públicos diferentes dentro do rock pesado. São Paulo já dava sinais de que existia espaço para esse crescimento. A capital paulista aparecia entre as cidades que mais escutam Nova Twins no Spotify e, depois da passagem pelo Rock in Rio, ultrapassa Londres e se torna o local com mais ouvintes. Essa proximidade também ajudou a revelar o principal mérito da apresentação. A Nova Twins possui uma sonoridade que, no estúdio, poderia facilmente levantar dúvidas sobre quanto dela seria possível reproduzir
Miley Cyrus anuncia novo álbum “Bass Persuades” e retorno aos palcos
Miley Cyrus anunciou seu décimo álbum de estúdio, “Bass Persuades”, com lançamento marcado para 18 de setembro pela Atlantic Records, com distribuição da Warner Music Brasil. O novo trabalho inaugura mais um capítulo na trajetória da cantora e chega acompanhado de uma nova identidade visual desenvolvida em colaboração com o fotógrafo Mert Alas. A divulgação do disco começou a ganhar forma também com uma edição especial da Wonderland Magazine, que teve Miley como editora convidada e um ensaio assinado por Mario Sorrenti. Alastair McKimm, diretor criativo da publicação, também colaborou com a artista na construção desta nova fase. Os detalhes completos do repertório e as músicas que integrarão “Bass Persuades” ainda devem ser apresentados como parte da campanha de lançamento. O anúncio também marca o retorno de Miley Cyrus aos palcos. A cantora fará duas apresentações no Hollywood Bowl, em Los Angeles, nos dias 16 e 18 de outubro. Os shows serão as primeiras oportunidades de acompanhar ao vivo a nova era da artista após o lançamento de “Bass Persuades”. A venda de ingressos começa em 8 de setembro, às 10h no horário do Pacífico, com uma pré-venda destinada a clientes American Express. No dia seguinte será realizada a pré-venda oficial da artista, enquanto a venda geral está marcada para 10 de setembro pela Ticketmaster. A campanha contará ainda com o Reserved, iniciativa que disponibilizará ingressos reservados para alguns dos principais ouvintes de Miley no Spotify Premium antes da abertura das vendas gerais. Uma das artistas pop mais importantes de sua geração, Miley construiu uma carreira marcada por constantes mudanças de direção. Desde a projeção mundial alcançada ainda na adolescência, a cantora transitou pelo pop, rock, country e diferentes referências da música norte-americana, transformando cada novo álbum em uma oportunidade de reconstruir sua identidade artística. A nova fase acontece ainda em um momento no qual Miley reforça publicamente a importância de Dolly Parton em sua formação. Madrinha da cantora, a lenda do country mantém uma relação pessoal e artística de longa data com Miley, incluindo diferentes colaborações e a participação conjunta no especial “Miley’s New Year’s Eve Party”. Agora, com “Bass Persuades” e a volta aos palcos confirmada, Miley Cyrus prepara o início de mais um ciclo de sua carreira.
Sleeping With Sirens volta ao Brasil após oito anos para show único em São Paulo
Um dos maiores pilares do post-hardcore mundial dos anos 2010, a banda norte-americana Sleeping With Sirens confirmou seu aguardado retorno ao Brasil. Após um hiato de oito anos sem se apresentar no país, o grupo sobe ao palco do Terra SP, em São Paulo, no dia 13 de dezembro de 2026 (domingo), para uma apresentação exclusiva. O evento é uma realização conjunta da Áldeia Produções Artísticas, Fastix e DRM Entertainment, e as entradas já estão à venda pela ticketeira Fastix. Acumulando mais de dois bilhões de streams no Spotify, a banda desembarca no país divulgando seu oitavo álbum de estúdio, An Ending In Itself (lançado em junho de 2026). Gravado ao lado do produtor Will Yip (conhecido por trabalhos com Turnstile, Movements e Circa Survive), o disco marca o retorno à lendária gravadora Rise Records, resgatando guitarras pesadas na linha de frente, mudanças bruscas de dinâmica e a urgência melódica de suas origens. Clássicos no setlist Liderado pelos vocais agudos e pela versatilidade marcante de Kellin Quinn, o Sleeping With Sirens mantém sua assinatura que equilibra breakdowns enérgicos, riffs encorpados e refrões confessionais focados em conflitos internos e vulnerabilidade. A formação atual conta com Kellin Quinn (voz), Justin Hills (baixo), Nick Martin e Tony Pizzuti (guitarras) e Matty Best (bateria). Além das faixas do novo disco e da fase pesada de How It Feels to Be Lost (2019) e Complete Collapse (2022), o repertório promete uma celebração aos hinos que definiram a geração emo/post-hardcore, como If You Can’t Hang, If I’m James Dean, You’re Audrey Hepburn, Kick Me, Better Off Dead e A Trophy Father’s Trophy Son. Serviço: Sleeping With Sirens em São Paulo
Alexisonfire retorna ao Brasil para celebrar os 20 anos do álbum Crisis com shows em SP e Curitiba
Um dos nomes mais reverenciados do post-hardcore mundial, a banda canadense Alexisonfire confirmou seu retorno aos palcos do Brasil em novembro. Realizada pela Solid Music, a turnê comemorativa celebra os 20 anos do clássico disco Crisis (2006) com duas apresentações: no dia 20 de novembro de 2026 em São Paulo, no Vibra São Paulo, e em 22 de novembro de 2026 em Curitiba, no Tork n’ Roll. Os ingressos para ambas as cidades já estão disponíveis pela plataforma 101 Tickets. Força de um marco do post-hardcore dos anos 2000 Lançado em 2006, Crisis levou o quinteto ao topo das paradas canadenses e consolidou o estilo dinâmico do grupo, famoso pela sobreposição e contraste de suas três vozes: os berros viscerais de George Pettit, o timbre melódico de Dallas Green (City and Colour) e a pegada rasgada de Wade MacNeil. Impulsionado por hinos como This Could Be Anywhere in the World, Boiled Frogs, Drunks, Lovers, Sinners and Saints e We Are the End, o disco estabeleceu um equilíbrio raro entre velocidade, peso instrumental e refrões expansivos feitos para arenas e festivais. A formação que sobe aos palcos brasileiros é a clássica e original que gravou o álbum há duas décadas, reunindo George Pettit, Dallas Green, Wade MacNeil, Chris Steele (baixo) e Jordan Hastings (bateria). Além do material de Crisis, o repertório da turnê resgata momentos de trabalhos emblemáticos da discografia, como Watch Out! (2004), Old Crows / Young Cardinals (2009) e o elogiado Otherness (2022), trabalho vencedor do prêmio Juno de Álbum de Rock do Ano em 2023. Serviço: Alexisonfire no Brasil (Turnê 20 Anos de Crisis)
LP lança Room 12, seu oitavo álbum de estúdio, acompanhado do single “Don’t Stop”
A cantora e compositora norte-americana LP (Laura Pergolizzi) disponibilizou nesta quarta-feira (2) o seu oitavo álbum de estúdio: Room 12. O projeto chega acompanhado do lançamento do single de trabalho, Don’t Stop. Com 25 anos de carreira e bilhões de reproduções acumuladas nas plataformas digitais, LP construiu uma trajetória sólida, marcada por composições confessionais e status de ícone da cultura queer. O novo disco reúne 11 faixas que exploram términos, identidade, reconciliação e autodescoberta sob uma ótica de liberdade criativa renovada. Poética dos quartos de hotel em Room 12 Concebido após uma rara pausa no ritmo constante de turnês para viver e criar sem urgências, o trabalho nasceu de colaborações com parceiros frequentes de produção, como Mike Del Rio e PJ Bianco. O conceito central do disco parte das memórias acumuladas durante anos de viagens pelo planeta: “Room 12 é um estado de espírito. Um lugar onde as experiências viram memória, e a memória se transforma em narrativa. Um espaço para lembrar, imaginar e se reinventar. Nas minhas viagens, passei por muitos quartos […] No fim, todos se tornaram menos um lugar físico e mais um encontro comigo mesma”, define a artista. Entre os principais destaques do álbum estão: O lançamento coincide com o andamento da All Is Not Lost World Tour, turnê mundial que comemora os 10 anos do estrondoso sucesso de Lost On You (canção com mais de 1 bilhão de streams no Spotify) e que intercala as novidades de Room 12 com a execução na íntegra do clássico disco de 2016.
Celebrando 35 anos de carreira, The Slackers faz show especial no Cine Joia
A banda novaiorquina The Slackers desembarca em São Paulo nesta sexta-feira (4), para uma apresentação comemorativa no Cine Joia. A passagem pelo país celebra os 35 anos de estrada do grupo e acompanha a divulgação do EP Money is King. Com uma média de 150 apresentações anuais ao longo da última década, o The Slackers foi eleito a melhor banda de reggae e ska de Nova York pela revista norte-americana The Beat, enquanto o The New York Times definiu sua pegada urbana e crua como “o próprio som de Nova York”. Conexões com o punk, The Skatalites e a Hellcat Records Diretamente apadrinhado por pioneiros jamaicanos como The Skatalites e The Upsetters, o coletivo construiu uma assinatura própria que funde o ska tradicional, rocksteady e dub ao garage rock, rhythm & blues e soul dos anos 1960. A trajetória da banda contabiliza mais de 20 trabalhos lançados, com boa parte de sua discografia assinada pela icônica Hellcat Records, de Tim Armstrong (Rancid). A proximidade com o punk rock gerou turnês históricas ao lado do Rancid, além de frequentes colaborações do vocalista e tecladista Vic Ruggiero e do naipe de sopros do grupo no circuito internacional. Serviço: The Slackers no Cine Joia (35 anos de carreira) Valores dos ingressos: > Ingresso social: Válido para qualquer pessoa mediante a entrega de 1 kg de alimento não perecível na portaria do Cine Joia.
Paura revela Primitive Chaos, buscando a brutalidade essencial do hardcore
Um dos nomes fundamentais do hardcore brasileiro, a banda Paura lançou nesta segunda-feira (31) seu nono álbum de estúdio, intitulado Primitive Chaos. Concebido como um exercício de minimalismo e peso, o trabalho busca o estado bruto da música, despindo-se de excessos e focar na reação imediata. O sucesor de Karmic Punishment (2023) traz 11 faixas inéditas que abordam desde batalhas íntimas e autoconfrontação até críticas contundentes contra o autoritarismo, a guerra, a hipocrisia moral e a xenofobia. A busca pelo estado bruto do som e da mente em Primitive Chaos Para o vocalista Fabio Prandini, o novo disco funciona menos como uma criação isolada e mais como um reflexo das contradições do mundo moderno, contrapondo avanços tecnológicos à permanência de impulsos primários. “Hoje entregamos nosso novo disco, Primitive Chaos, pro mundo. Entregamos não. Devolvemos. Porque ele veio do mundo, foi feito do mundo. É do mundo! Feito com raiva e amor”, afirma Prandini. Musicalmente, o álbum aposta em guitarras, baixo, bateria e voz diretas, priorizando o impacto físico e a concisão. Essa proposta se refletiu no primeiro single lançado do projeto, “Sarcastic Sadistic”.
Dinosaur Jr. solta There Near, seu décimo terceiro álbum de estúdio
Os gigantes do rock alternativo norte-americano, o Dinosaur Jr. disponibilizou na última sexta-feira (28) o seu décimo terceiro álbum de estúdio, There Near. O lançamento chega sob o selo da Jagjaguwar e veio acompanhado do videoclipe oficial para a faixa destaque Everything At Once, dirigido por Guy Kozak. A produção audiovisual retrata combates de armaduras medievais em um ambiente urbano e contemporâneo. Além disso, a banda aproveitou a novidade para confirmar a expansão de sua turnê pela América do Norte. Resgate de timbres clássicos do Dinosaur Jr. Concebido e gravado no Bisquiteen Studio, em Amherst, o trabalho reúne o trio clássico formado por J Mascis (guitarra e voz), Lou Barlow (baixo e voz) e Murph (bateria), além de colaborações pontuais de Ken Mauri no piano e órgão. Sonoramente, There Near traz guitarras ainda mais cruas e viscerais. Para o novo projeto, J Mascis adquiriu um amplificador Mesa Boogie MK 1 vintage dos anos 1970, o mesmo modelo utilizado nas sessões de gravação do álbum de estreia da banda em 1985. “Comprei o mesmo amplificador que o Chris Dixon tinha quando fizemos nosso primeiro álbum. Tem um som realmente interessante que eu não tirava há um tempo e que estava tentando resgatar neste álbum. […] Você ouve como o Rick Rubin faz as bandas sentarem e ouvirem o primeiro álbum para voltar àquele som. Então eu simplesmente me dei o conselho dele”, detalha J Mascis. O disco sucede o aclamado Sweep It Into Space (2021) e se consolida como o sexto álbum de inéditas lançado pelo grupo nos 20 anos desde sua reunião original.
Alabama Shakes lança I Must Be Dreaming, seu primeiro álbum de estúdio em mais de uma década
Uma das bandas mais aclamadas do rock e soul contemporâneos, o Alabama Shakes disponibilizou na última sexta-feira (28) o álbum I Must Be Dreaming. Lançado pela gravadora Island Records, o projeto marca o aguardado retorno em estúdio do trio formado por Brittany Howard, Heath Fogg e Zac Cockrell, sendo o primeiro trabalho de inéditas do grupo em mais de dez anos. O disco sucede o aclamado Sound & Color (2015), que estreou em 1º lugar na Billboard 200 e faturou três prêmios Grammy, incluindo Melhor Álbum de Música Alternativa. Soul psicodélico e arranjos experimentais Gravado em Nashville nos estúdios Sound Emporium e Blackbird Studio, I Must Be Dreaming foi produzido pela própria banda ao lado do engenheiro e produtor Shawn Everett (vencedor de seis Grammys). O trabalho aprofunda a sonoridade de soul psicodélico e amplia a paleta instrumental do grupo com o uso de flautas, cravos, sitar e densas camadas vocais. Liricamente, o álbum aborda temas como conexão humana, amor, mortalidade e as dinâmicas da vida moderna. O projeto começou a ser gestado no fim de 2024, após a reunião orgânica dos integrantes em estúdio, e já havia sido antecipado pelos singles Another Life, American Dream e I Feel Hope Coming.