Entrevista | Gilla Band – “A produção nas batidas do funk brasileiro é muito inspiradora”
Mais de uma década se passou desde que o Gilla Band começou a implodir as barreiras do rock convencional no século 21. Flertando com o pós-punk, o noise rock e batidas eletrônicas industriais, o quarteto de Dublin consolidou uma reputação sólida na vanguarda da música alternativa. Agora, o grupo se prepara para o lançamento de seu quarto álbum de estúdio, Pugnello, com lançamento cravado para o dia 25 de setembro pela Rough Trade Records. O sucessor do aclamado Most Normal (2022) levou quatro anos para ganhar sua forma final. Gravado em três estúdios diferentes na capital irlandesa, o projeto teve produção assinada pelos próprios integrantes, com gravação e mixagem conduzidas pelo baixista Daniel Fox. Longe de ser um processo exaustivo, o hiato serviu para que os membros mergulhassem em “atividades extracurriculares”, como a pintura e a produção para outros artistas, oxigenando a criatividade que agora transborda nas novas faixas. O primeiro cartão de visitas dessa nova era é o single Placeholder, lançado no último dia 7. Acompanhada por um videoclipe oficial, a faixa traz o vocalista Dara Kiely em uma de suas performances mais honestas e viscerais. Na letra, o frontman investiga suas próprias peculiaridades mentais ao buscar refúgio na nostalgia da infância para escapar do peso da vida adulta cotidiana. É um mergulho que une traumas bobos de criança à clássica ironia autodepreciativa que já virou marca registrada dos irlandeses. Para além do barulho ensurdecedor e das guitarras desconstruídas, Pugnello carrega um forte DNA familiar. O intrigante título do disco foi emprestado de um livro de ficção de terror escrito pelo tio de Dara, que narra a história de uma fonte tipográfica mal-assombrada. De forma quase paradoxal, os integrantes revelam que é justamente dentro desse universo caótico e claustrofóbico que eles encontram o seu lugar de conforto e catarse musical. O que muitos fãs não imaginam é que o Gilla Band também mantém um forte laço afetivo com as terras brasileiras. O guitarrista Alan Duggan é casado com uma mineira de Uberlândia, cidade onde os dois subiram ao altar. Em Dublin, o músico consome feijoada e strogonofe com regularidade, celebra a crescente comunidade brasileira na Irlanda e revela que o som visceral do grupo bebe diretamente de fontes nacionais: desde o movimento Tropicalista de Os Mutantes, Gilberto Gil e Tom Zé, até o peso eletrônico e cru do funk moderno paulista. Em um bate-papo exclusivo, Dara Kiely e Alan Duggan abriram as portas desse processo de criação, riram de traumas de infância, confessaram prazeres culposos envolvendo Coldplay e reforçaram o desejo latente de, finalmente, trazer o caos controlado do Gilla Band para os palcos brasileiros. Confira a entrevista completa a seguir. Quatro anos se passaram desde Most Normal. Como foi o reencontro de vocês no estúdio para dar vida a Pugnello? E em que momento vocês perceberam que tinham um álbum pronto em mãos? Dara Kiely: Nós meio que voltamos a escrever logo em seguida do último disco. Mas a gente simplesmente leva muito tempo para escrever e finalizar as coisas. Então, para ser honesto, nós escrevemos até o último segundo no estúdio. Sabíamos que o álbum estava pronto no último dia de estúdio (risos). E o álbum foi gravado ao longo de quatro anos em três estúdios diferentes em Dublin. Como essa mudança de cenário e o próprio passar do tempo influenciaram a atmosfera e a coesão do disco? Alan Duggan: Acho que grande parte foi feita no nosso espaço de ensaio. O que nós meio que fizemos ao longo da maior parte do Most Normal para aquele disco, foi começar a comprar um monte de equipamentos de gravação, o que significava que poderíamos gravar para sempre, sabe? Tipo, nós temos todos esses microfones e coisas do tipo para podermos fazer isso consistentemente. Conforme íamos trabalhando na música, nós também já vínhamos gravando. Então, você fazia um take de guitarra, ou talvez um take de voz, ou algumas coisas de bateria eletrônica, e depois a gente não mudava aquilo. Era tipo: “Bom, isso tá aí. Ficou bom”. Então foi algo em que fomos trabalhando de forma consistente. E o que é interessante sobre o nosso espaço é que ele não tem janelas. Você fecha a porta e está lá dentro. Então a sensação lá dentro hoje é exatamente a mesma de 10 anos atrás. De certa forma, o tempo não existe lá. Quando começamos a trabalhar no disco, você fecha a porta e pensa: “Ah, sim, estou de volta a este mundo estranho onde estou apenas trabalhando em música de novo”, sabe? E você vai trabalhando dessa forma. Então, sim, acho que isso faz parte, de qualquer jeito. Vocês possuem projetos paralelos, como a pintura do Dara e o trabalho de produção dos outros integrantes. Como essas outras formas de arte entraram no processo criativo do Gilla Band? Dara Kiely: Sobre a pintura, eu sempre me aventurei um pouco com pintura e coisas do tipo, mas foi sugerido que eu fizesse a arte do álbum. Basicamente, eu pegava as demos em que estávamos trabalhando e pintava ao mesmo tempo em que as escutava, o tempo todo. Nós tínhamos essas câmeras de filme que levamos para a turnê e, se você tirasse uma foto e ela ficasse ruim, tipo com o dedo na lente ou fora de foco, eu pintava por cima dela. E parecia um pouco melhor. Por alguma razão, parecia melhor pintar em uma foto ruim do que em uma foto genuinamente bonita. Então meio que juntei todas essas fotos terríveis e pintei sobre elas. Fiz cerca de 100 e depois selecionamos as que iriam para o single, para o disco e tudo mais. Foi muito legal. Tentei meio que pintar o som do disco, se é que isso faz sentido. Sim, faz sentido. Acho que com a IA tudo é tão polido, que agora, quando vemos algo espontâneo, é muito bom, né? Dara Kiely: Espero que sim (risos). O título do álbum, Pugnello, tem uma sonoridade forte e intrigante. O que essa palavra representa para
Em duas passagens por Santos, Bad Religion vestiu a 10 do Peixe, enfrentou apagão e deixou legado
De todas as lendas internacionais que pisaram em Santos, nenhuma criou uma conexão tão profunda e passional quanto o Bad Religion. A banda e o público santista guardam com muito carinho tudo o que rolou por aqui nas duas turnês que passaram pela cidade, em 1999 e 2014. A primeira passagem foi tão surreal que parece roteiro de filme de ficção, a ponto de merecer destaque na biografia oficial da banda, Do What You Want: The Story of Bad Religion. A segunda, 15 anos depois, foi a coroação de uma história de amor entre os reis do punk melódico californiano e a capital do hardcore no Brasil. Em resumo, esta é a história das duas noites em que Greg Graffin e seus comparsas descobriram, na prática, o que significa ser a “Califórnia Brasileira”. ATO I: 1999 – Apocalipse na “Floresta Tropical”, a primeira vez do Bad Religion em Santos O dia 11 de março de 1999 tinha tudo para ser uma noite histórica na extinta casa Jump (ex-Reggae Night), no Morro da Nova Cintra. A produtora da banda, Michelle Ceasan, havia convidado os locais do White Frogs para abrir os trabalhos, e mais de 4 mil ingressos haviam sido vendidos. O êxtase dos músicos locais, que pegaram até equipamentos emprestados do pessoal do Altered Mind para a grande noite, logo se transformou em desespero. A chuva começou sem aviso prévio antes mesmo de qualquer instrumento ser tocado. O vocalista Greg Graffin relatou os bastidores de terror: “Nós estávamos no nosso backstage, uma mini-cabana, desfrutando uma caipirinha, quando um estrondoso trovão e raio desceram dos céus e colidiram com o nosso telhado”. A situação escalou rapidamente. “Se há uma coisa que aprendemos é esta: se os habitantes começam a olhar preocupados, as coisas podem rapidamente azedar”. Um apagão generalizado tomou conta da cidade. O promotor do evento entrou no camarim em pânico, sugerindo que a banda fugisse: “É melhor sair daqui, os fãs estão furiosos, eles certamente irão matá-los”. Com o som mecânico cortado e o público cantando e assobiando no escuro, o Bad Religion até cogitou um set acústico, mas percebeu que a bateria ensurdecedora de Bobby Schayer abafaria as guitarras sem energia. Retorno inesperado A banda voltou para o hotel com a certeza de que o show estava cancelado. João Veloso Jr., do White Frogs, sentiu a tristeza do cancelamento iminente, pois a banda americana tinha voo cedo no dia seguinte. Mas o improvável aconteceu. “Era meia-noite e a tempestade havia passado. A energia ainda estava desligada, por isso foi à luz de velas e um telefone celular que recebemos a ligação em torno de 1h: ‘Vocês devem voltar para o local agora, nós temos energia’”, relembrou Graffin. O retorno ao morro foi digno de um cenário pós-apocalíptico. Sem semáforos ou iluminação pública, as ruas estavam caóticas. Punks descontentes que já desciam a montanha faziam o retorno imediato ao ouvirem no boca-a-boca que o show iria continuar. No palco, a redenção. O White Frogs foi convocado às pressas para subir e tocar enquanto o público retornava à Jump. E, às 2h da manhã, com a casa ainda lotada, o Bad Religion entregou um espetáculo inesquecível, tocando pérolas raras como Anesthesia. “Tocamos um show inteiro e tivemos o tempo de nossas vidas”, cravou Graffin. “O caos, entusiasmo, emoções oscilantes e a floresta tropical, tudo conspirou naquela noite para nos oferecer uma experiência incrível. Não vamos esquecer tão cedo dele”. ATO II: 2014 – Redenção, açaí e camisa do Peixe no segundo show Quinze anos depois, o Bad Religion era anunciado para retornar a Santos, desta vez na Capital Disco, no dia 7 de fevereiro de 2014. A cidade entrou em polvorosa e os ingressos esgotaram rapidamente. O responsável por trazer o grupo foi Celso Bernardes, fundador da produtora Rock Show e, coincidentemente, um dos “sobreviventes” do apagão de 1999. Celso viveu a saga não apenas como produtor, mas como fã devoto de sua banda favorita. Os bastidores dessa segunda passagem foram marcados por um clima muito mais amistoso e curioso do que o apocalipse climático de 99. O baixista Jay Bentley desceu ao palco de chinelos para o reconhecimento do terreno e, em poucas palavras trocadas com Celso, perguntou sobre açaí. A resposta do produtor foi exagerada: ele mandou buscar um fardo de dez quilos do produto para o camarim. O nível de fanatismo do produtor chegou à pele. Em uma sala ao lado do camarim, antes do show, Celso tatuou o famoso logo da “Crossbuster” no braço esquerdo. O barulho da máquina atraiu Brian Baker, Jay Bentley e o baterista Brooks Wackerman, que ficaram honrados com a atitude. Greg Graffin chegou em seguida, surpreendeu-se com a homenagem e posou para fotos com o produtor tatuado. Bayside Kings, NLO e o caldeirão na Capital Disco Na madrugada de sábado, a casa noturna ferveu com o encontro de gerações de fãs. Quem abriu os trabalhos foi o Nem Liminha Ouviu (NLO), liderado pelo radialista Tatola Godas. A banda apresentou versões nostálgicas como O Concreto Já Rachou (Plebe Rude) e Surfista Calhorda (Replicantes). Em seguida, a prata da casa: o Bayside Kings. Recém-chegados de uma turnê bem-sucedida na Argentina, a banda liderada por Milton Aguiar incendiou o moshpit. O setlist brutal, mesclando faixas dos discos The Way Back Home e Warship, incluiu ainda um cover furioso de Cyco Vision, do Suicidal Tendencies. O Bayside Kings provou estar pronto para ser uma das principais representantes do hardcore santista. À 0h30, ao som de música clássica, o Bad Religion assumiu o palco. Com 35 anos de carreira e 16 álbuns nas costas, os californianos engataram um show coeso, técnico e empolgante, descarregando 30 canções em uma hora e meia. Eles abriram de forma agressiva com Fuck You, puxando logo na sequência uma quadra de clássicos absurda: I Want to Conquer the World, New America, Stranger Than Fiction e Los Angeles Is Burning. Pista e palco viraram uma verdadeira piscina de suor. O clima era de tanta interação que o baixista Jay Bentley até
New Order anuncia show único no Brasil após oito anos
O New Order voltará ao Brasil após oito anos para uma apresentação única em São Paulo. O show acontece no dia 25 de novembro, no Espaço Unimed, em realização da Balaclava Records em parceria com a Music On Events. Os ingressos já estão à venda na Ticketmaster. A noite contará ainda com a abertura da Jovens Ateus, que apresentará músicas do álbum de estreia Vol. 1 e faixas inéditas do próximo trabalho. Também haverá venda física de ingressos, sem taxa de conveniência, na bilheteria da Ticketmaster localizada no Shopping Ibirapuera. Nascido das cinzas do Joy Division, o New Order se tornou um dos grupos mais importantes da história da música ao unir o pós-punk com elementos da música eletrônica e da cultura clubber. Liderada por Bernard Sumner, a banda ajudou a definir o som dos anos 1980 e influenciou gerações de artistas ao combinar sintetizadores, guitarras e batidas dançantes de forma inovadora. Ao longo de mais de quatro décadas de carreira, o grupo lançou discos fundamentais como Power, Corruption & Lies (1983), Low-Life (1985), Substance (1987) e Get Ready (2001), além de construir um repertório repleto de clássicos. Entre eles estão “Bizarre Love Triangle”, “True Faith”, “Regret” e, principalmente, Blue Monday, considerada o single em vinil de 12 polegadas mais vendido de todos os tempos e uma das músicas mais influentes da história da música eletrônica. Mesmo com um legado consolidado, o New Order segue em atividade e mantém uma intensa agenda de apresentações ao redor do mundo. Nos últimos anos, a banda tem realizado turnês celebrando toda a sua trajetória, reunindo sucessos que atravessam diferentes fases da carreira e mantendo viva a conexão entre o rock alternativo, o synthpop e a música eletrônica. A última passagem do grupo pelo Brasil aconteceu em 2018. Agora, o retorno a São Paulo representa uma rara oportunidade para os fãs brasileiros acompanharem ao vivo uma das bandas mais importantes da história da música britânica. Serviço New Order em São Paulo Data: 25 de novembro de 2026Local: Espaço Unimed, São Paulo Abertura: Jovens Ateus Ingressos: Ticketmaster
Of Monsters and Men volta ao Brasil após dez anos para show único em São Paulo
O Of Monsters and Men está de volta ao Brasil. Dez anos após a última apresentação no país, o grupo islandês confirmou um show único em São Paulo no dia 26 de novembro, na Audio. A apresentação faz parte da The Mouse Parade Tour e marca o retorno da banda aos palcos brasileiros desde sua participação no Lollapalooza Brasil de 2016. A pré-venda de ingressos começa nesta quarta-feira (8), às 10h, para os fãs cadastrados nos canais oficiais da banda. Já a venda geral será aberta na sexta-feira (10), também às 10h. Também haverá venda presencial, sem taxa de conveniência, no Takko Café, na Vila Buarque, em São Paulo. Formado em 2010, em Reykjavík, o Of Monsters and Men rapidamente se tornou um dos principais nomes do indie folk da década passada. Misturando elementos de folk, indie rock e pop, o grupo conquistou projeção internacional com o lançamento do álbum My Head Is an Animal (2011), impulsionado pelo sucesso de Little Talks. A faixa ultrapassou fronteiras, tornou-se presença constante nas rádios e serviços de streaming e levou a banda a programas como o Saturday Night Live, além de festivais de grande porte como Coachella Valley Music and Arts Festival e Glastonbury Festival. Desde então, o grupo consolidou uma carreira marcada por paisagens sonoras inspiradas na natureza islandesa, vocais divididos entre Nanna Bryndís Hilmarsdóttir e Ragnar Þórhallsson, além de canções que transitam entre momentos intimistas e explosões instrumentais. A discografia também inclui os álbuns Beneath the Skin (2015) e Fever Dream (2019), ampliando a identidade musical da banda sem perder a essência folk que a tornou conhecida mundialmente. A turnê atual celebra os 15 anos de trajetória do grupo e também apresenta ao público as músicas de All Is Love and Pain in the Mouse Parade, lançado no ano passado. O repertório promete equilibrar as composições mais recentes com clássicos que marcaram a carreira da banda, incluindo “Little Talks”, “Dirty Paws”, “King and Lionheart” e “Mountain Sound”. As únicas apresentações do Of Monsters and Men no Brasil aconteceram em 2013 e 2016, ambas no Lollapalooza Brasil. Agora, o grupo retorna para um show exclusivo em São Paulo, oferecendo aos fãs brasileiros a primeira oportunidade em uma década de acompanhar a banda em uma apresentação completa fora do circuito de festivais. Serviço Of Monsters and Men – The Mouse Parade TourData: 26 de novembro de 2026 (quinta-feira)Local: Audio, São Paulo Pré-venda: 8 de julho, às 10h, para fãs cadastrados.Venda geral: 10 de julho, às 10h no ingresseVenda física sem taxa de conveniência: Takko Café, Vila Buarque, São Paulo.
H2O confirma shows no Brasil com turnê que celebra dois álbuns clássicos da carreira
O H2O está de volta ao Brasil com a turnê 1st Album & Go South American Tour, que celebra duas datas importantes de sua discografia. A banda de Nova York se apresenta no dia 31 de outubro em São Paulo, como atração principal do Trick or Hardcore Fest, no Usine, e segue para Curitiba no dia 1º de novembro, com show no Belvedere. Outras bandas que integrarão o festival em São Paulo ainda serão anunciadas, uma delas, inclusive, fará sua estreia no país. A excursão marca os 30 anos do álbum de estreia, H2O (1996), e os 25 anos de Go (2001). O primeiro consolidou a identidade do grupo com um hardcore rápido, melódico e repleto de refrões para serem cantados em coro. Já Go representou uma expansão sonora, incorporando influências do pop punk sem abrir mão da energia e da essência do hardcore nova-iorquino. Formado em 1994 pelo vocalista Toby Morse, ex-roadie do Sick of It All, o H2O rapidamente se tornou um dos nomes mais respeitados da cena hardcore. Ao longo da carreira, a banda construiu uma identidade baseada em músicas curtas, refrões marcantes e letras sobre amizade, responsabilidade, lealdade e escolhas de vida, conquistando uma base fiel de fãs ao redor do mundo. Outro momento importante da trajetória veio com Nothing to Prove, lançado em 2008 pela Bridge Nine Records. O disco reafirmou a relevância da banda ao combinar a tradição do hardcore de Nova York com melodias mais evidentes, mostrando que o H2O conseguia evoluir sem perder sua essência. Foi justamente esse álbum que norteou a última passagem do grupo pela América do Sul, há dois anos. A atual formação torna a nova turnê ainda mais especial. Além de Toby Morse, o H2O conta com o guitarrista Matt Henderson, conhecido por seu trabalho com Madball e Agnostic Front, e com o baterista Max Morse, filho de Toby, que representa a nova geração da banda.
Charlotte Wessels é a segunda atração confirmada no Liberation Festival
A cantora, compositora e produtora holandesa Charlotte Wessels é a segunda atração confirmada do Liberation Festival 2026. O evento acontece no dia 12 de dezembro, no Vibra São Paulo, e já havia anunciado a participação da Dimmu Borgir como headliner. A organização informou que novos nomes serão revelados nos próximos dias. Os ingressos já estão à venda. Conhecida mundialmente pelo período em que esteve à frente do Delain entre 2005 e 2021, Charlotte iniciou uma nova fase da carreira com trabalhos solo que ampliaram sua identidade artística ao combinar metal, dark pop e elementos cinematográficos. O show no Liberation Festival será baseado em The Obsession, álbum lançado em 2024, considerado o trabalho mais pessoal da artista, com letras que abordam temas como medo, obsessão e saúde mental sem abrir mão das melodias e da sonoridade pesada que marcaram sua trajetória. Além da carreira solo, Charlotte mantém uma relação próxima com os fãs por meio do Patreon, onde publica mensalmente músicas inéditas desde 2020 no projeto Song of the Month, que já ultrapassou 70 faixas lançadas. Nos últimos anos, a cantora também passou por festivais como Hellfest, Graspop Metal Meeting, Summer Breeze Open Air e excursionou ao lado do Epica e Amaranthe pela Europa. O Liberation Festival retorna ao calendário após oito anos de hiato. Criada em 1992, a Liberation Music Company é uma das principais produtoras de shows de música pesada da América Latina e promete reunir artistas de diferentes vertentes do metal na edição de 2026. SERVIÇO Liberation Festival 2026 Atrações reveladas: Dimmu Borgir, Charlotte Wessels e + Data: 12 de dezembro de 2026 Local: Vibra São Paulo Endereço: Av. das Nações Unidas, 17955 São Paulo Ingressos: clubedoingresso.com/evento/liberationfest2026
Rancore o peso e a maturidade de “Brio”ao Sesc Pompéia neste final de semana
Quinze anos depois de lançar seu último álbum de inéditas, o Rancore vive um dos momentos mais importantes de sua trajetória. Após um longo hiato, a banda paulista retornou às atividades com Brio, quarto álbum de estúdio que simboliza uma nova fase artística e criativa. Nos dias 3 e 4 de julho, o grupo apresenta esse trabalho ao vivo no Sesc Pompeia. O repertório reúne as músicas de Brio, lançado em abril, além de canções que ajudaram a consolidar a banda na cena hardcore brasileira, como os clássicos “Jeito Livre” e “Quarto Escuro”. O show propõe um encontro entre diferentes momentos da carreira da Rancore, unindo a energia dos primeiros discos à maturidade conquistada ao longo dos anos. Mais do que encerrar um jejum de 15 anos sem inéditas, Brio apresenta uma banda transformada pelo tempo. Se os primeiros trabalhos eram marcados pela urgência do hardcore melódico e do punk, o novo álbum amplia esse universo ao incorporar influências de post-hardcore e post-punk, punk 77, rock alternativo e noise rock, mantendo a intensidade que sempre fez parte da identidade do grupo. As dez faixas abordam temas como saúde mental, luto, esperança, paternidade e transformação, refletindo as experiências vividas pelos integrantes durante o período em que estiveram afastados. O disco também traz referências à filosofia, à espiritualidade e à teoria do caos, mostrando uma evolução tanto na sonoridade quanto nas letras. Produzido por Guilherme Chiappetta, Brio nasceu de um processo de redescoberta entre os músicos. O álbum preserva a essência da Rancore, mas evidencia uma banda interessada em explorar novos caminhos criativos sem perder a força que a tornou uma das principais referências do hardcore brasileiro dos anos 2000. Formada em São Paulo em 2001, a Rancore conquistou espaço no cenário independente ao unir peso, melodias marcantes e letras carregadas de emoção. Atualmente, a banda é formada por Teco Martins (voz), Alê Iafelice (bateria), Gustavo Teixeira (guitarra), Henrique Uba (guitarra) e Rodrigo Caggegi (baixo e voz). Serviço Rancore | Turnê do álbum Brio Quando: 3 e 4 de julho Onde: Sesc Pompeia Classificação: 14 anos Duração: 90 minutos Ingressos: https://www.sescsp.org.br/programacao/rancore-2/
Fabiano Negri é escolhido Tracy G, ex-guitarrista de Dio, para novo álbum
O vocalista, compositor, guitarrista e produtor brasileiro Fabiano Negri acaba de dar um dos passos mais importantes de sua carreira internacional. Com mais de 30 anos de trajetória no heavy metal, o músico foi escolhido para assumir os vocais do novo álbum de Tracy G, guitarrista que integrou a banda de Ronnie James Dio entre 1993 e 1999. Tracy G foi responsável por boa parte da identidade sonora dos álbuns Strange Highways (1993) e Angry Machines (1996), além de participar do disco ao vivo Inferno: Last in Live (1998). Sua abordagem mais pesada e sombria marcou uma fase distinta da carreira de Dio e influenciou gerações de guitarristas. Convite surgiu pelas redes sociais A parceria nasceu de forma inesperada. Após assistir a vídeos de Fabiano Negri interpretando clássicos do heavy metal, Tracy G entrou em contato diretamente pelas redes sociais. A sintonia artística foi imediata e rapidamente evoluiu para a produção de um álbum completo. No projeto, Tracy G assina toda a parte instrumental, enquanto Fabiano Negri será responsável pelas letras e melodias vocais, além de colaborar criativamente sempre que novas ideias surgirem durante o processo de composição. Segundo o guitarrista, a versatilidade do brasileiro teve impacto direto na construção das músicas. “Fabiano tem uma grande voz e é um vocalista extremamente versátil. Além disso, é muito criativo, compondo suas próprias melodias e letras. Quando lhe enviei a primeira música e ouvi o resultado, soube imediatamente que havia encontrado a combinação perfeita. Ele entrega interpretações cheias de emoção, escreve melodias e letras incríveis e acrescenta uma identidade única às composições. Já concluímos duas músicas e estamos trabalhando na terceira. Vai ser um álbum fantástico”, afirma Tracy G. O lançamento está previsto para o fim deste ano. Inicialmente, o disco será disponibilizado de forma independente, embora o guitarrista não descarte uma parceria com uma gravadora durante a produção. “Achei que era uma brincadeira” Para Fabiano Negri, o convite foi uma surpresa. “Foi totalmente de surpresa. Ele me mandou uma mensagem via Facebook, se apresentando, como se fosse necessário, já que sou fã dos álbuns que ele gravou com o Dio, e disse: ‘você pode ligar? Gostei do seu vocal e tenho algumas músicas que talvez você possa gravar’. Achei que era uma brincadeira. Mas não. Liguei para ele e, a partir daí, tudo fluiu como se nos conhecêssemos há décadas. O cara é brilhante. O som que ele tira da guitarra, combinado com a técnica explosiva e a capacidade de compor riffs brutais e belos ao mesmo tempo, me deixaram embasbacado e feliz ao mesmo tempo. Que baita surpresa na minha vida”, comenta o músico. Reconhecimento internacional O convite amplia o reconhecimento internacional conquistado por Fabiano Negri ao longo de uma carreira construída em diferentes projetos. O músico reúne uma discografia consistente como integrante das bandas Rei Lagarto, Dusty Old Fingers e Unsaved, além da carreira solo, sempre atuando como vocalista, compositor, multi-instrumentista e produtor. Seus três trabalhos mais recentes, ZebathY (2022), Mysteries The Night Hides (2023) e The Outlaw’s Journey (2025), receberam destaque na imprensa especializada brasileira e internacional. Agora, a parceria com Tracy G une dois nomes de diferentes gerações do heavy metal. De um lado, um guitarrista que ajudou a definir uma das fases mais marcantes da carreira de Ronnie James Dio. Do outro, um dos vocalistas brasileiros mais respeitados do gênero, que passa a integrar um projeto com potencial para ampliar ainda mais sua presença no cenário internacional.
Black Pantera anuncia álbum “Continental” e confirma lançamento para agosto
O Black Pantera confirmou o lançamento de seu quinto álbum de estúdio. Intitulado Continental, o novo trabalho chega às plataformas no dia 21 de agosto, pela Deck, marcando mais um capítulo na trajetória de ascensão do trio mineiro dentro do rock brasileiro. O primeiro single do disco, “Start The Game”, será lançado em 13 de julho, Dia Mundial do Rock, e dará início à divulgação do álbum, que promete ampliar a identidade musical construída pela banda ao longo dos últimos anos. O anúncio acontece após um primeiro semestre de 2026 repleto de conquistas. O Black Pantera foi confirmada pela terceira vez no Rock in Rio e também garantiu presença, pela segunda vez, no Primavera Sound. Além disso, abriu o show da Korn no Allianz Parque, lançou o primeiro projeto audiovisual da carreira e conquistou, pelo segundo ano consecutivo, o Prêmio da Música Brasileira na categoria Melhor Artista de Rock. Brasil como ponto de partida Segundo a banda, o título Continental traduz o conceito central do álbum. O trabalho parte de reflexões sobre o Brasil e utiliza o rock como base para explorar diferentes influências musicais, ampliando o alcance sonoro característico do grupo. As novas composições também refletem as experiências pessoais de Chaene da Gama, Charles Gama e Rodrigo ‘Pancho’, além de aprofundar temas ligados à ancestralidade, presentes na identidade artística do Black Pantera desde o início da carreira. Com Continental, a banda busca expandir tanto sua sonoridade quanto sua mensagem, mantendo o rock como essência enquanto explora novos caminhos criativos. O lançamento reforça o momento de consolidação vivido pelo trio, que segue ampliando seu espaço nos principais festivais e premiações da música brasileira.