“É muito orgânico, são cinco caras em uma sala com violões, guitarras e bateria acústica; eu não poderia estar mais feliz em voltar a isso”, resume o baterista Ed Lay em entrevista ao Blog n’ Roll. A frase traduz com precisão o espírito de Surface, Echo & Sound, oitavo álbum de estúdio do Editors, recém-lançado pela gravadora Play It Again Sam.
A mudança de rumo é evidente para quem acompanhou a densidade industrial de EBM (2022), trabalho concebido ao lado do produtor Benjamin John Power (Blanck Mass). Desta vez, o quinteto britânico deixou de lado os sintetizadores pesados para reencontrar o calor analógico e a essência crua dos instrumentos tocados juntos ao vivo.
A gênese desse retorno começou no verão de 2025, em um estúdio cercado de verde em Gloucestershire, no interior da Inglaterra. O objetivo era resgatar a dinâmica dos primeiros ensaios em Stafford: tocar olho no olho, sem filtros. A fagulha inicial veio de rascunhos acústicos levados pelo vocalista Tom Smith, que estendeu a pegada intimista de seu recente álbum solo, There is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light.
Com 11 faixas inéditas, o projeto tem como destaque o single Much Love, que ganhou um videoclipe gravado em estúdio durante uma passagem recente por Bogotá, na Colômbia. A produção visual ficou sob a batuta do guitarrista Justin Lockey, evidenciando o controle artístico total da banda em todas as frentes criativas desta nova fase.
Na conversa com a reportagem, Ed Lay abriu os bastidores desse reencontro rítmico, explicou como a cozinha ganhou respiro ao abandonar o excesso de camadas eletrônicas e detalhou a construção da pegada marcante de Much Love. O músico também refletiu sobre a maturidade do grupo após mais de duas décadas de estrada e comentou as expectativas de estender a turnê para o Brasil após a estreia sul-americana.
Confira a entrevista completa abaixo.
Depois da intensidade eletrônica de EBM, como foi para você voltar a gravar uma bateria mais crua e orgânica em Surface, Echo & Sound?
Para mim, como meu gosto pessoal na música é bem pesado e industrial, o EBM foi um trabalho brilhante de fazer parte. No entanto, como baterista, achei bastante desafiador, porque eu estava praticamente disputando espaço com camadas e camadas de sintetizadores, baterias eletrônicas e coisas do tipo. Então, pessoalmente, para um baterista que gosta de bater forte nas peças, foi um desafio.
Sair disso para um disco como este, que é muito orgânico e soa natural, cinco caras em uma sala com violões, guitarras e bateria acústica, parece parte do meu próprio processo de amadurecimento. Gostei demais dessa liberdade de apenas buscar uma pegada natural para as coisas. É muito prazeroso, e sinto que a tradução entre o disco e o palco funciona perfeitamente. Sinceramente, eu não poderia estar mais feliz em voltar a esse formato.
O ambiente tranquilo e ensolarado de Gloucestershire influenciou a escolha dos seus timbres de bateria, afinação e pegada geral?
Provavelmente não. Dito isso, nós passamos por todas as estações por lá. Quando chegamos, era pleno verão, sem uma nuvem no céu durante boa parte do tempo, e depois entramos naqueles dias de outono. Cotswolds, que é a região onde estávamos, é famosa por ser montanhosa, bonita e cheia de natureza. Foi ótimo poder sair, caminhar por esses lugares e absorver tudo isso. Eu gosto muito de natureza, tenho esse papel de parede de árvores atrás de mim e moro em um lugar cercado por árvores, cercas vivas e campos.
Tudo isso é incrível e muito legal, mas não reflete diretamente no que fazemos dentro do estúdio. O som natural ali era sobre ter uma bateria com som de sala grande (big-room drums). Queríamos algo que soasse encorpado, com pegada e que preenchesse tudo, vivendo plenamente no universo da bateria e resgatando aquele poder do rock clássico. E conseguimos fazer isso muito bem.
O Tom levou rascunhos acústicos bem despojados para a banda. Como você trabalhou na construção das levadas de bateria em cima de bases tão intimistas?
Para ser sincero, boa parte do ritmo começava na sala com violões, bandolins ou algo parecido. A condução rítmica do que estava acontecendo nas cordas ajudava muito, pois me dava a liberdade de não precisar preencher todo aquele espaço. Eu podia apenas me acomodar ao redor da base, brincar um pouco, tocar mais solto e ficar mais em segundo plano, garantindo o tempo forte (backbeat) e deixando os instrumentos de corda brilharem.
Foi ótimo não ter que ficar preenchendo tudo com levadas rápidas de chimbal. Em muitos dos nossos trabalhos anteriores, há tantas semicolcheias no chimbal, o que é legal porque traz propulsão e aquela sensibilidade pós-punk, mas este disco é simplesmente mais expansivo e relaxado.
O que mais se destaca para você no groove rítmico de Much Love dentro deste disco?
É uma faixa com muito groove, que se destaca e soa bem diferente das outras músicas do álbum exatamente por causa desse balanço. O Russell e eu temos muitos anos de experiência tocando juntos como cozinha. A gente se conhece muito bem e entra no bolso (in the pocket) de forma muito natural.
Essa foi, na verdade, a primeira música em que trabalhamos na sessão de composição, e o ritmo surgiu na hora. Muita gente comentou que a bateria soa gigante nela, e fiquei muito feliz com o resultado. Ela tem um som de caixa bem agressivo que corta a mixagem com facilidade, um pouco parecido com a lendária caixa do Lars Ulrich no St. Anger, o que até me faz rir um pouco. Mas ter uma levada realmente sólida nessa faixa era fundamental.
Da sua perspectiva, quais são as vantagens criativas de ter o próprio guitarrista, Justin Lockey, dirigindo os clipes da banda, como ele fez em Bogotá?
O Justin é extremamente talentoso. O entusiasmo dele por recursos visuais e a capacidade técnica que ele tem de unir som e imagem são inacreditáveis. É assim que ele trabalha melhor: quando tem vários projetos acontecendo ao mesmo tempo, pulando de um para o outro e conectando tudo.
Aqueles vídeos curtos que ele gravou conosco durante o verão nos festivais mostram um recorte real do nosso dia a dia, reunidos em pequenas vinhetas e montagens de bastidores, mas carregando fortemente a estética dele e a estética da banda. Ele rende muito mais quando tem essa autonomia: produzindo, filmando, criando linhas de guitarra e fazendo parte do núcleo da banda. Isso faz tudo funcionar em perfeita sintonia.
Olhando desde o The Back Room até hoje, o que define a identidade da sua bateria no Editors neste oitavo álbum?
Um pouco mais lenta, menos carregada e com menos semicolcheias. Sinto que estou dando mais espaço para a música respirar, sem preencher tudo com trabalho constante de chimbal ou bumbo reto em quatro por quatro, que eram muito evidentes no passado.
A própria forma do Tom compor sempre teve essa pulsação constante em quatro tempos. Desta vez, deixamos isso um pouco de lado para buscar algo mais abstrato e menos intenso. Sinto que soamos mais anos 1970 do que anos 1980.
Como vocês equilibraram a bateria acústica com as camadas e texturas eletrônicas nessas novas faixas?
Praticamente não há elementos eletrônicos neste novo álbum. Enquanto no EBM cada faixa nascia de uma bateria eletrônica e de camadas de programações, sintetizadores e diferentes partes percussivas, este foi muito direto: você cria a sua linha de bateria, grava um take e pronto. Depois, deixa os outros instrumentos entrarem e encontrarem seus próprios espaços. Não é algo superpensado nem exagerado, e acho que isso valorizou muito o resultado final.
O que o título Surface, Echo & Sound representa em relação à atmosfera sonora geral do trabalho?
O Russell, nosso baixista, queria muito que esse fosse o título do álbum. Essa frase aparece na letra da música Call It In, não no refrão, mas como a frase de impacto da faixa. É uma imagem muito forte. O que significa exatamente? Eu não sei ao certo.
De forma geral, são palavras bastante rítmicas. Superfície, eco, som… tudo remete a algo límpido, amplo e cria uma sensação de espaço. Era exatamente isso que queríamos transmitir. Não estávamos tentando amarrar isso de forma literal ao disco, mas acho que ajuda muito a ditar o clima.
O processo criativo e de composição entre vocês hoje é mais instintivo e imediato do que no início da carreira?
Não. No começo, no primeiro disco, aquilo sim era o ápice do instinto. A gente tinha pouquíssimo tempo na sala de ensaio. A gente já se conhecia bem, mas hoje são mais de 20 anos de convivência, acompanhando a vida um do outro e com cada um tendo seus projetos pessoais em paralelo. Então, na verdade, acho que fica até mais difícil ser puramente instintivo, porque a tendência é você pensar demais sobre tudo.
Neste trabalho, olhamos para a nossa discografia e pensamos: já exploramos tantas paletas sonoras diferentes, momentos dramáticos, faixas grandiosas e passagens intimistas… O que vamos fazer agora? E a resposta foi a simplicidade. Queríamos manter as coisas simples, abertas, com balanço, humanas e sem polir todas as imperfeições.
Não foi instintivo no sentido de chegar e disparar uma música pronta por dia, mas estávamos todos em uma sintonia excelente, com desprendimento para deixar as coisas fluírem mesmo quando não saíam estritamente perfeitas ou exatamente como havíamos planejado antes de entrar na sessão. Mais do que instintivo, eu diria que foi um processo mais prazeroso e relaxado.
Tendo sido criadas ao vivo em uma sala de ensaio, como essas músicas novas vão se encaixar nos shows ao lado dos clássicos mais pesados e eletrônicos?
Espero que não seja tão difícil, até porque fizemos isso ao longo de toda a nossa carreira: focamos em um álbum de cada vez e vamos inserindo as faixas que o público já conhece e ama. Este disco é muito mais orgânico e centrado na dinâmica de banda do que os anteriores, mas esse é um desafio nosso de resolver, e vamos encontrar uma forma de fazer tudo conversar bem no palco.
As faixas novas já são uma delícia de tocar ao vivo. Tocamos algumas em Bogotá e vamos apresentar mais algumas nas próximas semanas antes de começar a turnê propriamente dita. Elas soam exatamente como quando estávamos compondo juntos na sala. A transição para o palco está funcionando perfeitamente.
Existem planos concretos de trazer a turnê do novo álbum para o Brasil e a América do Sul?
Planos concretos ainda não, mas isso não quer dizer que não vá acontecer. Levamos mais de 20 anos para conseguir tocar na América do Sul, e finalmente quebramos essa barreira. O show em Bogotá foi pura alegria e nos sentimos extremamente acolhidos. Trabalhamos duro para que aquilo acontecesse, porque não foi uma logística simples, por várias razões.
Agora que já demos esse primeiro passo, esperamos que o público comece a falar de nós por aí e que esse carinho se espalhe para os outros países como uma reação em cadeia. Não há nada que a gente queira mais do que fazer shows por toda a América do Sul. Fiquem de olho, mas ainda não há nada definido porque está muito no começo.