Humberto Gessinger lança “Adeus Bem-Vinda” e revela coincidência em parceria com Duca Leindecker
Humberto Gessinger lançou “Adeus Bem-Vinda”, single composto em parceria com Dado Villa-Lobos, ex-guitarrista da Legião Urbana. A faixa chegou às plataformas digitais pela Deck e será seguida por “Calmo”, colaboração com Duca Leindecker, prevista para 27 de novembro. Apesar de terem sido escritas com cinco anos de diferença, as duas músicas compartilham uma mesma inspiração, descoberta pelo próprio compositor apenas recentemente. A história começou em 2019, quando Dado Villa-Lobos enviou uma composição instrumental a Gessinger e o convidou para escrever a letra. Naquela mesma noite, o músico criou “Adeus Bem-Vinda”, inspirado pela imagem de um casal de mãos dadas em uma sacada, observando os carros deixando Porto Alegre durante um feriado. Entretanto, a chegada da pandemia interrompeu os planos de lançamento, e a parceria permaneceu guardada. Cinco anos depois, em 2024, Gessinger recebeu um convite de Duca Leindecker, seu antigo parceiro no projeto Pouca Vogal. Dessa nova colaboração nasceu “Calmo”, cuja letra também foi construída a partir da mesma cena de Porto Alegre. A coincidência passou despercebida até 2025, quando Dado enviou a gravação de “Adeus Bem-Vinda” e convidou Humberto a participar de seu álbum. Ao revisitar a composição, o músico percebeu que havia utilizado a mesma imagem nas duas letras, embora em contextos diferentes. “Uma coisa bem porto alegrense, uma cidade onde as pessoas saem no feriado e a cidade fica calma, lenta, leve e pesada”, comentou Gessinger. Segundo o compositor, a velocidade com que escreveu “Adeus Bem-Vinda” pode explicar por que a lembrança voltou a aparecer anos depois. “Acho que por compor a letra tão rapidamente, quase em transe, saindo da cama de madrugada para mandar o e-mail, uma ilha de lucidez cercada por um mar de sono, ela acabou não fixando raízes profundas na minha memória”, explicou. O aspecto mais curioso, entretanto, foi perceber como uma mesma situação poderia resultar em duas composições distintas. “Mas o interessante foi que a mesma imagem funcionou bem em dois contextos quase opostos, como se fosse uma esquina ligando duas avenidas distintas, com um único ponto em comum”, destacou o músico. Com “Adeus Bem-Vinda” já disponível e “Calmo” programada para 27 de novembro, Humberto Gessinger apresenta duas parcerias com músicos importantes de sua trajetória, conectadas por uma coincidência criativa que atravessou cinco anos. Ambas as faixas são lançamentos da gravadora Deck.
The Mönic lança “Calafrio”, com produção de Léo Ramos, e aposta em sonoridade mais pesada
A banda paulista The Mönic lançou “Calafrio”, single que marca o início de uma nova fase após a saída da baixista Joan Bedin. Agora formada por Ale Labelle (guitarra e voz), Dani Buarque (guitarra e voz) e Daniely Simões (bateria), a banda apresenta uma sonoridade mais densa e sombria, explorando novas possibilidades dentro do rock alternativo. A música chega pela gravadora Deck, acompanhada de um videoclipe. O lançamento acontece um ano e meio depois de “Lobotomia” e três anos após o álbum Cuidado Você (2023). Escolhida para apresentar o novo repertório, “Calafrio” combina guitarras pesadas, mudanças de dinâmica e vocais que alternam melodias e gritos. Apesar da atmosfera mais obscura, a composição também aposta em uma pegada dançante, criando contrastes entre peso e ritmo. A letra aborda o excesso de informações e a velocidade das relações contemporâneas, questionando a superficialidade das experiências em um cotidiano marcado por estímulos constantes. Para a guitarrista e vocalista Ale Labelle, a música representa uma tentativa de recuperar a capacidade de sentir as coisas de maneira profunda. “Enquanto os versos falam sobre a velocidade acelerada das sensações, das relações, de tudo que, ligado no 220V, se transforma em um borrão, o refrão vem como uma afronta a isso, uma vontade de sentir profundamente, sem pressa. De sentir aquele calafrio, seja por algo bom ou até mesmo por algo ruim, desde que sinta de verdade e por inteiro”, explica Ale. A composição começou com uma ideia da vocalista, que apresentou a base de guitarra, a letra e a melodia. Dani Buarque contribuiu posteriormente com novos trechos, enquanto os arranjos foram desenvolvidos coletivamente durante os ensaios, ainda com a participação de Joan Bedin. O processo representou uma mudança na maneira como a banda trabalha suas composições. “Pela primeira vez, fizemos questão de participar coletivamente de todas essas etapas, desde as primeiras ideias até a construção dos arranjos. Dá para dizer que ‘Calafrio’ tem um pouco de cada uma de nós”, comenta a baterista Daniely Simões. Embora tenha participado da criação da música, Joan já havia anunciado sua saída quando as gravações começaram. Para assumir o baixo em estúdio, o grupo convidou Luisa Phoenix, da banda swave, que desenvolveu suas próprias linhas para a composição. A produção, mixagem e masterização ficaram a cargo de Leo Ramos, vocalista e guitarrista da Supercombo. O single também ganhou um videoclipe gravado durante uma única diária de 12 horas no Estúdio Eu Amo Live, na Barra Funda, em São Paulo. A direção é assinada por Dani Buarque e Lucas Shtorache, enquanto a arte da capa ficou sob responsabilidade de Daniely Simões. Com “Calafrio”, a The Mönic inaugura uma etapa de experimentação musical e apresenta os primeiros sinais de um repertório mais pesado, que deve orientar os próximos lançamentos do trio. A faixa já está disponível nas plataformas digitais.
Aquiles Priester homenageia rock nacional dos anos 1980 e estreia como vocalista em medley
O baterista Aquiles Priester, conhecido por seus trabalhos com Angra, Hangar e W.A.S.P., presta uma homenagem ao rock brasileiro dos anos 1980 em A Tribute to Brazilian Rock of the ’80s, novo medley produzido para o canal TVMaldita. O projeto reúne 13 clássicos da década e conta com participações de Mariana Tozzo, Mafra, Juninho Carelli, Weldner Marinho e Douglas Máximo. A produção apresenta uma novidade na trajetória do músico dentro das colaborações do canal. Pela primeira vez, Aquiles assume os vocais principais em algumas músicas, além de ocupar seu posto habitual na bateria. A iniciativa resgata composições que marcaram sua formação musical e ajudaram a despertar seu interesse pelo rock. O repertório reúne artistas de diferentes vertentes da cena brasileira dos anos 1980, incluindo Neusinha Brizola, Metrô, Ritchie, Herva Doce, Uns e Outros e Pepeu Gomes. Entre as músicas escolhidas estão “Mintchura”, “Beat Acelerado”, “Pelo Interfone”, “Doce Mistério” e “Carta aos Missionários”. O medley começa com “Carol”, de Luciano Bahia, e termina com “Pedra Não É Gente Ainda”, de Pepeu Gomes. Ao longo da apresentação, os músicos revisitam canções que ajudaram a construir a identidade do rock nacional durante uma década marcada pela popularização do gênero nas rádios e na televisão. A homenagem também evidencia a diversidade musical daquele período, passando pelo pop rock, new wave e sonoridades mais próximas do rock tradicional. A seleção reúne tanto sucessos populares quanto composições de artistas que tiveram papel importante na consolidação da cena brasileira. Com a participação de diferentes músicos e a estreia de Aquiles Priester nos vocais principais, A Tribute to Brazilian Rock of the ’80s amplia a proposta das colaborações da TVMaldita e apresenta uma faceta menos conhecida do baterista, desta vez revisitando as músicas que influenciaram sua trajetória.
Sugar Kane e Zander trocam músicas em single duplo que antecipa EP conjunto
As bandas Sugar Kane e Zander lançaram nesta sexta-feira (6) um single duplo que antecipa o split Sugar Kane vs Zander, previsto para 27 de novembro pela Deck, em parceria com o selo Algohits. No projeto, cada grupo apresenta uma releitura de uma música do outro: o Zander regravou “Medo”, clássico da Sugar Kane, enquanto a banda curitibana reinterpretou “Auto Falantes”, do Zander. As duas faixas já estão disponíveis nas plataformas digitais. A parceria celebra uma amizade de quase 30 anos entre os músicos e marca o primeiro registro conjunto das duas bandas, que atualmente também dividem uma turnê pelo Brasil. Mais do que reproduzir as composições originais, os grupos tiveram liberdade para reconstruir os arranjos de acordo com suas próprias identidades musicais, aproximando diferentes gerações do hardcore e do rock alternativo nacional. Formada em Curitiba, em 1997, a Sugar Kane construiu uma trajetória de destaque no hardcore brasileiro, com nove álbuns de estúdio e mais de duas décadas de atuação independente. Em 2024, a banda lançou Antes que o Amor Vá Embora, seu primeiro trabalho pela Deck. Já o Zander, criado no Rio de Janeiro em 2008 e atualmente sediado em São Paulo, combina influências de emo, punk, hardcore e indie rock. Ao longo de 18 anos, o grupo lançou oito discos e dividiu o palco com nomes internacionais como Green Day, Pennywise, Millencolin, Samiam e Face to Face. A escolha das músicas resgata momentos importantes das duas discografias. “Medo” foi lançada originalmente pela Sugar Kane no álbum Por Nossa Paz (2001) e se tornou uma das composições mais conhecidas da banda. Já “Auto Falantes” integra Brasa (2010), disco de estreia do Zander e um dos trabalhos que ajudaram a estabelecer a identidade musical do grupo. Para Capilé, vocalista e guitarrista da Sugar Kane, o resultado representa a conexão construída ao longo dos anos. “Ficou muito legal, muito poderoso ouvir tudo pronto. Chega a arrepiar! O vinil é o símbolo dessa união”, afirmou o músico. O single duplo é a primeira parte de um EP com quatro faixas, que contará com duas músicas escolhidas por cada banda. O lançamento completo está marcado para 27 de novembro e também terá edição em vinil, simbolizando a parceria entre os grupos e inaugurando a colaboração entre a gravadora Deck e o selo Algohits. Enquanto preparam o lançamento do disco, Sugar Kane e Zander seguem em turnê conjunta pelo Brasil, com abertura da banda Jonabug. As releituras do split também devem passar a integrar os repertórios das apresentações, levando aos palcos o encontro registrado em estúdio.
Bangers Open Air 2027 anuncia line-up completo com King Diamond, Edguy e Children of Bodom
O Bangers Open Air 2027 divulgou nesta quinta-feira (5) o line-up completo de sua próxima edição, marcada para os dias 24 e 25 de abril, no Memorial da América Latina, em São Paulo. Com mais de 40 atrações distribuídas em dois dias, o festival terá King Diamond, Edguy, Amon Amarth, Children of Bodom, HammerFall e Emperor entre seus principais nomes. Os ingressos estão disponíveis pelo Clube do Ingresso. O sábado (24) será liderado por Edguy, Children of Bodom e HammerFall, que apresentará o espetáculo especial Glory to the Brave & Hymns. A programação também inclui Lacuna Coil, KK’s Priest, Quiet Riot, Floor Jansen, Beast in Black, Pain of Salvation e Soen, reunindo diferentes vertentes do heavy metal, do hard rock e do metal progressivo. Outro destaque do primeiro dia será John Bush, que apresentará um repertório dedicado à sua passagem pelo Anthrax entre 1993 e 2003. O vocalista gravou quatro álbuns de estúdio com o grupo norte-americano durante esse período. A programação ainda contará com The Ocean, W.E.T., Twilight Force, The Other e representantes do cenário brasileiro, como Mindflow, Allen Key e Paradise Inc. No domingo (25), King Diamond, Amon Amarth e Emperor assumem o protagonismo. A programação reúne ainda Imminence, Kanonenfieber, Soilwork, Eluveitie, Metal Church e Blaze Bayley, que levará ao festival uma apresentação comemorativa de sua trajetória no Iron Maiden. Edu Falaschi, Enforcer, Angelus Apatrida, Claustrofobia e Tuatha de Danann também estão entre os confirmados. A edição de 2027 reforça a proposta do Bangers Open Air de reunir diferentes gerações e estilos da música pesada. O festival contará com quatro palcos, além de áreas de convivência, opções de lounge com open bar e open food e espaço destinado ao público infantil. A organização também confirmou uma pré-festa oficial para o dia 23 de abril, no próprio Memorial da América Latina. Os ingressos para o Bangers Open Air 2027 estão à venda pelo site Clube do Ingresso, com possibilidade de parcelamento em até seis vezes sem juros. Confira o Line-Up
Entrevista | Ocean Alley – “O Brasil também tem uma relação muito forte com o litoral e o surf “
Pouco mais de um ano após esgotar a Audio com uma estreia eletrizante em São Paulo, o Ocean Alley está de volta ao Brasil para uma turnê ainda mais abrangente. Consolidado como um dos maiores fenômenos do rock psicodélico e costeiro da Austrália, somando mais de 1,5 bilhão de streams, o sexteto desembarca no país nesta semana com apresentações no Rio de Janeiro (05/11, no Circo Voador), Porto Alegre (07/11, no Bar Opinião) e São Paulo (08/11, retornando à Audio). A nova passagem celebra o sucesso de Love Balloon, quinto disco de estúdio da Ocean Alley. Gravado sob a produção do lendário Nick DiDia (Bruce Springsteen, Rage Against The Machine) e lançado de forma 100% independente pelo selo próprio do grupo, o Community Music, o álbum levou o grupo ao topo das paradas australianas e impulsionou a maior turnê de sua carreira até aqui. O trabalho transita com naturalidade entre o funk suingado à la Nile Rodgers, o blues rasgado e o clima ensolarado e nostálgico das guitarras slide, atmosfera traduzida com perfeição no single Drenched. Direto de Buenos Aires, na concentração para o início da perna sul-americana da turnê, o guitarrista Mitch Galbraith conversou com o Blog n’ Roll sobre a conexão imediata com o público brasileiro, os bastidores da produção com Nick DiDia, a autonomia artística do grupo e a expectativa para os shows desta semana. Confira o bate-papo na íntegra a seguir: Vocês esgotaram a Audio em São Paulo no ano passado e agora voltam tocando no Rio, em Porto Alegre e em São Paulo. O que mais marcou naquele primeiro show do Ocean Alley no Brasil para trazê-los de volta tão rápido? Fizemos um grande show aquela noite. A casa estava super cheia, e o local lá é muito legal. E, claro, o público brasileiro foi barulhento e estava se divertindo muito. Então, quer dizer, por que não voltaríamos tão rápido? Estamos muito animados para tocar aí de novo. Sim, é verdade. E Mitch, como foi trabalhar com o lendário produtor Nick DiDia em Love Balloon, e de que forma ele incentivou a Ocean Alley a buscar um som mais cru e espontâneo? Foi muito bom trabalhar com o Nick. Essa foi a primeira vez que trabalhamos com um produtor diferente, então foi um pouco estressante no começo, especialmente porque sabíamos que o currículo dele era enorme. Mas foi bem divertido. Ele era super tranquilo e não ficava tentando nos dizer o que fazer. Ele apenas oferecia as opiniões dele como um membro da equipe. O conhecimento e o ritmo de trabalho dele foram realmente impressionantes, e isso com certeza nos deu tempo para continuar lapidando as ideias que tínhamos, até mesmo na hora de gravar dentro do estúdio. Então, foi muito legal. O Lach descreveu o tema do disco como um “rio do amor”, cobrindo da alegria à desilusão. Como os marcos pessoais recentes de vocês moldaram as composições desta vez? Antes de começarmos a compor esse disco, a vida de todos nós estava mudando de certa forma. Vários de nós estavam começando famílias, mudando de casa e se estabelecendo em regiões diferentes de onde crescemos originalmente, em Sydney. Então acho que todos nós aproveitamos essas experiências e tentamos refletir nossos estados de espírito e sentimentos atuais na música. Foi um processo de composição muito colaborativo, com contribuições de todo mundo. Naturalmente, é isso que os artistas fazem: eles tendem a refletir seus humores e sentimentos do momento na sua arte. Love Balloon vai do funk à la Nile Rodgers na faixa-título ao blues em Left Of The Dealer e slide country em Drenched. Vocês planejaram explorar tantos gêneros ou isso fluiu organicamente nas jams? Nós sempre tivemos uma vontade de explorar gêneros diferentes, mas acho que ainda não tínhamos colocado isso em um disco. Então, quando as músicas começaram a sair dessa forma, nós abraçamos o fato de que algumas delas se encaixavam em certos estilos e fomos nessa direção. Foi algo libertador podermos finalmente fazer isso, porque ao longo de todos esses anos juntos, nos aquecimentos, ensaios e jams, a gente sempre experimentava vários estilos por diversão. Poder registrar isso em um álbum foi algo que nos deixou muito amarradões. Por que escolher Drenched tanto como a faixa de encerramento do álbum quanto como o single principal de divulgação? Drenched foi a última faixa que escrevemos. Faltavam poucos dias de estúdio, quando praticamente já tínhamos terminado de gravar o disco inteiro. Aí decidimos compor Drenched. O Baden teve uma ideia para alguns acordes e a música tomou forma muito rápido, acho que levou só um ou dois dias para criar a canção inteira. Decidimos que seria um ótimo encerramento porque ela tem uma pegada meio nostálgica, e o Baden tocou violão de 12 cordas nela. Sentimos que deu um arremate bonito para o disco, bem suave. É uma faixa com muito significado para a gente, porque fala da nossa nostalgia de quando crescemos juntos como crianças e coisas do tipo. Achamos que fechou o álbum muito bem. A minha próxima pergunta era justamente sobre essa nostalgia. O quanto o clipe reflete a própria juventude de vocês crescendo nas praias do norte de Sydney? É bem parecido com o que fazíamos, essa era a proposta do vídeo. O diretor com quem trabalhamos viajou até Sydney, voltou para a área onde crescemos, para pesquisar um pouco, conversar com as pessoas, visitar locais onde costumávamos ficar à toa e captar algumas imagens. Não sei se muito desse material entrou na edição final, mas o Duncan mandou muito bem nisso. Foi um direcionamento simples: ele perguntou o que a gente fazia quando era garoto, e nós respondíamos que era basicamente surfar, andar de skate e ficar de bobeira fazendo besteira. Foi um roteiro bem fácil para ele e retrata com muita fidelidade como crescemos juntos e como nos conhecemos antes da banda existir. Mitch, depois de arrastar mais de 80 mil fãs em arenas na Austrália e Nova Zelândia, o que mais anima a Ocean Alley
Scatolove celebra dez anos de união e flerta com o peso do metalcore no álbum “Estanho”
Abandonando a leveza tradicional para abraçar afinações baixas, bumbos duplos e temas existenciais densos sem perder o apelo melódico pop, o duo paulista Scatolove disponibilizou nas principais plataformas digitais o seu segundo álbum de estúdio, Estanho. O disco sai com o selo da gravadora Deck e marca a comemoração de uma década de atividades musicais da banda e de relacionamento afetivo do casal. Formado por Léo Ramos (vocalista, guitarrista e líder da Supercombo) e Isa Salles (cantora e compositora à frente do projeto Teima), o duo faz do título uma alusão direta às bodas de estanho, simbolizando os dez anos de parceria de vida e de estrada. O trabalho encerra a espera dos fãs desde o elogiado disco de estreia, Lei de Muffin (2018). Embora a dupla tivesse prometido a sequência do EP Cavalice no País das Maravilhas – Episódio 1, o fluxo de composições tomou outro rumo nos últimos anos, transformando-se organicamente em um repertório completo de inéditas. Guitarras de sete cordas, pedal duplo e catarse emocional Se nos primeiros anos a identidade da Scatolove transitava pelo indie pop e pop rock solar com toques cômicos, Estanho representa uma guinada rítmica drástica. A cozinha e as cordas incorporaram elementos expressivos do som pesado contemporâneo: vocais rasgados, linhas técnicas de guitarra de sete cordas e a agressividade do pedal duplo. Isa Salles comenta com bom humor a invasão de influências extremas: “Nesse álbum a gente deixou o nosso lado mais metalcore aflorar. Mesmo a gente se intitulando um duo de pop rock, dessa vez as coisas ‘saíram de controle’ e tá bem mais pesado, com temas bem densos.”
Lourenço Rebetez une jazz contemporâneo, percussão e vanguarda eletrônica em “Língua Geral”
Lourenço Rebetez disponibilizou nas plataformas de streaming o seu segundo álbum de estúdio, Língua Geral. O lançamento consagra uma ponte internacional inédita entre três selos de referência em música instrumental e de vanguarda: Risco (Brasil), Jazzybelle Records (França) e Think! Records (Japão). Mais do que um mero cruzamento estilístico, o projeto propõe uma profunda investigação sobre o tempo, a polirritmia e a espiritualidade da matriz afro-latina. Ao longo de sete composições autorais, Rebetez desafia a linearidade convencional com batidas elásticas, compassos ímpares e arranjos orquestrais inusitados, fazendo com que passado, presente e futuro coexistam em uma mesma frequência sonora. A bênção de Letieres Leite e a formação estética A matriz conceitual de Língua Geral bebe diretamente dos ensinamentos absorvidos por Rebetez durante seus anos de convivência com o maestro Letieres Leite (1959–2021), criador da seminal Orkestra Rumpilezz. O tributo ao mestre abre o repertório na faixa Maestro, resgatando a chave mestra de sua obra: compreender os desenhos rítmicos tradicionais, como o toque do ijexá e as claves sagradas, não como folclore estático, mas como a estrutura viva que rege harmonias e improvisações de vanguarda. A bagagem do músico começou a ser lapidada na prestigiada Berklee College of Music no fim dos anos 2000, combinando a sofisticação harmônica de Wayne Shorter e a revolução rítmica proposta por Moacir Santos à crueza urbana do hip hop noventista (J Dilla) e às produções atemporais de Roy Hargrove e D’Angelo. Encontros transatlânticos: do Bogum a Nova York e Tóquio Para dar corpo a essa arquitetura sonora, Lourenço Rebetez uniu forças ao produtor pernambucano-americano Arto Lindsay (ícone da vanguarda nova-iorquina e da Tropicália tardia). Juntos, recrutaram instrumentistas de diferentes “DNAs rítmicos” para cruzar linguagens em estúdio:
Fatigati lança EP de estreia “A Seguir” com raízes no hardcore melódico
A banda Fatigati disponibilizou nesta quarta-feira (4) o seu primeiro EP de estúdio, intitulado A Seguir. O lançamento sai sob a chancela do selo independente TapeBox e condensa o espírito faça-você-mesmo capitaneado pelo vocalista, guitarrista e idealizador do projeto, Michel Angelo. Acompanhando o lançamento do compacto de cinco faixas, o grupo apresentou o videoclipe de Não Quero Mais Me Enganar no YouTube, composição direta e confessional que aborda a exaustão de tentar se moldar a padrões alheios. O EP completo já pode ser conferido em todas as plataformas de streaming através do link distrokid.com/hyperfollow/fatigati/a-seguir. Autoprodução, reflexão crua e feat com Henrike Baliú Produzido de forma totalmente independente pelo próprio Michel Angelo, A Seguir compila canções escritas em diferentes fases que se alinharam para contar uma história coerente de superação e autocrítica: “É um disco sobre despertar e confrontar. As cinco músicas surgiram em momentos diferentes, mas acabaram costurando um relato bastante honesto sobre minhas transformações internas e as consequências de olhar para a própria realidade sem anestesia”, define Michel, apontando que o repertório se debruça sobre a desconstrução de dogmas e comportamentos repetidos ao longo dos anos. O terreno para o EP começou a ser pavimentado em outubro com o single homônimo A Seguir, faixa que contou com a participação especial de Henrike Baliú, voz emblemática do punk e do streetpunk nacional à frente do Blind Pigs e da Armada. Já em Não Quero Mais Me Enganar, a banda equilibra velocidade melódica e desabafo lírico: “A música tem bastante raiva, frustração e desencanto com as relações sociais, mas também uma contradição que acho importante: ao mesmo tempo que existe uma vontade enorme de se afastar de tudo e de todos, existe afeto, cuidado e uma necessidade de preservar aquilo que ainda faz sentido”, pontua o vocalista. Nova formação e o retorno à estrada Projetado para ganhar vida nos palcos do circuito independente, o Fatigati agora se estrutura como quarteto completo: Com os novos integrantes a postos, a meta agora é fazer o som ecoar ao vivo: “Espero que o lançamento ajude a levar a Fatigati para mais lugares. Agora temos uma nova formação para tocar ao vivo e quero que essas músicas saiam das gravações, circulem pela cena independente e ganhem novas interpretações na relação com o público”, conclui Michel.