Rolling Stones anunciam o álbum “Foreign Tongues” e liberam o single “In The Stars”
Eles não param, e a gente agradece. Menos de três anos após o aclamado Hackney Diamonds, os The Rolling Stones provaram que o motor do rock ‘n’ roll continua em alta rotação. A banda anunciou oficialmente nesta terça-feira o lançamento de seu novo álbum de estúdio, intitulado Foreign Tongues, com data de estreia marcada para o dia 10 de julho via Capitol Records. Para acompanhar o anúncio, Mick Jagger, Keith Richards e Ronnie Wood liberaram o primeiro single oficial, In The Stars. A faixa traz de volta a energia vibrante e as guitarras entrelaçadas que são a marca registrada do grupo, agora sob a batida moderna da produção de Andrew Watt, o produtor “queridinho” dos veteranos que também assinou o disco anterior. Intensidade em Londres O álbum foi gravado em um período curto e explosivo no Metropolis Studios, em Londres. Segundo Mick Jagger, a banda registrou 14 faixas em poucas semanas. “Eu amo gravar na Metropolis. A sala não é muito grande, então você consegue sentir a paixão de todo mundo ali dentro”, revelou o frontman. Keith Richards destacou que o novo trabalho é uma continuidade natural da energia recuperada em 2023. “Foi um mês de soco concentrado. Para mim, é tudo sobre diversão. Sou abençoado por poder fazer isso e espero que dure por muito tempo”, celebrou o guitarrista. Já Ronnie Wood ressaltou o entrosamento do time: “Muitas vezes matamos a música no primeiro take”. Arte e mistério de Foreign Tongues A capa do disco leva a assinatura do artista Nathaniel Mary Quinn. Vale lembrar que, antes do anúncio oficial, os Stones já vinham pregando peças nos fãs: no último Record Store Day, lançaram a faixa Rough And Twisted sob o pseudônimo The Cockroaches, aguçando a curiosidade dos colecionadores.
The Varukers e Asfixia Social iniciam turnê conjunta pelo Brasil nesta semana
A lendária banda britânica The Varukers, um dos pilares do punk rock global desde 1979, inicia mais uma turnê no Brasil nesta semana. A grande novidade é que o quarteto liderado pelo icônico Anthony “Rat” Martin terá como companhia constante em dez apresentações a banda paulista Asfixia Social. Mais do que uma sequência de shows, este encontro celebra uma afinidade ideológica profunda. Enquanto o Varukers carrega o estandarte do D-beat e da resistência anarcopunk, o Asfixia Social traz o sotaque das periferias de São Paulo, fundindo rap, punk, ska e hardcore em uma batida implacável de denúncia e transformação. A conexão entre as bandas se consolidou em 2024, quando o Asfixia Social abriu os shows dos britânicos por aqui. O convite foi retribuído com apresentações memoráveis na Inglaterra, incluindo um show histórico em Nottingham, cidade natal do Varukers. Agora, essa rede internacional de resistência cultural volta a ocupar os palcos brasileiros, com destaque para a estreia no tradicional festival Goiânia Noise. Lançamento do Varukers A turnê será o palco perfeito para o lançamento de Mess Bigger, o novo álbum do Asfixia Social. O disco promete ser um manifesto da sonoridade híbrida da banda, que une a urgência do asfalto à cadência dos ritmos periféricos. Singles como Walls Won’t Make You Safe e Revolutionary Rapport já estão nas redes, este último trazendo um registro visual da turnê europeia de 2025. “A gente faz um som pra unir todas as vertentes da cultura de rua e reverenciar sua raiz de luta”, explica o vocalista e trompetista Kaneda Mukhtar. Turnê
Tiago Iorc celebra 10 anos de “Troco Likes” com turnê nacional e álbum repleto de estrelas
Existem discos que marcam épocas e existem discos que mudam vidas. Para Tiago Iorc, o álbum Troco Likes (2015) cumpriu as duas funções. Dez anos após o lançamento que o apresentou definitivamente ao Brasil em português e lhe rendeu um Latin Grammy, o artista anuncia a turnê comemorativa Troco Likes – 10 Anos, que percorrerá dez cidades brasileiras a partir de agosto de 2026. A celebração não fica restrita aos palcos. Tiago acaba de lançar uma versão especial do álbum com dez colaborações artísticas impressionantes. O projeto revisita hinos como Amei Te Ver e Coisa Linda ao lado de ícones como Ney Matogrosso e Iza, além de nomes da nova geração como Marina Sena, Jota.pê, Vitor Kley e até uma incursão lúdica com o Mundo Bita. Fenômeno “Troco Likes” Lançado originalmente em 2015, o álbum foi o primeiro de Tiago inteiramente em português, vendendo mais de 90 mil cópias físicas e acumulando quase 500 milhões de streams. A turnê de 2026, realizada pela Live Nation, promete reinterpretar esses sucessos com uma nova roupagem, unindo a nostalgia do violão acústico à maturidade de um artista que hoje soma cinco Grammys Latinos na estante. Turnê 2026 de Tiago Iorc Ingressos e benefícios A pré-venda é exclusiva para clientes com Cartões Elo e acontece nos dias 6 e 7 de maio, com 20% de desconto e parcelamento em até 5x sem juros. Para o público geral, as vendas abrem no dia 8 de maio através do site da Ticketmaster e nas bilheterias oficiais. * Serviço: Tiago Iorc – Troco Likes 10 Anos
Hayley Williams esgota primeiro show em SP e anuncia data extra
Se havia alguma dúvida sobre o poder de Hayley Williams no Brasil, os últimos minutos de vendas acabaram com ela. A vocalista do lendário Paramore, agora em sua fase solo mais aclamada, traz ao país a turnê The Hayley Williams Show. Em uma realização da 30e, a apresentação do dia 12 de novembro no Espaço Unimed esgotou instantaneamente, o que levou a artista a anunciar uma data extra no dia 13 de novembro. A turnê celebra o estrondoso sucesso de seu terceiro álbum solo, Ego Death At A Bachelorette Party (2025). Lançado de forma independente pelo selo da própria artista, o disco recebeu quatro indicações ao Grammy no último ano e é considerado pela crítica um dos trabalhos mais viscerais e maduros da música alternativa recente. O que esperar de “The Hayley Williams Show”? Diferente das pernas anteriores da tour que focavam apenas no disco novo, a nova fase intitulada The Hayley Williams Show promete ser uma antologia de sua carreira solo. O repertório deve reunir faixas dos álbuns Petals for Armor, FLOWERS for VASES / descansos e, claro, as 20 faixas do novo Ego Death, além de surpresas que podem incluir releituras de seus clássicos. Ícone que define gerações Recentemente eleita pela Billboard como a 13ª maior voz do rock de todos os tempos, Hayley Williams é hoje a maior referência para uma nova safra de estrelas, servindo de inspiração direta para nomes como Billie Eilish, Olivia Rodrigo e Chappell Roan. Sua versatilidade é provada pelas colaborações recentes que vão de Taylor Swift a Turnstile, mostrando que Hayley não apenas pertence ao rock, mas reina sobre ele. Serviço: The Hayley Williams Show em São Paulo
Paulo Miklos anuncia álbum de releituras e divulga single “O Sal da Terra”
Paulo Miklos nunca teve medo de se reinventar. Seja no palco com os Titãs, no cinema ou em sua carreira solo, o artista sempre buscou novas formas de narrar a experiência humana. Agora, ele eleva essa busca a um novo patamar com o projeto Coisas da Vida. Mais do que um álbum de músicas, o trabalho é uma obra audiovisual completa, onde cada faixa é acompanhada por um clipe que compõe um universo surrealista e onírico. O ponto de partida é o single e clipe O Sal da Terra (clássico de Beto Guedes e Ronaldo Bastos). A escolha não é aleatória: a obra funciona como um manifesto íntimo, um chamado às próximas gerações para uma consciência ecológica e existencial. Estética vintage futurista de Miklos Com direção criativa de Carol Barragana e direção de Jorge Daux, o visual de “Coisas da Vida” aposta em um conceito que a banda chama de “vintage futurista”. Imagine as texturas, tecidos e cores vibrantes dos anos 70 misturados a acessórios surrealistas e uma montagem contemporânea. O clipe de O Sal da Terra utiliza imagens de arquivo para diluir a noção de tempo, sugerindo que a memória do mundo é um fluxo constante. “A natureza surge como força contínua, anterior e maior que o homem”, explica o diretor Jorge Daux. O contraste entre a serenidade natural e a engrenagem frenética das ruas cria a tensão perfeita que a voz de Miklos preenche com maestria. Repertório de clássicos reimaginados Além de Beto Guedes, o álbum trará releituras de ícones como Sérgio Sampaio (Ninguém Vive Por Mim), Criolo (Não Existe Amor em SP) e Paulo Diniz (Quero Voltar pra Bahia). Cada vídeo será costurado por sketches e textos que orbitam temas como solidão, afeto e a passagem do tempo.
Melton Sello lança single “Para com Essa Parada”
Se você já se pegou encostado na janela do ônibus, quase pegando no sono, e foi invadido por um pensamento aleatório, seja uma ideia brilhante ou uma lembrança incômoda, você vai se identificar com o novo single da Melton Sello. O quarteto carioca lançou Para com Essa Parada, a primeira faixa do álbum de estreia que chega em julho pela gravadora Deck. A banda, formada por Caio Paranaguá (voz), Bill Dias (bateria), Gabriel Barros (baixo) e Igor d’Alambert (guitarra), já havia chamado a atenção da cena independente com o EP Só Sei Que Foi Assim (2023). O nome do grupo, inclusive, é uma divertida homenagem ao ator Selton Mello, reforçando a identidade brasileira e autêntica do projeto. Inspiração Diferente das letras de protesto ou de amores perdidos comuns ao gênero, Para com Essa Parada nasceu de um gatilho mental involuntário. “Sabe aquele pensamento que invade do nada? Você tá quase dormindo, encostado na janela do ônibus, fecha os olhos e PÁ!”, conta o vocalista Caio Paranaguá. A música deixa em aberto qual é esse pensamento, permitindo que cada f ouvinte projete suas próprias “neuras” ou obsessões. Musicalmente, a faixa mantém o pé no pop punk suave, estilo que a banda vem lapidando com elementos de reggae e até pitadas de country. É uma sonoridade solar, mas que não foge da introspecção característica das bandas que cresceram ouvindo o punk melódico dos anos 2000. Caminho para o primeiro álbum do Melton Sello Para o vocalista, Para com Essa Parada é a ponte perfeita entre o som do primeiro EP e o que o público pode esperar do disco cheio. Embora o álbum prometa uma mistura maior de influências, este single carrega a identidade central da banda: refrões que grudam e uma energia que convida ao “sing-along”.
Kneecap atinge o ápice com o visceral “Fenian”
O motor implacável do trio de Belfast, na Irlanda do Norte, Kneecap ganhou um novo e potente combustível. O grupo lançou seu segundo álbum de estúdio, Fenian (via Heavenly Recordings), consolidando-se não apenas como os provocadores que incendiaram o Glastonbury e o Coachella, mas como artistas operando no auge de sua técnica e sensibilidade. Produzido pelo mestre Dan Carey, o disco equilibra a inteligência mordaz e a energia caótica com uma visão artística mais sombria e confiante. Se nos últimos 12 meses o trio esteve no centro de furacões políticos por defender a liberdade palestina e lotar arenas em Dublin, Fenian prova que eles têm muito mais a dizer sobre a condição humana. “Irish Goodbye” O coração emocional do álbum bate mais forte na faixa Irish Goodbye. Acompanhada por um curta-metragem de 12 minutos dirigido por Thomas James, a música é um relato profundamente pessoal de Móglaí Bap sobre sua falecida mãe, que tirou a própria vida após lutar contra a depressão. A faixa conta com a participação de Kae Tempest, cuja entrega vulnerável adiciona uma camada de urgência poética ao tema. O vídeo não é um grito de raiva, mas um gesto de compaixão. “Não é um problema, eu só quero dizer que senti sua falta”, diz uma das frases centrais, resumindo a saudade das coisas mundanas: as caminhadas no parque e os conselhos do dia a dia. Importância da cura e da terapia em Fenian Em um relato corajoso, Móglaí Bap discute a complexidade do suicídio e a necessidade de quebrar o estigma da vergonha e da culpa. “O suicídio é difícil. Quando alguém morre assim, é difícil lembrar dos bons momentos. Você fica preso nos tempos sombrios”, desabafa o rapper. Para ele, o processo de escrita e a terapia foram fundamentais para “desbloquear” memórias felizes de sua mãe. O Kneecap usa sua plataforma para enviar uma mensagem clara às novas gerações: peça ajuda. “Muitos da geração de nossos pais não acreditam em terapia. Mas nós somos diferentes. Podemos pedir ajuda, devemos pedir ajuda”.
Goiânia Noise 2026 revela horários e line-up histórico
O Goiânia Noise Festival, um dos eventos mais tradicionais e resilientes da cena independente brasileira, chega à sua edição de 2026 com uma curadoria que é pura diversidade. Entre os dias 7 e 10 de maio, a capital goiana se torna o epicentro de todas as tribos musicais. O cardápio deste ano é vasto: da “sofrência pop” de Duda Beat à anarquia britânica do The Varukers; da psicodelia tropicalista de Tom Zé ao flow quente de FBC. O festival mantém sua tradição de misturar o novo metal, o hardcore clássico e a nova MPB em um único território. Confira abaixo a programação completa com horários: Quinta-feira, 07/05 Sexta-feira, 08/05 Sábado, 09/05 Domingo, 10/05 🎫 Serviço: Goiânia Noise Festival 2026
Tori Amos e a mitologia da tesistência em “In Times of Dragons”
Com mais de 35 anos de estrada e uma legião de fãs que a veneram como uma entidade do piano rock, Tori Amos acaba de entregar seu capítulo mais ambicioso. In Times of Dragons não é apenas um álbum, é uma narrativa alegórica que atravessa o coração dos Estados Unidos, transformando a crise política e pessoal em uma fábula de dragões e deuses. O álbum acompanha a fuga de uma mulher de um relacionamento opressor, uma metáfora que se expande para o embate entre a democracia e o que Tori chama de “Demônios Lagarto”, figuras que distorcem o conceito de liberdade para instaurar a tirania. Road trip espiritual de Tori Amos Ao longo das faixas, a protagonista percorre as estradas americanas encontrando aliados improváveis: de clãs de bruxas a gangues de motociclistas. A jornada culmina nos sagrados 23 Peaks, em Montana, onde, sob a proteção do deus celta Lugh, ela descobre que sua transformação não a tornou um monstro, mas sim uma poderosa meio-dragão capaz de enfrentar seus perseguidores. Temas de sangue e identidade Tori Amos mergulha fundo em temas que sempre orbitaram sua obra: a maternidade, a perda de identidade e o sagrado feminino. A sonoridade do disco reflete essa urgência, variando entre baladas etéreas de piano e arranjos mais rústicos e intensos, que emulam a força da natureza e o rugido das feras mitológicas que dão título ao trabalho.