Sam Fender grava versão emocionante de clássico dos Rolling Stones com coro escolar
Unindo o cancioneiro lendário dos Rolling Stones ao calor comunitário de North Shields para a temporada natalina britânica, o cantor e guitarrista inglês Sam Fender lançou nas plataformas digitais a sua releitura para You Can’t Always Get What You Want, um dos maiores hinos da história do rock mundial. A faixa ganha destaque adicional na cultura britânica ao ser escolhida como a trilha sonora oficial da concorrida e tradicional campanha de Natal da rede de lojas de departamentos John Lewis, considerada uma das maiores vitrines audiovisuais de fim de ano no Reino Unido. Produção em Tyneside e conexão com raízes locais Produzida pelo próprio Sam Fender ao lado de seus fiéis parceiros de banda, Joe Atkinson e Dean Thompson, a versão foi inteiramente registrada em Tyneside, no nordeste da Inglaterra. O arranjo preserva a grandiosidade coral que consagrou a faixa original lançada pelos Stones no clássico álbum Let It Bleed (1969), mas imprime uma assinatura acústica, dinâmica e afetuosa com fortes laços autobiográficos. Para substituir o mítico London Bach Choir da gravação original, Fender convidou o coral de estudantes da John Spence Community High School, instituição de ensino localizada em sua cidade natal, North Shields, onde o próprio músico estudou na adolescência. O arranjo conta ainda com o peso dos metais da histórica Easington Colliery Band, tradicional banda de sopros de origem operária da região. “Foi um privilégio reinterpretar uma música tão icônica de uma banda tão lendária. No espírito do Natal, regravamos o coro infantil com as crianças da minha antiga escola, a John Spence Community High School, e organizamos uma seção de metais com a Easington Colliery Band”, destaca Sam Fender. Bênção e o aval de Mick Jagger A releitura não apenas chamou a atenção do grande público britânico como também conquistou elogios diretos da fonte original. O vocalista dos Rolling Stones, Mick Jagger, expressou publicamente seu entusiasmo com a faixa gravada pelo jovem conterrâneo. “Sou fã do trabalho do Sam, então fiquei feliz em saber que ele estava fazendo uma releitura de uma das minhas músicas. Acho que ele fez um ótimo trabalho.”
Izabella Rocha aprofunda raízes jamaicanas e lança versões em rocksteady de Fica Comigo e Quédate Conmigo
Trocando a aceleração festiva do ska pelo suingue cadenciado e elegante da tradição jamaicana dos anos 1960, a cantora do Natiruts, Izabella Rocha, disponibilizou nas plataformas de streaming novas leituras para os singles Fica Comigo e sua versão em espanhol, Quédate Conmigo. Desta vez, as composições ganham arranjos dedicados ao rocksteady, ritmo seminal precursor do reggae que prioriza o balanço desacelerado, linhas de baixo proeminentes e harmonias vocais calorosas. A novidade sucede as versões originais em ska fusion lançadas pela artista e funciona como o último grande aperitivo para a chegada de seu novo álbum de estúdio, Izabella Vol. 1, com lançamento confirmado para o fim do mês. Do jazz de Nina Simone à cadência de Kingston A espinha dorsal das duas canções nasce de uma ousada ponte cultural: a releitura e adaptação em português de Love or Leave Me, clássico do cancioneiro norte-americano imortalizado na interpretação visceral de Nina Simone. Com produção musical assinada pela própria Izabella Rocha ao lado de um septeto de instrumentistas refinados, a densidade melancólica da obra original deu lugar a uma celebração luminosa ao amor. Enquanto o primeiro formato explorava a urgência percussiva dos metais e do contratempo acelerado do ska, as novas versões em rocksteady resgatam a cadência clássica do estilo jamaicano. “É uma nova maneira de ouvir e sentir a música, preservando sua essência enquanto explora outras possibilidades de arranjo e interpretação”, ressalta a artista, demonstrando a maleabilidade harmônica do projeto. Para estreitar os laços com a América Latina, a versão em espanhol Quédate Conmigo expande o alcance da mensagem. Ambas as faixas contam com videoclipes oficiais dirigidos pelo cineasta Rodrigo Gianetto, captados em paisagens contrastantes entre o litoral de Santa Catarina e locações históricas no México.
The Wildhearts confirma primeiro show da carreira em São Paulo para abril de 2027
Encerrando uma espera de quase quatro décadas com guitarras cortantes, refrões pop irresistíveis e a resiliência inabalável de um sobrevivente do rock britânico, a lendária banda inglesa The Wildhearts anunciou sua primeira passagem por São Paulo. O público paulistano receberá o quarteto liderado pelo carismático Ginger Wildheart no dia 17 de abril de 2027 (sábado). O giro sul-americano é enxuto e histórico: antes de desembarcar no Brasil, o grupo se apresenta no dia 16 de abril de 2027 em Buenos Aires, na Argentina. Para a apresentação na capital paulista, o local do evento, os valores e a data oficial para o início da venda dos ingressos serão anunciados em breve pela produção. A confirmação, no entanto, já coloca a data como um dos compromissos obrigatórios do calendário de rock pesado internacional no país para 2027. Volta por cima nos palcos do The Wildhearts em São Paulo Formado em Newcastle em 1989, o The Wildhearts sempre ocupou um espaço singular e reverenciado no underground mundial. A banda construiu uma fórmula invejada ao colidir o peso avassalador do hard rock e do punk com harmonias vocais ultragrudentas inspiradas no power pop e nos Beatles, escola que influenciou gerações do rock alternativo contemporâneo. A realização desta turnê carrega uma carga emocional ainda mais profunda para os fãs e para o vocalista e guitarrista Ginger Wildheart. Em março de 2026, o músico revelou publicamente o diagnóstico de um câncer agressivo de próstata. Após cirurgias, tratamentos intensivos e uma mobilização emocionante da comunidade do rock para apoiar seus custos médicos, o líder britânico venceu as adversidades clínicas e retomou a rotina de estrada com força redobrada. Essa relação de proximidade com o público brasileiro não é nova: em uma entrevista exclusiva concedida ao Blog n’ Roll, a banda já havia detalhado os bastidores da sua sonoridade marcante, o apreço pela conexão direta com os admiradores e a vontade latente de finalmente cruzar o oceano para tocar no Brasil. Clássicos absolutos no setlist Para a estreia em palcos paulistanos, o grupo promete um repertório repleto de hinos que moldaram a era de ouro do rock britânico nos anos 1990 e 2000, incluindo:
Capital Inicial anuncia megashow de 45 anos no Nubank Parque com convidados
A banda brasiliense Capital Inicial oficializou a maior apresentação de sua trajetória para celebrar seus 45 anos de carreira. O espetáculo único e sem repetição do Capital Inicial está marcado para o dia 5 de junho de 2027, no Nubank Parque (antigo Allianz Parque), em São Paulo. Concebido como a “ultimate experience” definitiva do grupo, o show contará com participações especiais de Dado Villa-Lobos (Legião Urbana), Lenine, Zélia Duncan e Kiko Zambianchi. Toda a apresentação será gravada sob a direção do renomado cineasta Otavio Juliano (Sepultura Endurance, Doze Flores Amarelas) para integrar o documentário biográfico que registrará a cronologia da banda desde as raízes no punk rock do Planalto Central. A realização é da Live Nation Brasil, com vendas oficiais operadas pela Ticketmaster Brasil. Espetáculo em três atos: do punk de Brasília aos hinos de rádio Estruturado para ir muito além de um setlist padrão de turnê, o concerto será dividido em três atos cronológicos e temáticos. Dinho Ouro Preto resumiu o peso do projeto: “São 45 anos de estrada, e queremos comemorar criando uma experiência única, inédita e espetacular para nossos fãs. Afinal, tudo isso é graças a eles! Vai ser um encontro sem precedentes: os fãs no estádio e os amigos no palco. Com certeza uma das noites mais importantes da nossa carreira.” O espetáculo no Nubank Parque coloca a celebração dos 45 anos no mesmo patamar dos momentos mais grandiosos do Capital Inicial, como o emblemático Acústico MTV (2000) e o histórico show gravado em 2008 perante um milhão de pessoas na Esplanada dos Ministérios, em Brasília. Ingressos Os ingressos contam com valores a partir de R$ 50,00 (meia-entrada) no primeiro lote e estarão disponíveis para parcelamento em até 3x sem juros (ou de 4x a 8x com juros): Setor Lote 1 (Meia / Solidário / Inteira) Lote 2 (Meia / Solidário / Inteira) Lote 3 (Meia / Solidário / Inteira) Lote 4 (Meia / Solidário / Inteira) Cadeira Superior R$ 50 / R$ 60 / R$ 100 R$ 80 / R$ 90 / R$ 160 R$ 90 / R$ 100 / R$ 180 R$ 110 / R$ 120 / R$ 220 Pista R$ 100 / R$ 110 / R$ 200 R$ 120 / R$ 130 / R$ 240 R$ 140 / R$ 150 / R$ 280 R$ 160 / R$ 170 / R$ 320 Cadeira Inferior R$ 170 / R$ 180 / R$ 340 R$ 190 / R$ 200 / R$ 380 R$ 210 / R$ 220 / R$ 420 R$ 230 / R$ 240 / R$ 460 Pista Premium R$ 210 / R$ 220 / R$ 420 R$ 230 / R$ 240 / R$ 460 R$ 250 / R$ 260 / R$ 500 R$ 270 / R$ 280 / R$ 540 Atenção: O evento utilizará exclusivamente ingressos digitais via aplicativo Quentro, sem emissão de bilhetes físicos ou em PDF. A cota de meia-entrada é limitada a 40% dos ingressos, com limite de até 6 ingressos por CPF (máximo de 2 meias-entradas). Serviço | Capital Inicial – 45 Anos
Bryan Adams resgata raízes canadenses e histórias esquecidas em álbum inspirado e combativo
Deixando de lado o pop rock polido de rádio para abraçar a força crua do folk, do roots rock e das memórias de sua terra natal, o veterano canadense Bryan Adams apresenta um de seus trabalhos mais inspirados e autênticos em anos, How’s It Goin’. Concebido originalmente a partir de uma encomenda para a trilha do documentário Canada’s Wild Eastern Edge, o projeto tomou proporções maiores quando o músico se viu imerso em composições que o transportaram para “um lugar diferente e empolgante”, prestando tributo à história, aos desastres e à identidade do Canadá. O lançamento ganha ainda mais peso no cenário geopolítico atual, funcionando quase como uma resposta cultural e simbólica às pressões e aos ataques verbais e econômicos disparados contra o país pela administração norte-americana de Donald Trump. Do Klondike ao colapso da Second Narrows Conhecido mundialmente por baladas monumentais e hinos radiofônicos, Adams subverte as expectativas líricas habituais ao trocar as narrativas de carros e desamores por episódios cruciais da formação histórica do Canadá.
Kings of Leon lança o décimo álbum de estúdio, “O My Beloved”; ouça!
Desarmando as grandiosas paredes de som de arena para reencontrar a crueza espontânea de suas raízes em Nashville, o quarteto norte-americano Kings of Leon disponibilizou na última sexta-feira (6) o seu décimo álbum de estúdio, intitulado O My Beloved. O projeto marca a estreia da banda como produtora musical de um disco completo de sua carreira, sendo lançado pelo selo Love Tap Records com distribuição global da Virgin Music. Ao longo das faixas, os irmãos Caleb, Nathan e Jared Followill, ao lado do primo Matthew Followill, constroem uma crônica confessional sobre família, memórias de infância, paternidade e gratidão pelos caminhos percorridos em mais de duas décadas de estrada. Retorno ao espírito cru de Nashville e o ciclo de singles de O My Beloved Em vez de apostar em texturas grandiosas e ecos monumentais pensados para estádios, O My Beloved adota uma abordagem contida e orgânica. O direcionamento busca resgatar a estética garageira e sulista do início da carreira, quando o quarteto desembarcou na cena musical de Nashville no início dos anos 2000. A narrativa do disco foi antecipada ao longo das últimas semanas por uma sequência de três prévias complementares.
Florence + the Machine lança o álbum “Everybody Scream Tour Live” com 22 faixas
Capturando a catarse cerimonial, a potência vocal arrebatadora e a mística de uma das turnês mais aclamadas do ano, o grupo britânico liderado por Florence Welch, Florence + the Machine, lançou o seu primeiro registro integral de turnê, o álbum ao vivo Everybody Scream Tour Live. O projeto chegou ao mercado musical e às plataformas de streaming pela Republic Records. Embora momentos pontuais e apresentações sinfônicas da banda já tenham chegado aos serviços de áudio, como o monumental registro orquestrado Symphony of Lungs – BBC Proms no Royal Albert Hall, gravado em 2025, o lançamento se consagra como o primeiro registro completo a documentar a experiência total de uma turnê mundial em arenas e anfiteatros. Todas as 22 faixas foram captadas ao longo das apresentações deste ano em suporte ao elogiado álbum de estúdio Everybody Scream. Como amostra da atmosfera visceral dos shows, a banda disponibilizou como prévia oficial a arrebatadora versão ao vivo de Which Witch (Live). Celebração ritualística O alinhamento de Everybody Scream Tour Live funciona como uma crônica da maturidade performática de Florence Welch. O setlist equilibra os momentos de transe e teatralidade do disco recente com hinos atemporais que moldaram o indie rock e o art pop da última década e meia. Além de mergulhar na mitologia e na tensão percussiva de faixas como Witch Dance, Buckle, Music By Men e a catártica faixa-título Everybody Scream, o álbum traz interpretações imponentes de marcos do catálogo do grupo, incluindo Dog Days Are Over, Shake It Out, Cosmic Love, Free, King e a raridade energética Which Witch. O projeto ainda encerra a jornada com a faixa bônus exclusiva Perfume and Milk (Live).
Scatolove celebra dez anos de união e flerta com o peso do metalcore no álbum “Estanho”
Abandonando a leveza tradicional para abraçar afinações baixas, bumbos duplos e temas existenciais densos sem perder o apelo melódico pop, o duo paulista Scatolove disponibilizou nas principais plataformas digitais o seu segundo álbum de estúdio, Estanho. O disco sai com o selo da gravadora Deck e marca a comemoração de uma década de atividades musicais da banda e de relacionamento afetivo do casal. Formado por Léo Ramos (vocalista, guitarrista e líder da Supercombo) e Isa Salles (cantora e compositora à frente do projeto Teima), o duo faz do título uma alusão direta às bodas de estanho, simbolizando os dez anos de parceria de vida e de estrada. O trabalho encerra a espera dos fãs desde o elogiado disco de estreia, Lei de Muffin (2018). Embora a dupla tivesse prometido a sequência do EP Cavalice no País das Maravilhas – Episódio 1, o fluxo de composições tomou outro rumo nos últimos anos, transformando-se organicamente em um repertório completo de inéditas. Guitarras de sete cordas, pedal duplo e catarse emocional Se nos primeiros anos a identidade da Scatolove transitava pelo indie pop e pop rock solar com toques cômicos, Estanho representa uma guinada rítmica drástica. A cozinha e as cordas incorporaram elementos expressivos do som pesado contemporâneo: vocais rasgados, linhas técnicas de guitarra de sete cordas e a agressividade do pedal duplo. Isa Salles comenta com bom humor a invasão de influências extremas: “Nesse álbum a gente deixou o nosso lado mais metalcore aflorar. Mesmo a gente se intitulando um duo de pop rock, dessa vez as coisas ‘saíram de controle’ e tá bem mais pesado, com temas bem densos.”
Lourenço Rebetez une jazz contemporâneo, percussão e vanguarda eletrônica em “Língua Geral”
Lourenço Rebetez disponibilizou nas plataformas de streaming o seu segundo álbum de estúdio, Língua Geral. O lançamento consagra uma ponte internacional inédita entre três selos de referência em música instrumental e de vanguarda: Risco (Brasil), Jazzybelle Records (França) e Think! Records (Japão). Mais do que um mero cruzamento estilístico, o projeto propõe uma profunda investigação sobre o tempo, a polirritmia e a espiritualidade da matriz afro-latina. Ao longo de sete composições autorais, Rebetez desafia a linearidade convencional com batidas elásticas, compassos ímpares e arranjos orquestrais inusitados, fazendo com que passado, presente e futuro coexistam em uma mesma frequência sonora. A bênção de Letieres Leite e a formação estética A matriz conceitual de Língua Geral bebe diretamente dos ensinamentos absorvidos por Rebetez durante seus anos de convivência com o maestro Letieres Leite (1959–2021), criador da seminal Orkestra Rumpilezz. O tributo ao mestre abre o repertório na faixa Maestro, resgatando a chave mestra de sua obra: compreender os desenhos rítmicos tradicionais, como o toque do ijexá e as claves sagradas, não como folclore estático, mas como a estrutura viva que rege harmonias e improvisações de vanguarda. A bagagem do músico começou a ser lapidada na prestigiada Berklee College of Music no fim dos anos 2000, combinando a sofisticação harmônica de Wayne Shorter e a revolução rítmica proposta por Moacir Santos à crueza urbana do hip hop noventista (J Dilla) e às produções atemporais de Roy Hargrove e D’Angelo. Encontros transatlânticos: do Bogum a Nova York e Tóquio Para dar corpo a essa arquitetura sonora, Lourenço Rebetez uniu forças ao produtor pernambucano-americano Arto Lindsay (ícone da vanguarda nova-iorquina e da Tropicália tardia). Juntos, recrutaram instrumentistas de diferentes “DNAs rítmicos” para cruzar linguagens em estúdio: