Shelter entrega show intenso com destaque para Mantra em São Paulo
Foram necessários 24 anos de espera até o retorno do Shelter ao Brasil. A banda nova-iorquina krishnacore que marcou época nos anos 1990, principalmente com o álbum Mantra, fez duas apresentações no País, Curitiba e São Paulo, no último fim de semana. No domingo (15), no Carioca Club, em São Paulo, Ray Cappo e companhia lideraram o evento que contou com as bandas nacionais Against The Hero, Mais Que Palavras e Bayside Kings. A escolha das bandas de abertura foi muito acertada. O Against the Hero foi a responsável por abrir os trabalhos. Uma banda de hardcore em alta rotação com muito cuidado com a questão melódica, o que não os torna necessariamente um grupo de hardcore melódico. Destaque para as harmonias de voz do vocalista com o guitarrista e o instrumental poderoso e amarradinho. Para uma banda que começou com dois vocalistas, a adaptação foi muito bem feita. E o show em geral foi muito correto, principalmente se levar em consideração o peso da missão de serem os primeiros a se apresentar, em um evento que envolvia tanta emoção. Na sequência, diretamente do Distrito Federal, o Mais que Palavras, banda heroica e que já está há um bom tempo na estrada, fez um show de hardcore com H maiúsculo, onde o nome da banda é exatamente o oposto do que a banda se predispõe a fazer. Aqui, apesar de uma sonoridade bruta e ortodoxa (muito bem executada) calcada no hardcore, o que realmente importa é a mensagem. A banda nitidamente se preocupou mais em propor uma reflexão antifascista do que simplesmente tocar suas musicas de qualquer forma. Em tempos sombrios, isso é muito bem vindo. Afinal o hardcore em geral sempre primou pelas mensagens. Algum tempo depois, subiu ao palco outra banda emblemática do hardcore nacional, a santista Bayside Kings. O show mostrou uma banda que atingiu uma maturidade artística e performática que os coloca em uma posição merecidamente de destaque no cenário atual. O fato de terem trocado a língua inglesa pelo português, fez um bem enorme à banda, que conseguiu fazer com que seus sons fossem entoados por boa parte do público presente. Destaque para a técnica dos integrantes e pela postura firme do vocalista Milton Aguiar. Foi a banda certa na hora certa, com a postura certa. Shelter Todos bem aquecidos para o que viria na sequência, quando diretamente dos PAs do Carioca Club, se inicia a audição do mantra que abre o disco Mantra, do Shelter.E então, os veteranos Ray Cappo e John Porcelly entraram no palco com uma energia elevada à enésima potência, atacando com Message of the Bhagavat. Foi um momento de explosão catártica do que temos de melhor a oferecer, como público sul-americano, mas também do que temos de pior. Logo na primeira música, um fã alucinado subiu ao palco e pulou em direção ao público, com os dois pés voltados para a cara de todos que se aglomeravam na frente do palco. Duas garotas saíram machucadas por conta desse ataque. Uma delas, que fotografava o show, saiu com suspeita de fratura na costela e a outra com o rosto ensanguentado por conta de um corte no supercílio. >> Confira entrevista com Ray Cappo Me questiono onde está o amor e o cuidado pelo próximo, que foram palavras pregadas durante o show de todas as bandas, quando atitudes violentas como essa ainda acontecem, principalmente em um cenário historicamente tão inclusivo. A próxima faixa foi Civilized Man… Irônico, no mínimo. Nesse momento, eu só me perguntava, cadê a tal da Empathy? Bom, ela veio na sequência do set, onde infelizmente ainda tínhamos alguns poucos fãs demonstrando a sua alegria, sendo agressivos com stage divings homicidas e patéticos, que já perderam a graça desde os violentos dias da cena hardcore americana nos anos 1980. O Shelter, visivelmente emocionado com a resposta do público geral (não a meia dúzia de babacas), seguiu enfileirando clássico atrás de clássico, esbanjando uma vitalidade impressionante e bonita de se ver. A banda foi impecável no palco, com Ray e Porcelly comandando todo o caos, da maneira que podiam. Em Here We Go, o Carioca Club explodiu com todo o público cantando em plenos pulmões o refrão da música, que foi hit na MTV em 1995. Aliás, a base do show foram as canções do Mantra, nada mais justo, já que esse é um dos melhores discos lançado em um dos anos mais emblemáticos para todo fã de punk e hardcore. Antes de encerrar o show, a banda mandou uma versão de We Can Work it Out, do Beatles, que foi lançada na versão brasileira do Mantra. Depois vieram Saranagati, do Quest for Certainty (1992) e Shelter, do disco de estreia da banda. Um show absurdamente energético, com uma banda soando extremamente potente, em uma casa perfeita para esse tipo de evento e uma produção impecável.Infelizmente algumas poucas pessoas do público, ainda precisam se inteirar sobre o conteúdo e a mensagem das letras da banda, ao invés de agirem como animais ensandecidos que acabaram de fugir do zoológico. “Well I’ve tried the best I canI’ve tried to understand the Civilized ManSo-called Civilized man” (Shelter – Civilized Man)
Em show marcado por polêmica evangélica, Caetano & Bethânia emocionam com set de 40 músicas
Despedida de Nicko McBrain emociona em encerramento da tour do Iron Maiden
Horas antes do início do último show da The Future Past World Tour, no Allianz Parque, em São Paulo, o Iron Maiden fez um anúncio inesperado sobre a saída do baterista Nicko McBrain após mais de 40 anos na banda. Do início ao fim todos os holofotes estavam nele. Antes de iniciar The Writing on the Wall, terceira canção do set, Bruce Dickinson fez um discurso emocionante para o companheiro de longa jornada. “Esta noite é uma noite muito especial, como alguns de vocês — eu acho que provavelmente todos vocês — sabem, porque esta manhã nós anunciamos — Nicko anunciou que ele está se afastando das atividades de baterista ao vivo do Iron Maiden”, iniciou o vocalista. Logo depois, exaltou as conquistas de McBrain no grupo e deixou claro que a aposentadoria está restrita apenas aos shows. “Por 42 anos Nicko está nesta banda. Ele era baterista antes de eu ser cantor, ele era piloto antes de eu ser piloto. E agora ele não está deixando a banda. Mas ele simplesmente não está mais tocando ao vivo conosco”. Por fim, Dickinson deu a letra de quão especial seria o restante da noite. “Temos muita música para tocar esta noite e eu quero que o resto da noite seja uma celebração de Nicko, uma celebração da alegria que ele trouxe para todos ao redor do mundo, não apenas aqui no Brasil”. De fato, os detalhes foram muito emocionantes. Fosse com Dickinson interagindo com o amigo, os demais integrantes brincando com ele em vários momentos ou o público gritando o nome de Nicko diversas vezes, o que levou o vocalista a perguntar como era a pronúncia dos fãs. De forma sutil, antes de deixar o palco pela última vez, Eddie, o mascote da banda, fez reverências ao músico. Impossível não se emocionar com os detalhes dessa despedida. Da mesma forma, o baterista certamente ficou tocado com os gritos de 45 mil pessoas no Allianz Parque: “ole, ole, ole, ole, Nicko, Nicko”. McBrain estava enfrentando problemas de saúde há algum tempo, incluindo um AVC no ano anterior, o que gerou preocupações sobre seu futuro na música. Além disso, venceu um câncer na laringe em 2020. A Future Past World Tour tem um repertório inalterado com foco nos álbuns Somewhere In Time (1986) e Senjutsu (2021). Dessa forma, o público brasileiro pode ouvir as clássicas Caught Somewhere In Time (ignorada desde 1987), Stranger In A Strange Land (ausente desde 1999), além de Alexander The Great, que pela primeira vez entrou em uma tour do Maiden. O álbum mais recente do Maiden, Senjutsu, também teve suas estreias, com destaque para Days of Future Past, Death of the Celts, Hell on Earth e The Time Machine, todas já muito bem recebidas após três anos de seu lançamento. E mesmo que boa parte dos fãs já soubesse do repertório decorado e na ordem, alguns se surpreenderam na pista com a ausência de The Number of the Beast. Os mesmos que vibraram com mais entusiasmo em Fear of The Dark e Wasted Years, que encerrou o show. Na saída do palco, mais gritos efusivos para Nicko McBrain. “Nicko, o show é seu. Este é seu palco, esta é sua noite, use o tempo que quiser”, disse Dickinson antes deixar a cena. Nicko nada disse, apenas distribuiu seus acessórios e agradeceu com gestos o apoio vindo da plateia. Memorável! Horas depois, Simon Dawson, integrante do British Lion e ex-The Outfield, foi anunciado como substituto de Nicko. O debute no Brasil deve ocorrer em 2026, pelo menos foi o período que Dickinson prometeu voltar ao país. Vamos aguardar! Antes disso, a banda estreia em 27 de maio a turnê Run for Your Lives, que terá Budapeste, na Hungria, como primeira parada.
Volbeat ganha mais força no Brasil após show com Iron Maiden
Quase sete anos depois de sua estreia no Brasil, a banda dinamarquesa Volbeat retornou ao país como convidada especial dos dois shows finais da The Future Past World Tour, que o Iron Maiden fez no Allianz Parque, em São Paulo. No sábado (7), o Volbeat passou quase uma hora debaixo de chuva, mas não esfriou em nada a apresentação. Aliás, conseguiu um grande apoio dos fãs do Iron Maiden, mesmo que o som não seja muito parecido. A entrada dos integrantes ao som de Born to Raise Hell, do Motörhead, ajudou bastante no reconhecimento do público. O vocalista e guitarrista, Michael Poulsen, também teve muito mérito na boa recepção dos fãs. Conversou bastante com o público e comandou movimentos coreografados nas músicas. O set teve grande foco no álbum Seal the Deal & Let’s Boogie, de 2016, o maior sucesso comercial da banda. O Volbeat tocou os quatro singles do disco: The Devil’s Bleeding Crown, Black Rose, Seal the Deal e For Evigt. Antes de Sad Man’s Tongue, Poulsen falou da influência de Johnny Cash na faixa, algo muito perceptível, principalmente no início da faixa. Dead But Rising foi a única novidade no set na comparação com o show de sexta-feira. A música entrou no lugar de Shotgun Blues. Na reta final, com o público já na mão, Poulsen pediu apoio das luzes de celulares na balada For Evigt. Foi prontamente atendido. Still Counting, que já fecha os shows do Volbeat há anos, encerrou a apresentação, que deixou um gostinho de quero mais. Tomara que a banda retorne o quanto antes para um show solo. Queridinha dos festivais de verão na Europa, a Volbeat tem muito mais discografia para gastar por aqui.
No esquenta para o estádio, Bring Me The Horizon entrega show enérgico na Audio
David Cross celebra disco clássico do King Crimson em concerto em SP
*A temporada mais grandiosa da história da Balaclava Records, que trouxe Smashing Pumpkins, Dinosaur Jr, King Krule, The Vaccines, entre tantos outros nomes incríveis em 2024, teve um desfecho ainda mais incrível. Na intimista Casa Rockambole, em São Paulo, a produtora levou David Cross, lendário integrante do King Crimson, para um show memorável na noite da última quinta-feira (28). Acompanhado de John Mitchell na guitarra/vocal, Sheila Maloney nos teclados, Mick Paul no baixo e Jeremy Stacey na bateria, David Cross relembrou sua passagem pela banda que revolucionou o rock progressivo incorporando elementos da música clássica, jazz, folk, heavy metal, entre tantos outros gêneros. David Cross teve uma passagem curta pelo King Crimson, entre 1972 e 1974, mas tempo suficiente para gravar dois álbuns marcantes da discografia do grupo inglês: Larks’ Tongues in Aspic (1973) e Starless and Bible Black (1974). Em São Paulo, o violonista foi fiel ao legado e dedicou uma grande parte da apresentação para tocar na íntegra, e em ordem, Larks’ Tongues in Aspic. Para quem prestigiou o King Crimson em sua única vinda ao Brasil, em 2019, o concerto de Cross foi um grande complemento, se levarmos em consideração que apenas duas faixas de Larks’ foram tocadas naquela ocasião. Larks’ Tongues in Aspic marcou um novo momento na carreira do King Crimson. E em boa parte por culpa de David Cross. Foi nesse disco que o grupo substituiu as tendências jazzísticas por uma textura diferente, na qual se destaca principalmente Larks Tongues In Aspic Part I, com um dos riffs mais pesados da história da banda. Talking Drum é outro destaque do álbum, novamente com muito crédito a David Cross, que exibe influências da world music. Professor de música na London Metropolitan University por décadas, David Cross entregou um workshop de alto nível na Casa Rockambole. E ainda teve espaço para algumas faixas de sua carreira solo, com destaque para Starfall, além de músicas de outras fases do King Crimson, aqui não podemos deixar de mencionar Red e Starless, que foi tocada no bis. *Texto por Tássio Ricardo
The Vaccines transforma Cine Joia em forno com show empolgante
Pela nona vez no Brasil, Franz Ferdinand entrega show fresco e dançante
Em uma noite repleta de surpresas, a banda escocesa Franz Ferdinand entregou um show incrível no Popload Gig #66, que rolou no Tokio Marine Hall, em São Paulo, na última quinta-feira (14). Em sua nona passagem pelo Brasil, a primeira em seis anos, Alex Kapranos e companhia apresentaram um repertório forte, repleto de hits, mas também com sete músicas de The Human Fear, álbum que será lançado em janeiro. Mas antes de seguir falando sobre o show do Franz Ferdinand, preciso destacar as duas grandes surpresas que rolaram minutos mais cedo. A primeira surpresa foi a inclusão do músico Tom Ribeira no lineup da noite. O artista de Botucatu, considerado uma das maiores revelações da Nova MPB, mostrou muita desenvoltura com suas histórias e canções bem pessoais. Em quase 30 minutos de show, ele falou sobre o período em que morou na França, da criação de algumas faixas, além do convite para o show de abertura do Franz Ferdinand, que partiu de Alex Kapranos, o anfitrião da noite. Aliás, ele viu Tom de pertinho, registrando vídeos do show do músico paulista. Durante a apresentação, Tom Ribeira ainda prestou duas bonitas homenagens à Rita Lee e Martinho da Vila, entregando duas versões bem originais. Logo depois que Tom Ribeira deixou o palco, o telão da casa exibiu um vídeo incrível para anunciar o retorno do Popload Festival. O evento vai rolar em 31 de maio de 2025. Franz Ferdinand Com o público aquecido e com o coração quente após o anúncio do Popload Festival, a banda escocesa subiu ao palco a mil por hora. The Dark of the Matinée e No You Girls logo de cara bastaram para transformar o Tokio Marine Hall na pista de dança mais animada da Capital na véspera de feriado. Na sequência, Alex Kapranos, que usou e abusou das coreografias desengonçadas ao longo da noite, passou a equilibrar o set, promovendo estreias de The Human Fear. A primeira foi Night or Day. Depois vieram mais seis. Apesar da boa recepção do público com as músicas inéditas, os fãs foram ao delírio mesmo com a nostalgia. O álbum homônimo, de 2004, que está completando 20 anos, teve seis canções tocadas, inclusive os cinco singles. You Could Have It So Much Better, o segundo trabalho do Franz Ferdinand, também foi muito bem representado. Foram quatro canções, incluindo o super hit Do You Want To. Foram 22 músicas em quase 1h40 de show. E o Franz Ferdinand deixou claro que pode renovar o repertório sempre que o show sempre vai parecer fresco. Ninguém vai reclamar se eles voltarem anualmente, como no início da carreira. Edit this setlist | More Franz Ferdinand setlists
Songs of a Lost World e a “dança cansada com a idade e a resignação”
Mesmo com o reconhecimento midiático e com uma forte inclinação a produzir, sob encomenda, hits radiofônicos e singles cantarolantes para serem tocados à exaustão em shows de porte mundial, nunca faltou para o The Cure, enquanto banda, e para Robert Smith, enquanto artista, o elemento principal para atingir o ápice de uma condição de melancolia: a angústia. Não é diferente em Songs of a Lost World, o novo álbum da banda (leia mais abaixo). Os rapazes britânicos, que começaram como um trio de amigos de acordes tímidos no final dos anos 70, nunca foram muito de se acomodar, tanto no som quanto na forma dos integrantes. Quase sempre maquiados, com cabelos desgrenhados, subiam nos palcos com uma variedade de estilos que sempre se sobressaiu, alternando entre o post-punk frio e calculista de álbuns como Seventeen Seconds, Faith e, principalmente, Pornography, com a sonoridade diametralmente oposta de quem queria abraçar todos os sentimentos do mundo, ao invés de se livrar deles, e escalar o topo mais alto da montanha, um sentimento que prevalece por parte de Kiss Me Kiss Me Kiss Me e Wish. A convivência direta desses dois estados de espírito destoantes não demoraria a ditar o ritmo e compor a energia dos sons da banda. Apesar de ter tido inúmeras variações de formação, a mais icônica e mais lembrada entre os fãs de longa data pode ser conferida no filme-concerto chamado The Cure in Orange, dirigido por um colaborador da banda, Tim Pope, em 1987, em um raro registro com Smith e seus cabelos curtos (ele entra com peruca no palco, não poderia ser diferente) e as presenças agregadoras de Lou Tolhurst no teclado e Pearl Thompson tocando uma série de instrumentos. Simon Gallup, baixista quase totalmente fiel, e Boris Williams, na bateria, completavam os sonhos mais perfeitos de fãs, antigos e novos. Aos poucos, mais precisamente em 1989, com o lançamento do álbum Disintegration, o vocal foi sendo suprimido pela longa duração e a atenção dada à manifestação instrumental, que compunha quase um registro de cinema, em que Smith mesclava poesia com falas sussurradas, em um mundo de fantasia e abstração povoado por emoções dolorosamente reais, de uma banda de música. A banda possuía, agora, Roger O’ Donnell, um membro que passou a integrar constantemente as formações bagunçadas e desorientadas do Cure, no teclado. Nesse álbum, Smith se expressava com tanto pesar que era possível deduzir que o vocalista não queria incomodar o ouvinte com suas lamentações. O som de cada instrumento passou, então, a oferecer um tipo de abrigo ao ouvinte que o líder da banda se sentia frágil demais para cultivar. A faixa de abertura desse álbum se chama Plainsong, e inaugurou uma “onda” (que está presente no mais último lançamento deles) de canções expansivas, densas e exigentes com nome genérico. Talvez seja difícil mesmo descrever de um jeito eloquente algo que mexe tanto conosco. Songs of a Lost World e a “dança cansada com a idade e a resignação” Dezesseis anos de espera podem fazer você desistir por completo de uma pessoa, um objeto ou uma lembrança que você quer manter por perto. O tempo não é muito gentil com as nossas expectativas, mas, às vezes, não importa os quão pessimistas nós sejamos, alguém está se movendo invisivelmente e tornando um sonho possível, mesmo que publicamente essa pessoa faça joguinho e negue veementemente tudo o que é perguntado, ou, quando se cansa de negar, mente, fala coisas sem a menor noção de se comprometer, ou então sem sentido algum. Desde que lançou seu esquecível 4:13 Dream, em 2008, Smith vinha brincando e, claramente, se divertido (ainda que tenha sentido culpa em ter sido relativamente desonesto, segundo ele mesmo) em aproveitar aparições públicas para criar um grande mistério em torno da concepção de um álbum que, independentemente de suas falas, já estava sendo formado ao vivo, sob os olhos do público, em shows, com seis canções novas que foram sendo concebidas para todos verem e ouvirem, por diversas vezes, entre 2018 e 2022. Era uma situação curiosa, porque todos queriam se apegar ao momento, mas o momento era negado ou constantemente adiado. O que era o momento, nesse caso? Se o tempo foi uma constante na concepção de Songs of a Lost World, que inicialmente parecia ser uma continuação do disco de 2008, parecia um pouco óbvio que, tematicamente, o disco poderia falar sobre a passagem das estações, da resiliência e sabedoria que vem com a espera. Sua gestação foi fruto da contemplação do trabalho de Smith e companhia, que demorou a ser feito e teve tempo o suficiente para ser modelado exatamente como seus integrantes queriam, o que talvez seja um grande privilégio, um alento aos fãs que viram os shows e se mobilizaram para a conclusão do disco e o consequente trabalho de divulgação como nos velhos tempos pré-Spotify, e também foi um reflexo de tempos pandêmicos, conforme Smith disse em entrevista às mídias oficiais da banda. O vocalista perdeu o pai, a mãe e o irmão em um curto espaço de tempo. O luto e o pesar, apesar de existirem em Disintegration, Pornography e até no relativamente subestimado Bloodflowers, de 2000, nunca foram a razão de ser de um disco. O sofrimento não era palpável apenas no jeito de cantar ou no sentido de vestir a roupa do que você está sentindo. Na verdade, aqui, o sofrimento é um componente de algo muito maior. Para a faixa de abertura, a já ensaiada, tocada e premeditada Alone, Smith disse que, assim que eles tocaram ao vivo e gravaram em estúdio, soube que seria a primeira música e o single principal do disco. Segundo ele, se você sabe como começa e termina um álbum, o restante do trabalho está basicamente encaminhado, porque achar o que preencher dali em diante é meramente instintivo. Os primeiros versos da letra (“This is the end of every song we sing”) foram diretamente tirados de um poema do poeta inglês Ernest Dowson, Dregs. Apesar das referências e individualidades do
